Kaguya-hime No Monogatari (2013)

Dirigida por el segundo director y socio más importante de la famosísima casa productora japonesa Ghibli, Isao Takahata, justo para estrenarse a la par de la última película de su amigo Miyazaki (Wind Rises), evento que no ocurría desde 1988 cuando ambos estrenaron a la par tanto La Tumba de las Luciérnagas como Mi Vecino Totoro; sin embargo, debido a algunos cambios en el storyboard, la que terminara siendo nominada y favorita en los premios óscar 2015 tuvo que estrenarse un poco después, en el Festival de Cannes, teniendo un éxito en ese momento/lugar, cosa que se extendería a la Academia, y le valdría esta merecida nominación gracias, no solo a la chula historia que narra, basada en el popular cuento del Cortador de Bambú, sino a su factura a mano impecable, y alucinantemente artística destacada ante cualquier producción que recordemos, haciéndonos preguntar porqué en la premiación forzosamente debe de ganar alguna producción Disney...
La historia narra a ese mencionado Cortador de Bambú, que un día se encuentra con un bambú luminoso, y frente a este crece uno nuevo del que florece una princecita tamaño muñeca, a la que el cortador decide adoptar y llevar con su señora; ya estando allá, la muñequita se vuelve bebé, y empieza a desarrollarse mucho más rápido que un humano normal... Los días/meses pasan y se hace amiguita de los otros niños del campo, terminando este capítulo cuando un nuevo bambú luminoso le da oro al Cortador, y otro nuevo bambú telas lujosas, símbolo que el Cortador traduce como que debe de llevar a la Princesa, apodada por sus amiguitos como Lil´Bambú, a la capital, a que conozca a la alta sociedad, conozca al hombre ideal, y se case; sin embargo, la ahora llamada Princesa Kaguya no quiere casarse por lo que pone pruebas ridículas a los pretendientes para que nunca puedan desposarla... Deseo punsante que llega hasta el máximo jerarca de Japón, y termina revelando el verdadero misterio que yace tras el origen de la princesa, desencadenando uno de los más surreales y bizarros finales que recuerde en el cine de fantasía que me ponga a pensar...
Así que musicalizada por el mismísimo Joe Hisaishi, el compositor de cabecera de Miyasaki, El "Cuento de la Princesa Kaguya" (traducción del título al español) empieza chulísima, con un trazo que refleja la inocencia de Kaguya de una manera magistral, aunque en el cuerpo medio de la película, ésta se torna un tanto lenta y pasiva, hasta que los pretendientes comienzan a actuar conforme los deseos de la princesa, y el ya mencionado impresionante final que pareciera mezclar la biblia con ET, con Futurama con los SuperMejores Amigos de South Park: Un desenlace viajadísimo que levanta totalmente esos momentos aburridos, justifica la cinta como una de las mejores películas anime que podamos recordar, y una justa "competencia" con Wind Rises, en la temporada de partida dle máximo fundador de Ghibli.
La película es totalmente recomendable para niños y adultos, siendo una hermosa historia de fantasía que todos deberían conocer.

Kaze Tachinu (2013)

Es increíble con tanto preestreno digital que hay que hasta ahora reseñemos la última del genial Hayao Miyazaki "Wind Rises" "Se levanta el viento", pues entre la tardanza y malhechura de distribución y la decidia uno podría lamentar el tiempo tan largo que ha pasado antes de poder gozar de esta maravillosa cinta epílogo de una carrera digna de aplaudirse. En esta decidia, la película me llegó como regalo navideño, y en otra más de las crudas de temporada elegí ver ésta pensando que me aburriría y me haría dormir, pensaba que serían las patadas de ahogado de alguien que se retira más por escacez de ingenio que por su anhelo de libertad (leer), pero vaya sorpresa que nuevamente me hace sentir: un deleite único, una fascinación por cada minuto de la cinta y una consideración que quizás éste señor sea el mejor director animado de la historia, un maestro del séptimo arte, un humano absoluto, un objetivista total y una admirable persona de las que al final no quedará nada malo por hablar.
Basada en la vida de Jiro Horikoshi, pero la peculiar manera visual y narrativa de Miyazaki, la cinta comienza cuando Horikoshi apenas es un niño, que goza soñar con aviones y vuelos imposibles, y ésto debido a su imposibilidad de vuelo debido a su impedimento visual, por lo que sustituyendo esta decadencia decide ser ingeniero aeronáutico, y lo hace, se vuelve el mejor ingeniero de su generación, inspirándose por un lado por su infalible avidez de estudio, y su imparable forma de soñar, donde un tipo italiano de nombre Caproni le inspira a crear no para enriquecer a la guerra o enriquecer sus bolsillos, sino por el simple hecho de hacer aviones, los más perfectos aviones que el mundo vaya a navegar... La guerra llega, y Mitsubishi vende aviones de guerra al ejército en su apoyo al eje nazi, dejando el resultado de sus creaciones a conocimiento histórico básico...
A la par de la historia profesional de Horikoshi, Miyazaki nos cuenta la historia de amor entre el ingeniero y Naoko, una chica que conoce en un tren antes de un terremoto, de la cual se enamora, pero entre su carrera y que Naoko tiene tuberculosis, la situación se complica, pero sin la grotesca esencia bélica o enfermiza que podría sugerir, sino de una manera romántica y humana que hace que la falta de fantasía habitual ghibli a la que estamos acostumbrados sea sustitupida por una maestría directiva que va desde lo más básico de la narración general a las épica secuencia de animaciones de multitudes en marchas aleatorias que nos recuerdan que los mundos del director no acaban en la historia que cuenta, sino son parte de universos increíbles e infinitos de los que, gracias a cintas como ésta, sabemos que en parte somo un pedazo de ese cuento que nos regala este titán cinematográfico.
Así, en el epílogo polémico de su carrera (polémico en cuanto a que su última historia ya no narra a héroes imaginarios en situaciones fantabulosas, sino a un ingeniero que finalmente trabaja en el arma que serviría para la desestabilización global en Pearl Harbor y luego la bomba atómica), Miyazaki solo cierra con el dicho intrínseco vulgar de "odio que te vayas, pero amo verte partir", y ¡qué partida nos ha dado! Se va un gigante, al que talvez un día veamos volando en forma de gran ave, o de dragón oriental en los cielos que cubren nuestra cotidaniedad...
Yo cierro pudiendo escribir más y más compararla con Porco Rosso, con Chihiro, con el Castillo Vagabundo, con Ponyo, pero él lo hace por sí solo a cada escena, haciéndonos ver su brillo ineavadible y su genialidad inmortal. Inmensamente recomendable!!

Howl No Ugoku Shiro (2004)

Basada en la novela de Dianne Wynne Jones "El Castillo Ambulante", la titulada al español "El Increíble Castillo Vagabundo" y con traducción literal "El Castillo Caminante de Howl", es una más de las joyas de la corona de Estudios Ghibli, teniendo a su pilar, Hayao Miyazaki a la cabeza del proyecto, constructor de un proyecto más de fascinación popular y propia; nuevamente narrando una historia donde los viajes aereos son grandes estelares de la cinta, véase también Porco Rosso o Nautica, la fantasía es el mundo el cual habitar, y el estilo steampunk el aire que se respira.
Sobre Sophie, una chica que cierto día recibe la visita de una bruja, La Bruja del Páramo, y ésta le lanza un hechizo para volverla anciana, por lo que en su verguenza de su repentina anciandad, Sophie busca ayuda en el extraño hechizero Howl, quien habita en un castillo mágico que camina, mientras Howl hace constantes viajes a una guerra ajena, solo para tratar de frenarla y recuperar la paz en la tierra; poco a poco, Sophie, Howl y los habitantes del castillo van haciendo una bonita amistad, entretejiendo la trama que hace de ésta una más de los tesoros animados japoneses salidos de las puertas de Ghibli.
Musicalizado deleitantemente por su compositor de cabecera, Jos Hisaishi, Miyazaki aborda los temas de la paz y la misoginia intrínsecos en la trama, como respuesta a la desigualdad global y sexual, así como la guerra en Irak, la postura del japonés es pacífica propositiva de unidad, de estabilidad universal; y en todo este halo casi hippie, nunca su historia y magia es demeritada, no hay pretención, solo maravillosidad, preciosura y una excelenete manera para contar y hacer cuentos realidad.
Sin duda, si hay alguien comparado con lo más genial de Disney (estudio que por cierto ayudó en la distribución internacional), ese es Miyazaki, quien actualizado, simplemente surgió como paralelo oriental a ese gran personaje occidental. Miyazaki siempre es recomendable, el Castillo Vagabundo no es la excepción.

Gake no Ue no Ponyo (2009)

Traducida literalmente como Ponyo sobre el acantilado en el mar, y traducida a la mexicana como El Secreto de la sirenita, es la penúltima película del autor fílmico Hayao Miyazaki a solo una película de distancia después del súper éxito mundial que el director tuvo con El Viaje de Chihiro, con la que compartió la genialidad de su creación con el compositor Joe Hisaishi, que se consagra como el músico de cabecera para las películas de Miyazaki.
Sobre la amistad entre Sousuke, un niño humano, y Ponyo, una niña pez, y cómo esta amistad se ve fustrada por los deseos del padre de Ponyo, quien no quiere que ella conviva con los humanos, solo para que después Ponyo le desobedezca y se torne en una rara niña humana, que ya siendo así va a buscar a Sousuke para vivir con él, aunque esto ponga en jaque la existencia de la vida en su totalidad.
Con una asombrosa animación sobre todo en las secuencias de las olas del mar, y un acostumbrado toque autoral en el resto de la película, aunque no le llega a los talones a lo tremendo que Chihiro fue, Ponyo da lecciones de guión y animación a la mayoría de cintas de occidente, diciendo a gritos la importancia que Miyazaki se hizo para sí mismo, como uno de los directores de animaciones de la más alta calidad de la historia.
Así que si usted es padre y no sabe qué cintas ponerle a sus pequeños, Ponyo y cualquier cinta de MIyazaki es la opción, y un millón de otakus respaldan la recomendación.

Sen to Chihiro no kamikakushi (2001)

"La Desaparición espiritual de Sen & Chihiro" que también es conocida como el Viaje de Chihiro, es la séptima película de Studio Ghibli, dirgida por Hayao Miyazaki, y es la máxima galardona de estos, con una fama y poderío internacional tan relevante como lo que alguna vez lo fueron Blancanieves o El Rey León de Disney, no por nada, la cinta basada en la hija de un amigo del director es el único anime que ha ganado el oscar a mejor película animada.
Con una clara influencia de Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll y musicalizada excelentemente por Joe Hisaishi, la cinta narra la mudanza de la familia de Chihiro, pero durante el viaje cambian de ruta para ahorrar tiempo, lo que los pierde, y los lleva hasta un túnel, el cual cruzan solo para encontrar un delicioso banquete, del cual, los padres se meten tremendo atracón mientras Chihiro viaja conociendo el lugar, lleno de espíritus y dioses orientales, los que la asustan y no tiene otra alternativa que correr a resguardarse con sus papás, los que se habían convertido en cerdos debido a su gula, y ahora la misión de la niña es encontrar la cura para su problema, lo cual la lleva a conocer a personajes fantásticos, como un dragón, una bruja, un hombre con muchos brazos, e infinidad de dioses y espíritus que terminan siendo metáforas sobre cosas de la vida real, que vuelven a la cinta un viaje surrealista y simbolista, quizás aún mayor a lo logrado por Carroll en su viaje a Wonderland.
Y aún cuando es una película para niños, la profundidad y calidad de la película la hacen de las más perfectas cintas jamás creada, una de las más acreedoras de cuanto galardón se le quiera dar, y pese a no ser la primera del estudio o el director, sin duda es la más relevante en cuanto a legado y apertura a la seriedad y complejización en el mundo de las caricaturas. Una absoluta joya en el cine de todos los tiempos.