1408 (2007)

Basada en otra más de las historias de Stephen King, dirigida por Mikael Hafstrom, y estelarizada por John Cusak & Samuel L Jackson, la cinta es una de las mejores creaciones derivadas del máximo maestro del horror, poniendo en el plano a quien más tarde dirigiera la famosa El Rito.
Sobre un escritor escéptico que escribe sobre hoteles embrujados, desprestigiándolos, revelando las verdades sobre estos, pero que cierto día le toca investigar el hotel Dolphin y específicamente el cuarto 1408, y es cuando las dimensiones se desatan y crean uno de los dramas de terror más surrealistas de los últimos tiempos.
Destacando la casi solitaria actuación de Cusak, la no tan conocida actuación en el personaje de Enslin es uno de los mejores roles que haya interpretado; claro está que mucho se debe a cómo Hafstrom resolvió la película, es bastante recomendable, pero claro, sin llegar a las máximas cumbres del horror...

The New World (2005)

Con siete años transcurridos desde su última película, La Delgada Línea Roja, Terrence Malick recrea uno de sus mayores gustos, la historia norteamericana, teniendo bajo su dirección a Collin Farrell, Christian Bale, Christopher Plummer, la más destacada de la cinta Pocahontas Q´Orianka Kilcher, entre otros...
Es 1607, y con la llegada de la London Virginia Company, los ingleses llegan a América para empezar una nueva vida, encontrándose ahí a la tríbu de los powhatan, que primero contemplan a los europeos, y más tarde secuestran a uno de ellos, el capitán John Smith (Farrell), y en su cautiverio, ellos le muestran su cultura, y Smith la suya, mientras se enamora de la princesa Pocahontas, y empieza a encariñarse más y más con los powhatan. Mientras esto sucede, los ingleses padecen por el nuevo clima y por su propia ineptitud; a lo que, al regreso de Smith a donde los colonizadores, los powhatan les ayudan trayendo comida y prendas más calientes; solo para que poco después los ingleses se las regresen con guerra y muerte, lo que hace que el padre de Pocahontas la expulse de la tribu, y la princesa tenga que vivir ahora al lado de los conquistadores. Poco después Smith tiene que dejar América para empezar otra expedición más al norte, y deja dicho a sus compatriotas que hagan creer a Pocahontas que él ha muerto... Un nuevo inglés, llamado John Rolfe, llega, se enamora de Pocahontas, se casa con ella, y la lleva a vivir a Inglaterra, luego de que ella aceptara tras oír que Smith estaba vivo, allá en el viejo continente.
Sí, es la sinopsis más larga en El Ojo desde que se abrió el blog, pero como tiene varios giros, solo hacía podía ser...
Con un hermoso llevamiento de la trama, preciosa fotografía, amor visual por la naturaleza nativa, por la cultura powhatan, además de la genial idea de que haya más dialogos en off, como pensamientos, como cartas, que dichos a cuadro, la cinta es una fabulosa manera de contar la conquista norteamericana. Mallick se luce y la vuelve un clásico, haciendo de las escenas de naturaleza y contemplación poesía visual, de las batallas, posturas políticas, y de las secuencias en Inglaterra tan elegantes como alguna vez Kubrick lo lograra con Barry Lyndon.
Una excelente película que pudiera empezar un tanto cansada, pero ya con el ritmo andando se vuelve como una caída libre, donde uno llega a contemplar lo maravilloso de la tierra.

A Knight´s Tale (2001)

Estelarizada por Heath Ledger y Rufus Sewell, y dirigida por Brian Helgeland, la traducida como Corazón de Caballero es la cinta con trasfondo medieval o caballerezco más rockera que se haya hecho, y sin siquiera hago esta calificación comparándola con cintas del estilo de sonido e imágen desfazadas a nivel temporal como lo hicieron antes como Jesuschrist Superstar o El Cavernicola, solo lo digo puesto que la música es tan rockera que no tiene sentido que esté en esta película, pero como sea... La película que el escritor ficticio inventado por Sony recomendó al mencionar al Ledger como la siguiente gran estrella mezcla el tema de los torneos de justas con música de Queen, amistades buena onda, y una pequeña influencia del Cuento del Caballero de los Cuentos de Canterville de Geoffrey Chaucer.
Sobre unos amigos que les gustan los torneos de justas, la parranda y los retos arriesgados, y se lanzan al máximo de los torneos a combatir con los grandes sires pese a que ellos son simples campesinos, y les llevará a tener serios problemas.
Con actores como Paul Bettany, Laura Fraser o James Purefoy en los roles secundarios, la película es un blockbuster absoluto, pues es divertida, intrascendente y fácilmente olvidable, sin embargo, su status dominguero la hace soportable y hasta entretenida a quien sea que la vea...

Inside Llewyn Davis (2013)

Basada parcialmente en las memorias del músico y activista Dave Van Ronk, y dirigida por los hermanos Coen, la cinta estelarizada por Oscar Isaac secundado por Justin Timberlake, Carey Mulligan, John Goodman, Garrett Hedlund, entre otros, es una más del paquete de películas de la temporada de premios del 2014, galardonada entre otras cosas con el Gran Premio en Cannes.
Sobre un pedazo de la vida del músico de folk Llewyn Davis, superando el suicidio de su amigo, buscando donde vivir noche tras noche, viajando de ciudad en ciudad buscando espacios para tocar, persiguiendo un gato, dándose cuenta de sus errores inadvertidos del pasado, soportándose a sí mismo, la cinta solo es un momento en la miserable y por lo visto perdida vida del cantante/guitarrista, introduciendo una que otra vez la tradicional ironía de los directores, pero sin llegar a ser tan inolvidable como grandes de los Coen, como Quémese después de leerse, No Country for Old Men, The Man who wasn´t there, o El Gran Lebowski, sin embargo, en esta fría tibieza, tampoco cae en el término de mala película, solo, como menciono, es un momento, hecho película...
Es recomendable para pasar el rato, pero tampoco es la gran obra maestra...

The Ninth Gate (1999)

Dirigida por el controversial Roman Polanski, y estelarizada por un Johnny Depp sin maquillaje, la cinta con una estética cien por ciento noventera se basa en el libro de Arturo Pérez Reverte "El Club Dumas", el cual narra seguidores de la colección del escritor que da nombre a dicho club, solo que la película se centra en el libro diabólico que se menciona en la novela de Reverte.
Sobre la tarea que se le encarga a Dean Corso de autentificar tres libros y si es posible, ya de paso, resolver el enigma que estos guardan, pese a que personas de una secta lo persiguen, puesto que los libros hablan del regreso de Lucifer y una tal novena puerta que lleva hacia la superioridad humana, la película llega a veces a ser medio mafufa (mafuferamente noventera), pero el misterio detrás de todo queda abierto todo el tiempo, puesto que entre los personajes y el libro que todos quieren ("DE VMBRARVM REGNI NOVEM PORTIS") nunca tienen un final, las tramas realmente quedan abiertas a interpretación, dando la oportunidad al espectador de generar sus propias conclusiones.
Como una complicada y mejorada versión anticipada del buscador de misterios del Código DaVinci, la cinta puede gustar a aquellos fans de las historias detectivezcas, a los fanáticos de Depp, o a los aferrados con los temas oscurantistas, es una buena referencia para el cine de misterio de los noventa, y si no es la mejor película ni de Polanski, ni de Depp, vale la pena conocerse y empaparse un rato del misterio de la cinta.

12 Years a Slave (2013)

Sin duda una de las películas más conmovedoras de los últimos tiempos es la tercera cinta del director Steve McQueen, que, con un elenco encabezado por Chiwetel Ejiofor, acompañado de Lupita Nyong´o, Brad Pitt, Michael Fasbender, Sarah Paulson, Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti, Paul Dano, Quvenzhane Wallis, entre otros, hacen sin duda una película de drama justa para el tiempo que pareciera haber iniciado con esa declaración de lo que fue Django Unchained de Tarantino, sobre la hipocrecía norteamericana de tachar al mundo de los enemigos de la libertad, cuando en las entrañas de su país Dante mismo jamás hubiera podido describir esos horrores que ni a Hitler mismo se le llegaron a ocurrir.
Sobre la vida de Solomon Northup, un afroamericano libre, músico, autosuficiente, en vías de superación económica para él y su familia, que es secuestrado por un par de blancos fraudulentos que le hacen creer que se va de gira musical, le venden a un esclavista (Giamatti), y éste lo vende primero a un hombre "bueno" (Cumberbatch), pero que rodeado de otros hillbillies promedio tiene que pasar a Solomon a otra plantación, donde lidera un asqueroso racista, violador y aprovechado (Fassbender), y de una u otra manera Solomon tendrá que encontrar el camino que le regrese a su libertad...
La dantesca aventura de Solomon, basada en el libro biográfico del protagonista, entonces es parte de ese desenmascaramiento de lo que Estados Unidos alguna vez fue, y finalmente puede ser mostrado en la gran pantalla, dejando de lado esa hipocrecía de cintas como La Lista de Schindler, entre otras, que aunque grandes tragedias también fueron, jamás se debería de clamar que es narrada por esos de la malamente llamada "tierra de la libertad".
Musicalizada por un emotivo Hans Zimmer, sin duda, el legado de la película es trascendente tanto por su tema, su contexto y su calidad. Una excelente película que bien perdurará en la historia del séptimo arte.

Her (2013)

Con un futurismo rosa, como solo Spike Jonze podría crear, tan cercano a nuestra realidad, tan exacto para lo que a nivel tecnológico el siglo XXI ha representado, tan líneal, tan seguro, el ovacionado film de ciencia ficción del flaco que baila Praise you de Fatboy Slim en un centro comercial es una interesante propuesta sobre el futuro en contraste a las conocidas y sobreusadas distopías de viajes cósmicos y guerra de las másquinas a las que estamos acostumbrados.
Sobre un hombre llamado Theodore Twombly, interpretado con la ya acostumbrada genialidad y solutura de Joaquín Phoenix, en un futuro no muy lejano, donde él se dedica a un servicio postal de cartas de amor a desconocidos, las empresas lanzan al mercado sistemas operativos que generan y acumulan conciencia, esto para crear vínculos aún más empáticos con sus usuarios, lo que genera un nuevo tabú futurista sobre gente que se enamora de sus computadoras; así que en este nuevo mundo de amor digital Theodore tiene que vivir y sobrellevar su vida, bajo el no tan extraño caso del amor que siente (citando a Catherine (Rooney Mara), su exesposa) por su laptop.
Como menciono, la actuación de Phoenix justifica su multinominación en todos los premios de la temporada, pero cabe mencionar la destacada actuación vocal de Scarlet Johansson como Samatha, además de las participaciones de la mencionada ya Mara, y la que parece aparecerá en todas la películas nominadas a algo de los siguientes diez años, Amy Adams, y la rápida pero siempre grata actuación fugaz de Olivia Wilde.
Sin duda una destacada recomendación, pues la visión de Jonze sobre el futuro muestra la deshumanización en proceso en la que casi toda la humanidad estamos siendo partícipes; así que amantes del psi-fi y del amor y el drama, esta es una película buena que no cae ni en los extremos de lo cursi o del clitché futurista, por lo que usted si no la ha visto, debería de verla en cuanto pueda.

Kafka (1991)

La segunda película del persistente y versátil Steven Sodenbergh está basada levemente en los libros El Poceso y El Castillo de Franz Kafka, además de contar con la presencia de Jeremy Irons en el protagónico.
Sobre la angustia y la opresión sistemática de la que tanto escribió Kafka, la cinta, pudiéndose poner al lado de adaptaciones cinematográficas con estilo similar como 1984 o Un Mundo Feliz, destaca, sin embargo, no llega a convercer de ser un digno homenaje al complicado director, algo como lo realizado por Orson Welles en su versión noir del Proceso, sin embargo, tampoco llega a ser una chafada.
No pasa nada, por lo tanto, si no la ven, pero tampoco pasa nada si la ven... solo que si son kafkeanos de corazón, mínimo se recomienda que la conozcan.

Coffee & Cigarettes (2003)

Otro de los máximos tesoros fílmicos de los últimos tiempos del legado Jim Jarmusch, son la serie de conversaciones con cigarros y cafés, que llevan a cabo personas de relevancia artística como Steve Buscemi, Roberto Begnini, Alfred Molina, Bill Murray, Jack & Meg White, Tom Waits, Iggy Pop, entre otros son evidencia fundamental para el posmodernismo que vivimos, con construcciones visuales simples pero complejas, donde conversaciones sin destino se vuelven una entretenida e interesante sucesión de secuencias tan maravillosas que tan solo nos muestran más y más facetas en las que el cine puede encontrar cabida y continuación infinita.
Nuevamente, como las otras Jarmuschianas, es una absoluta recomendación para saciar esa cinefilia indetenible, e igual como advertencia, blockbustereanos absténganse...

Dead Man (1995)

Hay un viaje místico para la autocomprensión, entre miles de simbolismos y una gama flotante de blancos y negros, una revelación de un actor como alguien más propenso al arte que a la simple excentricidad de la sociedad desfigurada hambrienta de consumo, por donde pasa un tren gris que contiene a las ideas, por donde viven apaches reveladores de verdades o de teorías, pero en este viaje solo un nombre puede ser la máxima idea del uso de la creatividad expandida hacia la pantalla frente a nuestros asientos: Jim Jarmusch.
Estelarizada por un multifascético Johnny Depp, al lado de artistas como Billy Bob Thornton, Iggy Pop o John Hurt, y metiendo simbolismos que van desde el viaje del héroe a la manera órfica, los simbolismos sobre la identidad del indígena norteamericano hasta analogías a la obra y trabajo del poeta y pintor William Blake, la historia es una fantástica pieza fílmica de arte se torna indispensable para el cinéfilo real, para el estudioso artístico y cultural, y para el amante del conocimiento y el arte mismo de la filosofía.
Una indispensable para el cinéfilo real, pero imposible para el cinéfilo blockbustereano.

Natural Born Killers (1994)

Dirigida por Oliver Stone, pero con la clara influencia y participación de Quentin Tarantino en el guión, la cinta sobre los Bonnie & Clyde de la generación X, pero basados en la pareja real de asesinos Charles Starkweather & Caril Ann Fugate, estelarizados por Woody Harrelson & Juliette Lewis es de las cintas más emblemáticas del cine de los noventas, un claro pilar de las bases del cine de hoy en día, un altar pop ácido sobre la cultura y el contexto de su tiempo en cuestión, y por lo tanto una indispensable del cine de todos los tiempos.
Sobre las aventuras y hazañas de Mickey & Mallory, una pareja de maleantes que consigue fama por sus violentos robos, hasta convertirse en la cabeza del tabloide, y el tema principal de todos los medios de comunicación, terminando la historia en una fuga masiva en una prisión donde se planeaba entrevistar a la famosa pareja para una televisora.
Encarnando a los personajes principales de una manera tal que seguro sus encarnaciones les seguirán para toda su carrera, Harrelson & Lewis tienen las actuaciones de sus vidas en la película, por no mencionar en los roles secundarios las fascinantes actuaciones de Tommy Lee Jones y Robert Downey Jr, que se desviven actuando los caricaturezcos y exagerados roles que les tocan.
Como menciono, es una indispensable y una joye inolvidable del cine de los años 90´s.

The Wolfman (2010)

Con la tintura y como tratando de encajar en el grupo de los remakes de las cintas de terror clásicas como Bram Stoker´s Dracula de Coppola, o Mary Shelley´s Frankenstein de Branagh, el director Joe Johnston encabeza la película protagonizada por Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Hugo Weaving & Emily Blunt, para demostrar que esa era de remakes mencionada terminó hace mucho mucho tiempo...
Basada en la película de 1941 de George Waggner, la historia narra la historia de la familia Talbot, que quedó maldita por la maldición del hombre lobo que los gitanos pregonaban desde tiempos ancestrales, y ahora el pueblo entero tiene que lidiar con este caso de licantropía familiar...
La película entonces queda más del lado de otro estilo de cintas como Hansel & Gretel o Van Helsing que las arriba mencionada, se siente hecha al aventón, y el hecho de que respeten el maquillaje de la versión del 41 es algo que la hace más risible que sorprendente, pues luce chafa, y en el género cuando series como Charmed o Buffy the Vampire Slayer tienen mejor calidad visual que tu cinta, eso se vuelve garantía de que usted verá una pelìcula deficiente que no vale la pena ni recomendar... Lástima por Del Toro, Hopkins y Weaving, pues solo por ellos la cinta debería de brillar, sin embargo, ni con eso logra salvarse...

Dallas Buyers Club (2013)

O como las distribuidoras mexicanas traducirían Dallas Buyers "Desahuciados", (esos hombres están dallas buyers = esos hombres están desahuciados) es un proyecto iniciado desde 1992 por el periodista Craig Borten, sobre su reportaje acerca de la labor y el caso de Ron Woodroof, pasando por varias alternativas de estelares y directores para realizar la película infructíferamente sino hasta la llegada al mando del director Jean Marc Vallée, quien recluta a Matthew McConaughey, Jared Leto y Jennifer Garner para los roles estelares.
Sobre el tiempo que pasó desde que le diagnostican sida a Woodroof, hasta afrontar a sus amigos hillbillies y sus tabúes con respecto a sida=homosexual, y después afrontar a las élites médicas que experimentan en los moribundos y urgídos pacientes más en beneficio de las farmaceuticas que su propio bien; solo para terminar abogando este mismo problema contra la corte, exponiendo el caso ante los medios y los escépticos al caso, hasta volverse un héroe en un mundo decadente y sin solución.
La película, que ha sido ampliamente aplaudida por la crítica, con las bien merecidas palmas para las excelentes actuaciones de McConaughey y Leto, es un muy buen drama, que se queda un poco solo en eso, en el ser una buena historia sin caer ni en la gloria absoluta ni en la mediocridad... solo buena, y ya.

Fanny och Alexander (1982)

Ya con una trayectoria trazada, cuando el mundo tenía en su mente a Ingmar Bergman como uno de los máximos señores del séptimo arte, cuando realiza su película Fanny & Alexander, el mundo entero le muestra asombro, haciéndose acreedor de óscares a mejor película extranjera, fotografía, vestuario y arte, volviéndose instantanemente un clásico del cine universal, que hasta la fecha conmueve e inspira a los creadores fílmicos a sus propios seguimientos artísticos y creativos.
Sobre la familia Ekdahl, y sobre todo de los niños Fanny y Alexander, quienes tienen que soportar la muerte de su padre, y el ingreso de un obispo déspota y mal padrastro, que se vuelve la pesadilla de su vida diaria, hasta que cierto incidente y la aparición de un galerista judío les ayudan a sobrellevar su problema en crecimiento.
Como menciono, la cinta es una joya cinematográfica, aún siendo más narrativa (en lo que a narrativa regular refiere) que simbolista, como algunas de sus cintas anteriores como Persona o El Séptimo Sello. Una joya que usted, amigo cinéfilo, debe de conocer y atesorar en su colección personal.

Insidious: Chapter 2 (2013)

Repitiendo crew, empezando con el recién multivitoreado James Wan, tras su exitosa The Counjuring, además de repetir desde Patrick Wilson y Rose Byrne hasta los niños Ty Simpkins & Andrew Astor, incluyendo también a  la psíquica Lin Shaye como Elsie Ranier, bajando un poco la intensidad y dramatismo de la primera parte, para ahora contar más una lógica de los demonios dentro del protagonista Josh Lambert, y porqué específicamente a él.
Luego del escape de Lambert tras rescatar a su hijo en el mundo demoniaco, y asesinar a Elsie, la esposa, Renai deja de confiar en Lambert, y pese a que él dice que todo acabó, los sucesos fantasmales continúan sucediendo, solo que en esta ocasión, la trama no lineal, hace que uno pierda un tanto el hilo de lo que va sucediendo, pues a parte de no ser líneal, el otro lado, la dimensión fantsamal ahora nos muestra que es carente de tiempo, por lo que sucesos aún más pasados que la primera parte tienen un porqué hasta ahora.
Se desenmascarán las realidades detrás de la anciana y de porqué Josh no recordaba su niñez, además de dar mayor historia en cada uno de los personajes secundarios, destacando el papel de Parker Crane, quien si llegase a serguir la saga a capítulo 3 podría convertirse en uno de los más complejos villanos del cine de horror de la nueva era.
Así que si bien ayuda a conplejizar más, a nivel narrativo y en trasfondo, a la primera parte, es mucho más light y tibia que su antecesora, sirviendo solo de muletilla para la primera, pues sola sería aburrida, y una más del montón... Si vieron la 1, véanla, sino, vean primero la 1, sino les interesa ver la 1, menos les interesará ver el capítulo 2.

Persona (1966)

No de "person-a" sino del griego que significa "máscara".
Dirigida por quien en esta cinta se levanta como uno de los pilares más rígidos y simbolistas del cine de todos los tiempos, Ingman Bergman, y con la idea sobre soltarse y escribir una historia sin las ataduras de los estudios o la casa productora, esto respuesta a su hospitalización por un colapso nervioso por estrés, la película protagonizada por el dueto conformado por Liv Ullman & Bibi Andersson, es una de las mayores joyas que se hayan filmado jamás.
Sobre un problema de mutismo que una actriz de nombre Elisabeth (Ullman) desarrolla, y su relación con su enfermera, Alma (Andersson), y de cómo Alma pasa de los estados de admiración, secrecía, celos, ira y arrepentimiento, todo bajo la contemplación de su compañera; tornando la casi hora y media de la película en un estudio del silencio de una y la contemplación de la otra, hasta el aislamiento paradójico de la misma.
Con perfectas actuaciones de las actrices y la sencillez que parece dar la maestría del director, la cinta es una caja de pandora sobre las personalidades de las personajes, del arte y hasta del director mismo.
Recomendable para los cinéfilos, pero no los blockbustereanos, pues su intensidad literaria dista del Hollywood vacío y fácil de digerir.

Spiderman 3 (2007)

Y no, la saga no prosperó, pareciendo que lo logrado en la segunda parte fuera solamente un churrazo, pues en un paso Sam Raimi transformó la mejor película de superhéroes Marvel hasta la fecha en otro éxito taquillero dominguero que realmente valió la pena desechar, pues aún con la destacada actuación de Tobey Maguire como Peter Parker, el resto de la historia, desde bobadas emo hasta un Venom, interpretado por Topher Grace, más risible que atemorizante, aún pese a los fantásticos efectos especiales en el otro villano, Sandman, interpretado por Thomas Haden Church, hacen de la película un maratón de efectos visuales parecidos hechos al azar, acomodados según el humor de Raimi.
Sobre que siempre no fue aquel ladrón el que mató al Tío Ben, sino Sandman, quien ahora es un súpervillano que desata una ira vengadora en Spiderman contra él, mientras que Parker tiene que lidiar con los celos de Mary Jane (Kristen Dunst), los cuales fueron desatados luego de que el superhéroe repite el inolvidable beso con otra chica (Bryce Dallas Howard), lo que orilla a Jane a empezar a enamorarse de otro supervillano, el Green Goblin Jr (James Franco). Todo mientras que Parker encuentra un meteoro extraterrestre que decide ser su nuevo traje, pero un traje oscuro que le hace de su ira su nueva manera de ser.
Medio teen, medio fofa, medio equis, totalmente dominguera; lo que lleva a las casas productoras a que aún luego de haber anunciado Spiderman 4, se cancele y se inicie una nueva franquicia. Lástima por nuestro querido master Raimi, y el bien adapatado al personaje Maguire, pero tantas fallas le costaron finalmente la franquicia, y entre esto, y la nueva era de los reboots, nada pudo hacer más por ese Spiderman que revolucionó el cine de los superhéroes.

Spiderman 2 (2004)

Habiendo iniciado con el pie derecho, Sam Raimi continúa su saga sobre el Hombre Araña, con el mismo reparto que la anterior (Maguire, Dunst, Franco, Rosemary Harris (tía May)), pero ahora agrega la tensión conocida por los fanáticos del cómic sobre los dilemas existenciales de Peter Parker, además de la introducción de un villano más completo de lo que DaFoe Goblin antes lo fue: Dr Otto Octavius, Dr Pulpo, interpretado por un estupendo Alfred Molina.
Como digo, Peter Parker sufre de su crisis existencial, pues al ser superhéroe la vida como Parker es complicada y no da una para complacer a su enamorada Mary Jane; mientras que un científico (Octavius) tiene problemas con su máxima invensión y todo le hace volverse el supervillano Dr Octopus, lo cual provoca que Spiderman tenga que despertar de su crisis para salvar el mundo de las garras (muchas garras) del nuevo supervillano en curso.
Teniendo las mismas cosas buenas y destacadas de la cinta anterior, pero enmendando sus errores, teniendo a uno de los mejores villanos que se haya visto en la historia del cine de superhéroes, Raimi hace una muy buena cinta sobre Spiderman, augurando un futuro prometedor para lo que sigue en su franquicia...

Spiderman (2002)

Después del éxito que X-Men trajo para Marvel en la gran pantalla, las productoras se animaron y llamaron a quien antes fuera el maestro del horror satírico Sam Raimi, quien recluta al en aquel entonces desconocido Tobey Maguire, a la estrella en ascenso Kristen Dunst, al consagrado Willem Dafoe y a otro también desconocido de nombre James Franco, además de incluir a su amigo Bruce Campbell para algún cameo, haciendo la primera película de superhéroes de la nueva era del cine de superhéroes. ¿Y porqué X-Men no puede considerarse de la nueva era aún? Puesto que mientras que X-Men es literal una adaptación al cine, el uso del traje original de Spiderman nos muestra que aún lo ilógico, psicodélico y de mal gusto que los cómics pudieran tener, un fan del superhéroe quiere ver al superhéroe tal como lo vió en sus tiras cómicas, X-Men los rediseña, en cambio lo hecho en Spiderman ha prosperado hasta la actualidad, la que podríamos considerar la Edad de Oro de los Superhéroes en el cine.
Sobre la vida de Peter Parker, un ñoño que es mordido por una araña bajo tratamientos experimentales, y adquiere los poderes de ésta, pero adaptados a su cuerpo, y entonces empezar una lucha contra la villanía de su ciudad luego que esta le costara la vida de su tío Ben (Cliff Robertson).
Sí, con sus sorprendentes efectos especiales de cuando Spiderman se mueve, más la fidelidad del personaje con el cómic, la película que inicia una nueva era para un género 1000% redituable pasa a la historia como un giro de 360 grados para todo el cine en general; sin embargo cosas como adaptar al Green Goblin (DaFoe) como si fuera un Power Ranger, o una que otra broma en la historia, tratando de salvar el humor del antiguo cine de Raimi, entorpecen algo el ritmo de la historia en general, cosa que enmendará en la secuela, que agiganta los logros de esta y redime sus errores para salvar la franquicia.
Aún con todo esto, la fofa actuación perfecta para Peter Parker por parte de Maguire, la épica musicalización por parte de Danny Elfman, escenas inolvidables como la del beso con Mary Jane, más los detalles buenos mencionados antes, la hacen una de las indispensables del cine de superhéroes de todos los tiempos. Siendo un parteaguas para una era que vivimos, el Spiderman de Sam Raimi le abre la puerta a infinidad de cintas que hoy conforman nuestra cotidianidad cinematográfica.

Captain America: The First Avenger (2011)

Una vez trazado el camino que dirigía hacia la más grande reunión de superhéroes que se hubiera visto en el cine, se anuncia bien cómo llegarán las varias películas de superhéroes a arrivar allá, esto en el caso de Iron Man 2 o Thor, pero el más elemental de la alineación recae en el héroe de la segunda guerra mundial, el ícono del americanismo y la conquista del mundo por esa primera potencia, pues aún más que Superman, que representaba los ideales americanos, el Capitán representa a América en un solo superhéroe; así que en un mundo tan globalizado y con un conocimiento de las atrocidades que ha cometido en la historia ese país ¿cómo hacer que el más gringo de los superhéroes funcione en la taquilla internacional?
Dirigida por Joe Johnston, y estelarizada por quien alguna vez fuera la Antorcha Humana (Fantastic 4), Chris Evans, la historia narra la historia de un escualido Steve Rogers, quien quiere entrar al ejército gringo e ir a la guerra, pero como no tiene cuerpo sino espíritu para ello, el doctor Abraham Erskine (Stanley Tucci)  lo recluta para el batallón del coronel Philips (Tommy Lee Jones), y finalmente lo mete al experimento que aumentará su corpulencia para volverlo el súper soldado, cuya habilidad más grande es su corazón bondadoso y su astucia combinada con tremendo valor; y al enemigo que tendrá que enfrentar es al líder de una secta deribada del nazismo, Hydra, organización controlada por el terrible Red Skull (Hugo Weaving), que al lado de su secuaz Arnim Zola (Toby Jones) serán el dolor de cabeza más grande que el Capitán y sus amigos tengan que combatir.
Librando el asunto de la gringada que el superhéroe representa, lo ponen en equipo con un grupo de soldados internacionales, que más que pelear por sus países pelean por el bien mundial... Check.
Sin embargo, pese a los cameos de otros personajes de Marvel, como la aparición de Dominic Cooper como Howard Stark (el papá de Iron Man), o Bucky (quien después se volvería Winter Soldier), interpretado por Sebastian Stan, tener a actores de la talla de Hugo Weaving o Tommy Lee Jones en papeles tan grises e insípidos, solo malforman la grandeza que sus carreras ha construído; todo esto pese a que no es un pésima película, pero sin duda sí la más aburrida de la saga de la Fase 1 de Avengers, haciéndose recomendable solo para verse al lado de la saga completa.
Se menciona que ya que la historia llegue al presente, la historia del Capitán y todo lo que representa se actualizará y combatirá a lo que Estados Unidos ahora representa... Ya lo veremos.

Paranormal Activity: The Marked Ones (2014)

La sexta película de la franquicia, el segundo spin-off, pero el primero de los spin-offs que tiene línea directa con la saga original, pudiéndose considerar como un capítulo cinco, Los Marcados, del director Christopher Landon, gira a nuevos personajes alejados del contexto de los anteriores, pues tratando de ampliar la franquicia a nivel internacional, latinizándola, muy adoc al boom latino que Estados Unidos vive, aún mayor que nunca, la historia se siente tan fresca como la primera, sin caer en el nivel épico e inolvidable de esta, pero sin duda superando lo apagado de las entregas anteriores.
Sobre el verano de Jesse (Andrew Jacobs) y Héctor (Jorge Díaz), y la muerte de la extraña vecina que vive en el departamento de abajo que parece practicar la brujería, la cual, tras su muerte desata una serie de eventos extraños que no se sienten tan frígidos como en las entregas pasadas, sino que con los personajes divertidos, mensos, superteens, curiosos, y hasta lerdos, la historia se vuelve ágil, empatizadora, y llena de momentos que más que asustar te mantienen en un hilo misterioso de entretenimiento que nunca llega a caer en lo tarado, lo clitché o lo aburrido.
Sin ser una joya del terror, la cinta cumple con el cometido de entretener y mantener la franquicia a flote, que ya en el tema de las brujas parece haberse estabilizado luego de que en los tres primeros capítulos pintara como que nadie tenía idea de a donde se movería la historia comenzada con Katie & Micah. Curioso fue que el estilo Live action comenzado en The Blair Witch Proyect, ese que parecía reacomodarse a la franquicia en cuestión, terminó ajustándose al tema de la brujería como colchón donde cayó leve y acomodadamente.

Eyes Wide Shut (1999)

Y cuando parecía que Full Metal Jacket sería la última película de Stanley Kubrick, debido al tiempo de espera, doce años después el director tiene su obra póstuma, con la que muchos llaman una reveladora de secretos de la capacidad de alcance del oscuro y misterioso mundo de Hollywood, ese a quien siempre representó, y con el que siempre se peleó.
Sobre la relación entre el doctor Bill Halford, Tom Cruise, y su esposa Annie, Nicole Kidman, y su fragilidad como pareja, reflejo de la vida real de la pareja de interpretes, y la curiosidad de Halford para llegar a más, y cuando se reencuentra con su antiguo amigo Nick Nightingale (Todd Field), éste lo guía, sin querer, a una super fiesta que termina siendo una orgía masónica, que lleva a Halford a un abismo de dudas y comprometimientos que termina por destruírle la vida.
Basada en la novela Traumnovelle de Arthur Schinitzler, y con una de las secuencias más impactantes de su carrera, musicalizadas por Joselyn Pook, se rumora que la película, la reveladora de secretos, fue el motivo de la muerte del director, que, al exponer estos secretos masónicos terminó encontrando su final en un misterioso ataque al corazón.
Así termina la vida de uno de los gigantes del olímpo cinematográfico, con controversia, con genialidad, con perfeccionismo, sinceridad y una creatividad única.
Larga vida al artista Stanley Kubrick!

Lo Sceicco Bianco (1951)

La considerada ópera prima del italiano Federico Fellini (pues Luci del varietá (Luces de Variedad) no la cuentan muchos debido a que es una colaboración al lado de Alberto Lattuada) es una de las mayores joyas cómicas de las que usted vaya a presenciar, pues entre su amor por lo burlesco y lo que parece una visión del mundo como una caricatura, hasta el hecho de que el guión lo escriben entre Michelangelo Antonini & Ennio Flaiano, de que aquí comienza la frondosa colaboración con el músico Nino Rota hasta crear un cameo a uno de sus más populares personajes en su cine futuro, Cabiria, interpretada por su simpática esposa Giulietta Masina, la cinta ya incluye todo lo que en el tiempo por venir conformará el universo felliniano, de la crítica social y religiosa hasta su notable asombro ante el mágico y fantástico mundo de la farándula, cuya "mitología" va del Jeque Blanco (traducción de la película en cuestión) hasta La Dolce Vitta, Otto e Mezzo o hasta su tardía Ginger e Fred, siendo su universo y su concepción y perspectiva del mismo, lo que hace único y fabuloso el cine de Fellini.
Sobre una pareja de recién casados que llega a Roma para ser bendecidos por el Papa, pero el fanatismo exagerado de ella, Wanda Cavalli, interpretada por la linda y curiosa Brunella Bovo, hacia un personaje de una fotonovela llamada El Jeque Blanco, la hace ir a buscarlo a la casa editora de la novela, e introducirse a sí misma en un viaje fantástico parecido al de Alica en el País de las Maravillas, pero el viaje de Wanda es al maravilloso y bizarro mundo de la farándula, ilimitado, exagerado, superhumano; mientras que el esposo, Ivan Cavalli (Leopoldo Trieste) tiene justificar la ausencia de Wanda ante su familia para ver si le da tiempo de encontrarla y así posponer el cometido de su viaje a Roma, aún cuando luego de perdida Wanda, Ivan encontró una carta de su esposa dirigida al Jeque Blanco sobre su intención de conocerlo.
Con actuaciones inolvidables de Bovo, Trieste y Alberto Sordi, quien interpreta a Fernando Rivoli, el actor que interpreta al Jeque, más todo lo mencionado en el primer párrafo, y pese al fracaso en taquilla de la película, podría decir que esta película es de las mejores aperturas a una filmografía, un universo, una "teoría de la perspectiva felliniana", a una realidad de la que muchos nos enamoraríamos por ser de las más únicas, sinceras y fantásticas realidades que cualquier artista en cualquier tiempo haya tenido.

American Hustle (2013)

En una línea iniciada desde The Fighter (una de las películas más destacadas de Christian Bale), pareciera que el nuevo gran favorito de la Academia es David O Russell, pero el camino que se veía venir en The Fighter no llegó a prosperar, desde el punto de vista de un opinador; sin embargo, la reseña de hoy será sobre la ampliamente aplaudida American Hustle (Escándalo Americano).
Basada en una serie de investigaciones ABSCAM del FBI, y estelarizado nuevamente por Bale, como Irving Rosenfeld, un estafador casado con la idiota y banal Rosalyn (Jennifer Lawrence), pero enamorado de otra estafadora, Lady Edith Greensly also known as Sydney Prosser (Amy Adams), y juntos estafan a don nadies con gran alegría, sin embargo, con la aparición del agente Richard DiMaso (Bradley Cooper), de Hacienda, todo el teatro se les viene abajo, por lo que tienen que trabajar con él para hacer caer a otros estafadores, de donde destaca el alcalde Carmine Polito (Jeremy Reiner), un hombre que tiene que recurrir a los sobornos para crear nuevas fuentes de empleo para los más pobres, sin embargo, éste se vuelve el principal blanco de la investigación de DiMaso, enorgulléndose de sí mismo, pues el complot llevaba hasta las mafias italianas de Miami, encabezadas por el inteligente Victor Tellegio, interpretado por un oscuro y de vuelta a lo clásico Robert DeNiro.
Aún mejor que la "reliquia" del año pasado, Silver Linings Playbook, pero compitiendo con cintas como The Wolf of Wall Street de Scorsese, el Hustle de O´Russell tiene un comienzo lento, que torna a una buena película en cuanto el personaje de DeNiro hace de las suyas (con su corta aparición), con la constante iniciativa de Lawrence por hacer valer su óscar de 2013, un insípido Cooper, una destacada actuación de Reiner, y un nuevamente excelente Bale, la película catalogada como comedia podría solo mostrarnos el extraño y ácido humor del director, que en la cumbre de su carrera genera exageraciones en los peinados, algunas escenas en medio de nubes de humo para causar dramatismo, un uso desmedido humorístico del personaje de Lawrence (su chica de oro) y un sobrevalúo típico de la Academia y sus aledaños.
Es una muy buena película, pero no es La película como la han llamado, y hasta llega a sentirse un raro intento de suplir lo que alguna vez los Coen representaron. Recomendable, pero no a nivel de "lo mejor que hay".

Full Metal Jacket (1987)

La novela a adaptar en esta ocasión: The Short Timers (Gustave Hasford), construcción: 2 capítulos, el entrenamiento, la guerra. Perspectiva kubrickista: Postura sobre la guerra y la formación y secuelas de la misma.
Estelarizada por Matthew Modine, pero con mejores y absolutas actuaciones de Vincent D´Onofrio como Leonard Gomer Pyle Lawrence, y R Lee Ermey como el sargento Hartman, la historia narra el difícil entrenamiento gringo, lleno de demeritaciones humanas y humillaciones, lo que se vuelve una bomba de tiempo para cada uno de los prospectos a asesinos legalizados; para después llevarlos a un campo de guerra lleno de inocentes que no harán otra cosa que defenderse de la invasión norteamericana, que conlleva a la doble moral enseñada a cada uno de los americanos en libros, películas, televisión... Finalmente ellos fueron los asesinos del mundo, pero con una doble moral que cubrió su halo sangriento encubriendo el mugriento mundo que construyeron hasta llevarnos a la actualidad.
Luego de su fuerte crítica, Stanley Kubrick regresa a los caminos bélicos, que no usaba desde Paths of Glory, y lo hace nuevamente con las palmas de la crítica y la fanaticada, más crítico que nunca, y adoc a sus pensamientos y posturas para con las acciones del gobierno de Estados Unidos.
Si usted desea ver una gran película de guerra, esta podría estar en el top 5 de las mejores hechas, entre las que estarían seguro también Apocalypse Now & Platoon. Nuevamente: Recomedable 1000%

Me & Orson Welles (2009)

Para poder hablar de esta película tenemos que afrontar el hecho de la estadía del niño High School Musical, Zack Efron, y su intento, como el de muchos de su clase (niños que fueron famosos y en su momento enloquecieron a miles de pubertas deseosas de chicos populares un poco afeminados), aún antes de tener ya en el registro básico a quien antes dirigiera películas como A Scanner Darkly o School of Rock, Richard Linklater; puesto que aún ni con la dirección de Linklater, o la destacada actuación de Christian McKay, quien personifica a Orson Welles, Zack Efron, quien finalmente es protagonista, jamás llega a relucir, siendo solo un actorcillo que parece pagó por estar en la película y puso su cara de adolescente mamón a ver si alguien le creía que "actuando" de alumno de Orson Welles, su talento milagrosamente aparecería.
Sobre un chavito que ansía convertirse en actor, y entonces quiere encajar específicamente en el mundo teatral de Orson Welles, pero encuentra no otra cosa que arrogancia y despotismo del genio controlador del artista, y tiene que arremeter con este, afrontarlo o someterse.
Con la participación también de Claire Danes y Eddie Marsan, la cinta filtrada un poco en sepia es bien aceptada por la crítica en general, y muy aplaudida por los conocedores teatrales; sin embargo, como decía, Efron nunca llega a despegar opacando solamente las virtudes de todos los que le rodean en la película; pudiéndose resumir simplemente como que es un buen comienzo para los que tienen ganas de saber un poco de Welles, ignorando a Junior (Richard/Efron), y apegándonos a lo hecho por Linklater & McKay.

Barry Lyndon (1975)

Como tratando de compararse con los que lo inspiraron, con los que le tatuaron la idea de simetría, de belleza, de secciones áureas que dividen los universos que uno genera, como tratando de reafirmar la idea de que él era más que un director, era un artista, y que el cine era solo su medio para generar sus concepciones y sus visiones del mundo, Stanley Kubrick adapta la novela de William Makepeace Thackeray a la pantalla grande, y con Ryan O´Neale & Marisa Berenson, Kubrick vuelve a romper las barreras del cine, haciendo otro titán cinematográfico: Barry Lyndon.
Sobre las peripecias del irlandés por el que se llama la película, su ascenso socioeconómico y su caída moral y regreso a las entrañas de su verdadera pútrida realidad, la cinta se podría resumir en una serie de cuadros barrocos (al estilo de Georges de la Tour, Hogarth o John Constable) vivientes, donde en un probable quizás, hasta por cintas como esta se inspiraron algunos artistas posmodernistas como el fotografo Jeff Wall,  más la hermosa línea narrativa falta de imperfecciones, sin caer en huecos aburridos o innecesarios arcos "artísticos" para poderse justificar como cine de autor.
No se puede hablar tanto sobre Kubrick, pues alabar y alabar en cada reseña de cada película del director, puede demeritar su trabajo, pero que quede claro, que una vez que pasó de la etapa pre-Spartacus, no hubo defecto más alguno en la filmografía del artista en cuestión.

The Wolf of Wall Street (2013)

La quinta colaboración entre DiCaprio & Scorsese nuevamente acapara las habladurías cinematográficas para bien y para mal, por un lado hay aquellos que la acusan de exagerada, que es imposible que Jordan Belfort, en quien se basa la película, haya podido estar en tantas orgías y meterse tanta droga sin morir, y hay quienes la alaban casi como modelo de vida, y todos se vuelven de pronto wanabe JB.
Comenzando con un trailer que grita estar dirigido para fans de raperos actuales como P Diddy, Jay Z o Kanye West, a alguien como yo, le desmotiva en demasía; sin embargo, dejándome llevar por Scorsese, me he ido a dar tres fantásticas y alocadas horas, conociendo la vida del codicioso pero emprendedor JB, quien al lado de su lambiscón amigo Donnie, interpretado grotescamente (para variar) por Jonah Hill, conquistan el mercado de Wall Street estafando a los que aparecen en las páginas rosas, y con las ganancias despilfarran el dinero del mundo hasta llevarnos a la crisis económica actual.
A las excelentes actuaciones de DiCaprio & Hill, se les agregan las apariciones de otros de la élite hollywoodense como Matthew McConaughey, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jon Bernthal, Jon Favreau, Jean Dujardin, Spike Jonze y Margot Robbie, haciendola totalmente comparable con otros grandes éxitos de Scorsese como Gangs of New York, The Departed o hasta Goodfellas, y dejando en claro que los trailers pueden no ser buenas cartas de presentación cuando de los grandes artistas del séptimo arte respecta.
Claro que es recomendable, pero aténganse a que habrá sexo, drogas, y tres horas de incesante codicia como solo al mundo de nuestro actual capitalismo le ha permitido tener desaforadamente al ser humano.

Pay it Foward (2000)

Antes de que Haley Joel Osment fuera gordo y olvidado, tuvo su época donde pudo haber sido lo que Macaulay Culkin fue en aquellos días de Home Alone, y esta película de la directora Mimi Leder, basada en la novela de Catherine Ryan Hyde podría formar parte de su hit-filmography...
Acompañado de Helen Hunt, Kevin Spacey, Jay Mhor, James Caviezel y hasta Jon Bon Jovi, la película narra cómo a un niño hijo de una stripper se le ocurre hacer un sistema apodado "cadena de favores", en el que intenta cambiar al mundo, haciendo un favor a gente aleatoria, "obligando" a esta gente a hacerlo con gente nueva a partir de ellos; más una historia amorosa entre la madre y el profesor, y todo lo clitché de una película del estilo.
Aún cuando la premisa de la Cadena de favores es una utópica y bella idea, la película cae en lo mismo de todas las de su estilo, es predecible, cae en cursilerías muy chafas, y hasta la roptura que hacen en el timeline con la historia del reportero es casi irrelevante. No obstante es una bonita película familiar, dominguera, y que no importa si la ven o no, no es indispensable, pero tampoco perjudicial.

A Clockwork Orange (1971)

Luego de la odisea de ciencia ficción que hasta creó la leyenda de que Stanley Kubrick había sido quien había hecho el famoso video del primer paso del hombre en la luna, el futurismo no abandonó al director, y en su antojo de convivir un poco más en este género, solo le agregó ultraviolencia, y el buen llevamiento de la novela homónima de Anthony Burgess, con Malcolm McDowell a la cabeza del casting, en el papel que recordaría por el resto de su vida.
Sobre Alex, un delincuente sociópata, amante de la música clásica, y una especie de personaje que mezcla las tendencias punk, pop, posmodernista y futurista, al que le gusta causar estragos y pasarla bien en su mundo autogenerado, sin embargo, tras ser detenido y mandado a un tratamiento psicológico llamado Ludovico, Alex es mecanizado y se vuelve un sirviente social (no literalmente) patético y pusilánime, una clara representación de la persona promedio a la que Kubrick, Burgess y McDowell quedan muy claros en simbolizar.
Desarrollando un nuevo hito que a la actualidad llega a ser inspiración de cintas como Requiem o Trainspotting, hasta ser una parada obligatoria de las tribus urbanas que se desarrollaron mayoritariamente luego del estreno de la controversial película, la cinta es otra indispensable del cine de todos los tiempos; pasando de los aspectos mencionados, al score donde Wendy Carlos rehace la música clásica que a Alex tanto le encanta hasta el uso de la canción Singing in the Rain, que se cuenta no estaba en el guión, sino que a McDowell se le ocurrió; o la famosa historia de cómo el protagonista quedó cegado por la verdadera manipulación y tortura contra sus ojos; la cinta genera leyendas, es una leyenda, y vivirá por siempre como una de las mejores representaciones psicosociales juveniles que hayan habido, como una obra pop de 136 minutos, y como el anhelo ideal de lo que Marinetti y los futuristas hubiesen querido para el futuro del cine.

2001: A Space Odyssey (1968)

El día en que Arthur C Clarke y Stanley Kubrick se juntaron el universo estalló, viajamos por el tiempo, el tejido espacial se desgarró y trascendimos...

Basada en la novela corta de Clarke "El Centinela", Kubrick hace una de las mejores películas, sino es que la mejor, de ciencia ficción que se hayan hecho, pues desde el desenvolvimiento de efectos especiales hasta la narrativa, hasta los conflictos espacio-temporales, hasta la estética, simétrica, exacta, absorbente, la hacen el principal tesoro galáctico que se haya filmado.

Estelarizada por Keir Dullea, Gary Lockwood, Douglas Rain & William Sylvester, la trama se podría resumir sobre un grupo de astronautas que sigue señales acústicas de un monolito que parece ser extraterrestre, y todas sus implicaciones...

Hasta con una leyenda interna con respecto al soundtrack, donde Kubrick desechó el score original, ya completado, y por sus bolas y perfeccionismo, decidió ponerle música de su elección, con autores de renombre clásico como Strauss o el mismo Ligeti, con quien trabajaría en más películas en su filmografía completa; todo se vuelve una perfecta construcción indispensable de los fans del género, del director, del autor, del espacio, del universo, del cine, de todo... Una absoluta recomendación.

Martyrs (2008)

Comentada como una de las películas más perturbadoras de los últimos tiempos, podemos conlcluir que con la controversial película del francés Pascal Laugier, viene de una larga serie de eventos posteriores a la salida de Hostal ¿Y porqué? No porque sea una copia, o tenga tintes hostalianos, sino que Mártires es la prueba viviente de a dónde va el cine de horror, que bien podría venir todo esto desde una línea lejana gore iniciada por Herschel Gordon Lewis, pero por el estilo y el tiempo, el contexto de lo que el género pasa, pudiendo decir que es la prueba más tangible de donde está el cine de horror (que no sea copia de copia de copia) en estos momentos, donde el impacto es algo que ya hemos visto en cintas como Serbian Film o The Human Centipede, nos ha dejado claro que ese impacto pudiese ser lo más relevante, pues aún no hay una película que logre crear la empatía y el dolor tan perturbador como  lo hace la película de Laugier.
Sobre una niña llamada Lucie (Mylene Jampanoi) que escapa de un lugar donde la torturaban, conoce a una amiguita, y una vez que crecen quiere vengarse de sus torturadores, los cuales guardan una serie de asquerosas concepciones de la vida que harán palidecer al más badass de los fans del género.
Con una estética y efectos especiales supervisados por Buzz Image Group aplicados casi enteramente en el personaje de Anna (Morjana Alaoui), que nos pueden traer a la mente algunas de las más grotescas imágenes de Hellraiser, una trama bien construída que parece llevar la cinta hacia los thrillers derivados de la invasión de cine de horror oriental, y la obvia sucesión de una sala de tortura que finalmente nos afirma que los torturadores como los de The Hills have Eyes o The Texas Chainsaw Massacre ya no son lo de hoy en el cine; la película es un tremendo prospecto de trascender en la historia, volverse una referencia casi innombrable para seguir el camino del horror cinematográfico, y ver hacia donde nos lleva.
Para aquellos fans del género es una indispensable, para los que temen con facilidad manténganse alejados, tal alejados que parezca otro planeta.

Dr Strangelove or How I Learned to Stop Worring & Love the Bomb (1964)

¿Qué pasa cuando Stanley Kubrick quiere/trata-de hacer comedia/sátira? Y ¿Qué tal si a esto le agregamos una de las más increíbles actuaciones del británico-hebreo-masón Peter Sellers... en tres papeles diferentes?
Basada en la novela de Peter George "Red Alert" Kubrick hace bien en asociarse con Sellers para crear esta caricaturezca interpretación de la guerra fría con una ironía y sarcasmo que harían sonrojar a Daria Morgendorffer; sobre la crisis que desencadena este conflicto, entre dimes y diretes, mal información y estética pop trascendental, la película es multinominada en los óscares (sin ganar), pero quedando como una de las mejores sátiras de humor negro jamás filmadas, acrecentando el legado de Sellers como un talentosísimo histrión, y el de Kubrick como un manjar de estilos cinematográficos.
Una fantástica película que si no ha visto, de todas formas la ha visto (me refiero a la escena musicalizada por Elle Fitzgerald donde el Mayor TJ King King (Slim Pickens) monta la bomba (referencias facilitadas: Armaggeddon, Los Simpsons, etc)). Recomendable e indispensable (para variar en cuanto a Kubrick refierese)

Apocalypto (2006)

Luego de la Pasión de Cristo, la quinta película del controversial Mel Gibson pareciera haberse hecho para cerrar las bocas de quienes se preguntaban si el director podía estar más loco, y si con la Pasión fue criticado, con Apocalypto no se quedó atrás.
Sobre la historia de un campesino llamado Garra Jaguar en los tiempos prehispánicos, de cómo los mayas (o alguna tribu parecida) (hay distintas teorías al respecto) quemaron su aldea, lo atraparon, esclavizaron y justo cuando iba a ser decapitado en una ceremonia en la punta de una pirámide hay un eclipse de sol que se toma como una profecía de que los dioses están satisfechos, los "sueltan" si es que pasan por lo que parece un campo de juego de pelota, invadido por flechas de los guerreros, pero al escapárseles les hace enojar y le persiguen, pero cuando lo ven correr al lado de un puma, los guerreros se ensañan y deciden perseguirlo para acabar con él de una vez por todas.
Sin ser una mala pelicula, las críticas vienen de parte de los que dicen que los mayas eran una sociedad más pacífica, y los que salen en la cinta parecen más del estilo azteca, sin embargo Gibson se abala en que basó la película en los escritos de Diego de Landa que narra a los nativos como salvajes, desatándo un largo debate del que solo los estudiosos del tema podrían tener una opinión más acertada.
Lo único que es cierto es que es una buena propuesta en un tema tan extenso que casi nunca se ha tratado dentro del cine, y Gibson pasa un paso más a la historia por su opinión al respecto de este tema tan controversial.
Es recomendable, pues no por nada se nominó para el Globo de Oro a película de habla no inglesa, pero no se ponga de purista en cuanto a si son de aquí o son de allá...

Golden Globe Awards 2014

Habiendo terminado los Golden Globe Awards, conducidos por las siempre carismáticas Tia Fey & Amy Pohler, podemos decir que fueron entretenidos y bien llevados, que como mexicanos nos tenemos que imaginar cual película es mejor de acuerdo a los actores y directores, pero todo al tanteo, pues generalmente la mayoría de películas se estrenan meses después de los premios.
La gran ganadora de la noche en cuanto a premios de cine fue American Hustle, sin llevarse, aunque sea, el premio a mejor película que se la lleva 12 Years of Slave. Como mexicanos es un gusto saber que Cuarón fue ganador del premio de mejor director. Y el último dato relevante del área es el premio Cecil B DeMille, que se lo levó quien ni siquiera fue, Woody Allen.
En cuanto a series, los grandes ganadores fueron Breaking Bad, que se merecía luego de que ya no volverá a las nominaciones tras su fantástico final; la comedia Brooklyn 9 9 con Adam Samberg, y finalmente la miniserie Behind the Candelabra.
Sin relevancias o emociones no previstas... así pasaron los GGA 2014.

Les dejamos la lista de ganadores:

• Mejor Actriz de Reparto en Película: Jennifer Lawrence en American Hustle
• Mejor Actriz de Reparto en Series: Jacqueline Bisset en Dancing on the Edge
• Mejor Mini Serie de Televisión o Película de Televisión: Behind The Candelabra
• Mejor Actriz de Mini Serie de Televisión: Elizabeth Moss en Top of the Lake
• Mejor Actor en Serie de Televisión de Drama: Bryan Cranston en Breaking Bad
• Mejor Serie Dramática: Breaking Bad
• Mejor Banda Sonora de Película: Alex Ebert por All Is Lost
• Mejor Canción de Película: Ordinary Love de U2 en la película Mandela
• Mejor Actor de Reparto en Mini Serie: Jon Voight por Ray Donovan
• Mejor Actriz de Comedia: Amy Adams por American Hustle
• Mejor Actriz en Serie de Drama: Robin Wright por House of Cards
• Mejor Actor de Reparto en Película: Jared Leto por Dallas Buyers Club
• Mejor Guión: Spike Jonze por Her
• Mejor Actor de Serie de Comedia:  Andy Samberg por Brooklyn Nine-Nine
• Mejor Película Extranjera: The Great Beauty (Italia)
• Mejor Actor de Mini Serie: Michael Douglas por Behind The Candelabra
• Mejor Película Animada: Frozen
• Mejor Actriz de Serie de Comedia: Amy Poehler por Parks and Recreation
• Premio Cecil B. DeMille: Woody Allen
• Mejor Director: Alfonso Cuarón por Gravity
• Mejor Serie de Televisión de Comedia: Brooklyn Nine-Nine
• Mejor Actor de Película de Comedia/Musical: Leonardo DiCaprio por The Wolf of  Wall Street
• Mejor Película de Comedia: American Hustle
• Mejor Actriz de Película de Drama: Cate Blanchett por Blue Jasmine
• Mejor Actor Película Dramática: Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club
• Mejor Película Dramática: 12 Years Of Slave

Constantine (2005)

Basada en el comic Hellblazer, el director Francis Lawrence recluta al máximo actor de acción del momento, Keanu Reeves para interpretar al eterno cazador de demonios John Constantine, quien acompañado de actores como Rachel Weisz, Shia LeBeouf, Tilda Swinton, Gavin Rossdale, Djimon Hounsou y Peter Stormare, hacen de ésta, una de las mejores interpretaciones infernales que se hayan hecho en una película de acción/superhéroes.
John Constantine está condenado a cazar demonios por el resto de sus días, y crear balance entre La Tierra, El Cielo y el Infierno, pero varios demonios y ángeles tienen planeado destruir este balance por el nacimiento del legado de Satán
Siendo una película de superhéroes tiene que ser tratada así, y dentro de su género, Constantine es una muy buena película, sin embargo si la sacamos del género y generalizamos, es ilógica en el factor de superheroes, típica de Reeves. Así que si usted es fan de los superhéroes o géneros similares, esta es una buena película, pero si a usted no le gusta nada del estilo, mejor ni la inicie a ver, pues es solo eso: Acción y fantasía caricaturezca.

Amores Perros (2000)

Si buscaramos una repercución inmediata a la trascendencia de Tarantino, una repercusión bien hecha, esa sería la hecha por Alejandro González Iñarritu y su guionista Guillermo Arriaga, que crean un trama entrelazado al estilo tarantinezco ta bien construído que el mismo Tarantino queda tan bajo del agua, que solo la búsqueda del mismo director crearía la conexión mencionada.
Sobre tres historias que encuentran su conexión por un brutal accidente de carro, en el que se cuenta la historia de Octavio, interpretado por Gael García (que encuentra el primer momento cumbre de su carrera en esta película), un chavo jodido mexicano clitehé, que quiere escaparse con su novia Susana (Vanessa Bauche), la historia de Valeria (Goya Toledo), que es una modelo que queda paralítica y ya no le resulta tan atractiva al hombre con el que sale, Daniel (Álvaro Guerrero), que le pone el cuerno a su esposa con ella; y finalmente está la historia del Chivo (Emilio Echeverría), que es un vago que mata por dinero para dárselo a su hija que no lo quiere.
Acompañada de un soundtrack épico, que incluye a lo mejor del momento, yendo de Control Machete a Café Tacuba, de Julieta Venegas a Illya Kuriaki, además del score completo por Gustavo Santaolalla, Amores Perros es una excelente recopilación de trágicas historias que catapultan a gente como Arriaga, Iñarritu y Gael, y se vuelve una de las más importantes películas que se hayan hecho en México para el mundo.
El cine siguió siendo una repercusión de Tarantino, como antes lo fue de Kubrick, como lo sigue siendo de Spielberg, etc, que Amores Perros se vale por sí misma, y no por nada estuvo nominada en mejor película extranjera en los premios Oscar, y le sirvió a Iñarritu para repetidamente ser nominado en dichos premios, y ser quizás el director mexicano más importante de su generación.
Una fabulosa recomendación para todo el público; única y escepcional. Indispensable.

21 Gramos (2003)

Aludido al libro del francés André Maurois, El Pesador de Almas, Guillermo Arriaga vuelve a tomar el papel de guionista en el siguiente film del mexicano Alejandro González Iñarritu, con 21 Gramos, que luego del éxito de Amores Perros, le da la posibilidad de hollywoodizarse y contar con un elenco americano que incluía a Benicio del Toro, Sean Penn, Naomi Watts, Charlotte Gainsbourg y Clea Duvall.
En esta ocasión, las líneas narrativas son más complejas que en Amores Perros, narrando los distintos conflictos de Cristina (Naomi Watts), Paul (Penn) y Jack (Benicio del Toro), que van desde los transplantes de corazón de viejos amores, la paradoja del bien y el mal en cuanto a lo que Jack tiene que ver, y una serie de eventos que entremezclan las historias aún más profundamente que en la cinta anterior.
La película vuelve a demostrar la capacidad del dueto, pero de una manera más oscura, más ácida, pues mientras que Amores Perros era populacha (pero genial), ésta se siente fría, se siente deprimente, casi muerta.
Una fascinante obra que marca el camino del director y el escritor, una imperdible, pero de más atención y seriedad que la anterior.

Babel (2006)

Dirigida por el icónico director mexicano Alejandro González Iñarritu, en su última colaboración con Guillermo Arriaga, y con un top cast que cuenta con Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García, Adriana Barraza, Elle Fanning y Koji Yakusho, es la tercera película del director desde Amores Perros, y el cierre de la trilogía que podría considerarse el paquete básico de Iñarritu.
En esta ocasión Arriaga e Iñarritu internacionalizan cada cuadrante de su historia, narrando una trama que podría resumirse así:
Un japonés cuya esposa se acaba de suicidar y cuya hija es sordomuda y ávida de perder su virginidad regala un rifle a un musulmán en uno de sus viajes a Marruecos, el musulmán vende su rifle a un conocido, y el conocido les da el arma a sus hijos preadolescentes para que cacen cabras, pero los chavitos sin querer le disparan a un autobus de turistas, y el tiro le da a una gringa, por lo que ya no pueden volver cuando quedaron a Estados Unidos, y por lo tanto la nana que cuida a sus hijos en América, una mexicana con sus papeles en regla, tiene que encontrar la manera de conservar su trabajo al cuidado de los niños y poder ir a la boda de su hijo.
Esto con una enredadera típica del dueto en la dirección, y la magnífica idea de que la famosa idea de Babel es la globalización que vivimos hoy en día.
Una muy buena película, que solo demuestra lo que el dueto ya nos había dado a conocer desde sus inicios, Iñarritu es de los mejores directores mexicanos de todos los tiempos, y su guionista de cabecera (hasta aquí), Arriaga es un escritor de inteligencia épica y trascendente.
Una película recomendable para todos, intelectuales y nuevos prospectos, una joya no solo mexicana, sino del cine internacional.

Hecho en México (2012)

El platicado documental de Duncan Bridgeman, producido por Emilio Azcarraga, en el que se juntan a los principales exponentes de sus diversas áreas "artísticas", yendo desde Alejandro Fernández hasta Amandititita, desde Don Cheto hasta Pato Machete y de Blue Demon a Juan Villoro, la película no es otra cosa que un montón de presupuesto enmarañado, mal hecho, cínico, descontextuador y un mal intento de ser un documental cool.
Sobre el mexicano, la unidad, el alma, la identidad sexual y todo lo que se le iba ocurriendo al director en el orden que se le fue ocurriendo, haciendo creer que alguien de la élite musical como Pato Machete canta sobre cómo los pobres son olvidados, Gloria Trevi rapeando, etnias indígenas haciendo ritmos que después terminarán acompañando a chavos hipster con sonidos actuales, un gordo en bicicleta, y un montón de datos que harían creer que 1 las costumbres más arcaicas persisten predominantemente, 2 que los más mamones interpretes de la mencionada élite musical mexicana se la pasan pensando en el pueblo 3 que no hay una manera entendible o inteligente de describir al mexicano.
Yo soy mexicano, y conozco a los que se presentan en la cinta, y oirlos hablar de lo que hablaban los hace ver más hipócritas que desinteresados. Ellos son el Vive Latino, una industria de obligación de consumo que ha manipulado el andar del mundo musical desde hace más de una década, aprovechándose de su poder, y estancando a la industria artística bajo la sombra de imperios como Televisa o TV Azteca.
Hay gente que vale la pena como Diego Luna, Sergio Arau o Giménez Cacho, pero en un catálogo donde Don Cheto es lo más destacado, ese catálogo es una orgía cínica de lo que el México al poder significa, no lo que el país es. Para saber qué es México, vean películas como Heli, como El Infierno. Hecho en México es constructiva y artísticamente hablando, una porquería cool (eso sí), y en discurso es una maraña de hipocrecía y falsedad que da pena saber que nos crea sombra a todos.
Señores, hay demasiados artistas en el underground, demasiados que la película no considerará porque no son populares, excelentes músicos, propuestas, pensadores, búsquen a artistas que valgan la pena, no crean que México es lo que Bridgeman les dice.
No, no es recomendable, ni para mexicanos, ni extranjeros...

Lolita (1962)

Saliendo de su trabajo no gustoso en Spartacus, Stanley Kubrick vuelve a tomar las riendas de su carrera, y convence al mismísmo Vladimir Nabokov de escribir el guión de su siguiente película, la cual sería una adaptación de la novela del mismo nombre de quien ahora trabaja como guionista, y esta era Lolita.
Estelarizada por James Mason, que interpreta a un novelista que se enamora de Lolita, una niña de catorce años (en la novela original tiene 12, pero para evitar la censura, Nabokov y Kubrick lo decidieron así), interpretada por Sue Lyon, y el llevamiento de su "romance" en el que Humbery (Mason) tiene que lidiar con el tabú de su amor, que finalmente radica en la pederastía.
A diferencia del libro, donde Humbert tiene fuertes deseos sexuales, en la cinta solo es amor, todo para evitar la censura y lograr sacar la película sin problemas.
Es una muy buena y recomendable película que se vuelve un clásico inmediato y que populariza el término "lolita" en la sociedad general, revolucionando no solo narrativa y visualmente, no solo cinematográficamente, sino también como fenómeno cultural.

Paths of Glory (1957)

Ya con la facilidad que The Killing le dió, Stanley Kubrick acepta filmar la historia tabú de la novela biográfica del mismo nombre de Humphrey Cobb, y por primera vez vemos al verdadero Stanley Kubrick en cuanto a sus composiciones, llevamientos, narrativas y creatividad.
Estelarizada por Kirk Douglas, y narrando la falla estratégica de un escuadrón francés en la primera guerra mundial, que conlleva a tres ejecuciones aleatorias de soldados inocentes, la película es un éxito en taquilla, Hollywood le recibe al director con brazos abiertos, y la crítica la aplaude y la sigue aplaudiendo como una de las mejores cintas bélicas de todos los tiempos, aún con sus controversiales reacciones generadas primeramente en Francia, y luego en España, pues en su época franquista, la película que es claramente antimilitarista es un insulto a la soberanía nacional del país por aquellos días.
Es una buena película para empezar a comprender las construcciones del director, y para conocer tal cual es y será, pero para el público en general, sobre todo por el factor contextual, la cinta puede ser un poco lenta, pero si usted gusta del género o el director, por supuesto que es un muy buena recomendación.

Spartacus (1960)

Tras trabajar con Kirk Douglas en Paths of Glory, y que fuera despedido por Marlon Brando de One Eyed Jacks, Douglas invita a Stanley Kubrick remplazar a Anthony Mann, a quien corre por diferencias con el actor/productor, Kubrick acepta pues es su primera oportunidad en las ligas mayores de Hollywood, aún cuando tuvo que declinar a muchas de sus peticiones como director, como lo eran checar y retocar el guión, rehacer las escenas de Mann, entre otras cosas que lo llegaron hacer odiar otra de sus creaciones.
Sobre la historia de Espartaco, protagonizado por el mismo Douglas, su esclavitud a manos de Léntulo Batiato (Peter Ustinov) que lo vuelve gladiador, y le incita después esta profesión a la revolución y liberación de los otros esclavos, la cual fracasa, y en un emotivo final de esclavos unidos, de una manera inesperada, Espartaco consigue lo que tanto luchó: Su libertad.
Muy privado de sus capacidades creativas personales, la cinta es un éxito, y es una épica y absoluta parada obligatoria en la historia de las megaproducciones hollywoodenses, sin embargo, pareciese ausencia total de la individualidad del director. Douglas se lleva las palmas, y los vitoreos, la historia de Espartaco se hizo como él quería, pero de nada sirvió contratar a Kubrick, tal como empezó, solo fue un favor de amigos...
Aún así, Hollywood le celebra la gran película, y James B Harris ahora casi ruega por que su contrato siga, dándole su importancia debida en los films por venir.
La película es recomendable si a usted le gustan las grandes clásicas como Ben-Hur, o los Diez Mandamientos, pero como digo, la ausencia de Kubrick es la más grande decepción en la película.

The Killing (1956)

Luego de The Killer´s Kiss, Stanley Kubrick parece agarrar ritmo y empezar a entender su papel en el cine, ese cayo que hizo, que hizo que el productor James B Harris, de la NBC se fijara en él, estaba por ponerse a prueba, y corroborar que la inversión económica hecha en él valía la pena; así que pasando de un presupuesto familiar de 40,000 (Killer´s Kiss), se consiguió que llegara a 320,000, más un reparto hollywoodense que incluía a Sterling Hayden, Coleen Gray y Vince Edwards.
Basado en la novela de Lionel White "Clean Break", sobre un grupo de maleantes que planean hacer el atraco perfecto a un hipódromo el día que más dinero llegaba, en una de las más imporrtantes carreras de la época, con un plan perfectamente bien elaborado (Ocean´s Eleven ¿estás ahí?), que incluía hasta usar máscaras de payaso para no ser reconocidos (¿Chris Nolan? ¿Joker? ¿Dark Knight?), y un final inesperado (no como Thelma y Louis, uno mejor), la película supera elegantemente al Beso del Asesino, y reafirma la confianza de Harris en el director, quien finalmente empieza a ganarse el lugar tan alto en el cine del que pocos soñarán en poseer en los días por venir.
Con un estilo parecido a la película anterior, pero con la producción acrecentada notablemente, Kubrick hace una película digna para su tiempo, su "debút", y su filmografía. Claro que es recomendable, es una cinta muy buena de su tiempo, del estilo cincuentero, y es básica para los kubrickfíilicos.

Killer´s Kiss (1955)

Segunda película del director Stanley Kubrick, primera, según su propio orgullo, pues aunque Fear & Desire, costeada por préstamos a su familia y amigos, fue la primera película oficial, como a Kubrick no le gustó cómo quedó, para él, su verdadera ópera prima en el mundo de los largometrajes es este Beso del Asesino, costeado igualmente por amigos y familiares, pues tampoco le gustó al público la primera, así que la vida del director hasta estos momentos sigue siendo de austeridad.
Sobre dos boxeadores que pelean por una misma mujer (para referenica más extensas busquen Day of the Fight en este mismo blog), conflictos con la mafia, y un trama relativamente ténue (para ser de Kubrick), la calidad noir, y el tono "detectivesco" que le inyecta es lo que hace que la cinta sobresalga, y que a pese casi nada de ganancia económica, el estilo y el manejo de la fotografía en blanco y negro, hiciera que los ojos de la NBC se pusieran sobre el novato realizándose.
Sobre los simbolismos que maneja, el estilo y la narrativa se comenta sobre la afición del director por el ajedréz, y el manejo de los personajes como si fueran fichas de juego, y el espacio el tablero...
Es una buena película, no la mejor en el género, sin embargo, si usted se dice fanático del director, esta es el primer enlace con el entendimiento de su filmografía.

The Fountain (2006)

Luego de Requiem, con las palmas en alto, con las miradas puestas en él, Darren Aronofsky se vuelve zen, se torna trascendental, empieza su camino al paraiso de los magnos directores de todos los tiempos, hasta alcanzar el rango que actualmente ya tiene; y su primer paso a la veracidad fue el universo entre los tiempos, al cual tituló The Fountain, la Fuente de la Vida.
Estelarizada por Rachel Weisz y Hugh Jackman, la película narra tres hilos narrativos, una sobre un doctor cuya esposa está al borde de la muerte, otra sobre un conquistador inquisitor en la Guatemala recién conquistada, y la otra sobre un astronauta que practica el Tai Chi Chuan, todo alrededor de la idea del arbol de la vida, de la sobrevivencia, de la inmortalidad, de la comprensión de la vida.
Aronofsky reafirma su genialidad en la exploración libre del éxito, navegando en su mente como un ave que acaba de conocer su capacidad de vuelo, aún cuando Pi ya es una joya perse, es hasta Requiem que la carrera del director se pone en el mirador universal, y con The Fountain inicia su ascenso al pabellón de los grandes directores.
Claro que es recomendable, pues a pesar de la complicación narrativa que comento, no es un extremo del enredo, así que aún si usted es un novato en el estilo, es muy recomendable conocer la película; ya si usted gusta del estilo, es una indispensable para su conocimiento.