Celebrity (1998)

En medio de la época de más productividad allenana, el director ahora habla de la farándula y caminos que inician juntos para tomar direcciones distintas, narrando una historia en blanco y negro con su característico sonido jazz musicalizado la negrísima comedia satírica en la que ahora se personifica en el cuerpo de Kenneth Branagh, quien participa al lado de un elenco espectacular que incluye a Judy Davis, Winona Ryder, Joe Mantegna, Leonardo DiCaprio, Melanie Griffith, Charlize Theron, Famke Janssen, entre otros...
Sobre un escritor fracasado que vive casado con una maestra, mediocremente, hasta que decide tratar de emprender el vuelo, dejándola y empezando a enamorar a cuanta modelo, actriz, editora, pueda, dejando a su mujer en el asombro y la incomprensión; sin embargo mientras él va de mujer en mujer, Robin (Davis), conoce a un productor de televisión de quien/con quien se enamora, y va creando una carrera prometedora en la tv, mientras en chiquiada por su cariñoso esposo, fundando una bonita familia que el escritor nunca pudo darle.
Elegante, negra, pesimista, Woody Allen no deja la pulcritud en ningún momento, por no hablar de la actuación de Branagh que encarna la actitud del director como si fuera él mismo, y aquí es curioso mencionar que películas como ésta nos recuerdan que la intención de ver cine allenano, pese a la ausencia del director en los papeles, es verle a él mismo en situaciones diferentes, por lo que Branagh haciendo su Woody Allen, sin duda es de los más representativos en el trayecto de intérpretes de ese personaje tartamudo que nunca se calla...
Una no tan mencionada película del director que vale bastante la pena, una fabulosa historia que debería de estar entre sus más conocidas.

Edward Scissorhands (1990)

Y luego de pasar los 80´s con éxito, era momento de que el ingenio real de Tim Burton se desbordara, como antes lo había mostrado en el cortometraje Vincent, era momento de que ese Robert Smith de autorepresentación viera la luz en el cine que estaba decidido a mostrar, ese universo de contrastes, tan altos como el cine expresionista alemán los tenía, solo que si de contrastes hablamos no solo hay blanco y negro, hay bello y "bello", hay perspectiva y "perspectiva", y es aquí donde Burton comienza a explorar el contraste estético e ideológico a fondo, pues aunque pudiera parecer una simple historia de fantasía, el contraste de universos, el contraste de miradas es un estudio que Burton navegará a cada proyecto que le van dando.
Con la ya estrenada en Beetlejuice Winona Ryder, y el que se volvería su fetiche de autorepresentación Johnny Depp, además de volver a contar entre sus cartas con su héroe Vincent Price, la historia narra cómo la vendedora de maquillaje Peg (Dianne Wiest) encuentra a Edward Scossorhands (traducida también como Eduardo Manos de Tijeras) (Depp) solitario en un gótico castillo, ésto después de la muerte de su creador, por lo que Edward está incompleto, y sus manos nunca fueron instaladas, por eso tiene tijeras; al verlo así solo y raro, Peg decide llevarlo a su casa para brindarle una familia y amistad, sin embargo entre que se enamora de la hija, Kim (Ryder), y el hecho de ser rechazado por la sociedad por ser extraño, además de ser admirado por algunos debido a su habilidad para cortar cosas y estetizarlas; la historia podría parecer algo así como un Teen Wolf burteano, utilizando la mitología estilo Pinocho para propulsar una futuramente naciente cultura emo, sin embargo, la cinta también se puede interpretación como unión de polos, adaptación, socialización, aceptación, convivencia y mestizaje, pues entre la experiencia estética dark de Scossorhands y la kitch tendencia del "mundo real", conviviendo de la mano, la película es una gran aventura, como dije antes, sobre el encuentro de contrastes.
Un paso más en el crecimiento del icónico director, un fenómeno cultural noventero, el comienzo de una maravillosa década de creación, un clásico sin duda, una gran recomendación.

Alien Resurrection (1997)

Aún cuando no es la más popular de la serie original, la dirigida por quien también dirigiera Amelie, Jean Pierre Jeunet, cuenta con una de las más grandes leyendas del cine geek de los últimos tiempos, Joss Whedon, en la parte del guión, además de contar nuevamente con Sigourney Weaver en el estelar, y en roles secundarios a un elenco de la talla de Winona Ryder, Ron Perlman, Brad Douriff, Raymond Cruz, Dan Hedaya, entre otros.
200 años después de la muerte de Ripley (Weaver) en la entrega anterior, ella despierta en una nave donde experimentan con ella, extraen a la alien reina y como la ven conciente y capaz, le dejan vivir para mantenerla en cautiverio y ver sus reacciones y comportamiento; es un clon. Se contrata a un grupo de mercenarios encabezados por Frank Elgyn (Michael Wincott) para ir en el viaje por cualquier problema, pero cuando la androide Call (Ryder) comienza a indagar y revela que ella solo está ahí para matar a Ripley e impedir que la agencia gubernamental que los contrató libere a los aliens; sin embargo es demasiado tarde, ya para cuando la agencia la descubre, los aliens a los que nunca pudieron domesticar están libres en la nave, la cual ahora se dirige a la Tierra, con 12 de ellos sueltos, una reina rehecha ahora mamífera, debido a los experimentos, y un grotezco híbrido por nacer, que será lo más polémico de la película.
Si hay algo importante en la cinta es la explotación de los diversos tipos de alien, y la manera que la franquicia les ha dado la libertad de moldear, algo que por algunos fans fue criticado; aún cuando los resultados son bastante aceptables, debido al buen llevamiento de los personajes, muy al estilo de lo que Whedon sabe hacer, y la espectacularidad que Jeunet maneja es comparable a lo logrado por James Cameron en la segunda parte, siendo quizás el único pero el hecho de expander la saga y no ser fiel a los xenomorfos de las entregas pasadas, aunque es más que sabido que a cada episodio que pasaba el director en turno no solo acrecentaba a los xenomorfos (en la primera Scott prioriza a los huevos y a un solo alien, en la 2 Cameron profundiza en su génesis, teniendo un clan entero de xenomorfos y una reina, en la tercera, Fincher reforma al alien debido a su orígen en un rottweiler, y ahora está la experimentación que Weyland Yutani siempre quizo llevar a cabo), sino el carácter mismo de Ripley también (que pasa de piloto carguera que estuvo en un mal lugar en un mal momento, a cazadora de aliens, a coordinadora de cacería en una prisión espacial a clon).
Con todo esto dicho la película es bastante aceptable y es un buen fin de ciclo de la relación Weaver-Alien, dejándola como una de las sagas de ciencia ficción más memorables de la historia. Recomendable.

Black Swan (2010)

Es justo en esta película cuando la academia y el mundo entero de los dedicados en algún aspecto al mundo del cine cuando no hay quien no reconozca la magnitud del talento del Sr Darren Aronofsky, pues con este proyecto, que se deriva de alguna vez haber tenido en su mente la historia de un luchador que se enamora de una bailarina y que tuvo que dividirse en dos películas para dar la importancia debida a cada personaje, cuando no solo es considerado entre los nominados al óscar en el área de mejor película, sino que su protagonista, Natalie Portman, logra conseguirlo con una de las más feroces y profesionales actuaciones femeninas de la historia, haciendo también aquí de la actriz una indispensable, una ícono, una leyenda.
Contando además con espléndidas actuaciones de Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, entre otros, la cinta narra la obsesión laboral de Nina, quien al ser elegida para el protagónico del Lago de los Cisnes, entra en una etapa de paranoia tanto para no perder su papel ante sus compañeras de play, como con su madre, quien enfrenta una vida de frustración al ella nunca haber logrado nada y desquitar esto con la obligada joya que su hija tuvo que ser.
Contando nuevamente con la musicalización de Mansell solo para no salirse del halo de magnificencia que Aronofsky se trae, la cinta es una oda a lo oscuro que es la obsesión a una idea, a un concepto, a un estilo, a la perfección, suficiente ésta como para ahogar a la vida misma dentro de sus manías.
Una absoluta titánica del mundo del cine que enaltece no solo a Portman y a Aronofsky en la epítome de sus carreras, sino hasta la actriz de sitcoms y comedias románticas, Mila Kunis llega a brillar en ese ballet mortuoro donde no se reconoce la realidad de la paranoia imaginativa. Totalmente recomendable!

Beetlejuice (1988)

El segundo largometraje del autor Tim Burton tiene más el estilo que perdurará a lo largo de su filmografía, desde los ojos, lo oscuro, lo surrealista estridente hasta la ironía y el humor negro en su narrativa, y quizás es una de las más originales cintas que el director haya realizado.
Estelarizada por Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Winona Ryder, Jeffrey Jones y Catherine O´Hara, la historia narra la muerte de los Maitland, quienes tras su tragedia regresan como fantasmas a habitar su antigua casa, sin saber que una codiciosa vecina de bienes raíces ya la había vendido a una excéntrica familia de la ciudad, quienes la remodelan y deciden cambiar de tajo todo lo que la casa significaba, por lo que los Maitland hacen lo imposible dentro de sus posibilidades fantasmales para correr a los nuevos inquilinos, algo que de un hecho a otro los lleva hacia un fantasma bioexorcista llamado Betelgeuse, quien con malos modos se propone sacar a los Deetz de la casa, encontrándose en medio de su autodeterminada misión el gusto por la hija Deetz, Lydia, con la que decide casarse solo porque sí.
Contando con un soundtrack mágico que mezcla el estilo personal de Danny Elfman, y un calipso por parte de Harry Belafonte, y una dirección de arte dirigida por el mismo Burton, Bo Welch, Tom Duffield, Steve Laporte, entre otros que consiguen el oscar a mejor maquillaje, la cinta es una incuestionable joya de la cinematografía fantástica y fantasmal, empieza un legado autoral que a la fecha marca tendencias en estilos fílmicos, artísticos y de tribus urbanas, además de ser un absoluto homenaje al gusto personal del director, quien se autovanagloreará a lo largo de su filmografía para placer del público que conquistó por décadas y décadas por venir.

Bram Stoker´s Dracula (1992)

Si hay un Dracula digno del terror que Stoker intentó crear, con respeto a los anteriores (Lugosi, Murnau, etc) es el que dirige Francis Ford Coppola e interpreta Gary Oldman; y es una buena época para la recreación de la literatura horrorosa pues podríamos considerar a esta hermanita ilegítima de Frankenstein de Mary Shelley (Branagh, DeNiro, Bonham Carter).
La historia contiene a un Keanu Reeves cuya cara de baboso ingenuo encaja perfecto con el personaje principal, a una Mina interpretada por Winona Ryder, y a un VanHelsing recreado  por Anthony Hopkins; claro, está también el ya mencionado Oldman como un malvado y eternamente permanente Dracula.
Tiene sus pros y contras en cuanto a crítica ajena, pero para mí es una joya terrorífica que no ha sido superada aún, y con el ritmo que las cintas de vampiros llevan, dudo que la haya, ante el gran rey de las creaturas de la oscuridad.