Tusk (2014)

Otra más de las inadvertidas del 2014 que quedan como productos jamás mostrados, al menos en México, que prometen mucho y quedan en la expectativa de la cinefilia latinoamericana.
De Kevin Smith, el gordito barbón de las películas para chicas sensibles, quien luego de narrar la historia casi improvisada The Walrus & The Carpenter en su podcast SModcast 259 empieza a querer agrandar su cuento a una cinta, y lo logra gracias al apoyo de los fans, consiguiendo el presupuesto para filmarla, teniendo a Justin Long en el protagonico, a Génesis Rodríguez y Haley Joel Osment en los roles secundarios amigables, a Michael Parks en el antagónico y a Jhonny Depp, tras el rechazo de Tarantino por el personaje, como el detective canadiense raro.
Sobre un par de podcasters que se burlan de cosas en el internet, y uno de ellos, Wallace (Long) se aventura a Canadá a entrevistar a un chavito que se corta la pierna jugando a Kill Bill, pero al llegar encuentra que el niño se había suicidado por dicho incidente, y en su búsqueda de un nuevo fenómeno para entrevistar se encuentra con una nota en un baño que invita a cualquiera que lo desee a conocer a un viejo que dice saber muchas aventuras; por lo que Wallace parte hacia allá, solo para encontrarse que este viejo, Howard Howe (Parks) quiere convertir a un humano en morsa para que sean amigos.
Dividiendo la película en dos partes, muy al estilo de Psycho, Smith, la primera tratándose sobre la búsqueda de Wallace por el caso para su podcast, y la segunda en la búsqueda de Teddy & Ally (Osment & Rodríguez) por su amigo, la película parece desarrollarse en ese limbo fílmico llamado terror cómico, en ese que en el tiempo de George Romero habitaron grandes como Peter Jackson o Sam Raimi, pero esta vez le toca a Smith habitar en una era dominada por cosas como el Cienpiés humano, y sin el ingenio de Jackson ni Raimi, sino simplemente el ingenio suficiente para la creación de un guión morbosamente antojable pero sin la importancia al terror aunque sea en el más mínimo de los esfuerzos de los dos directores referidos.
Así pues, la película comienza como un buen proyecto que Long y Osment pudieron abarcar el factor cómico, pero después el ridículo absorbe por completo la trama pasando del grind al "no es otra loca película de aberraciones científicas", dejando más desilusión que morbo satisfecho.  Smith, como sea, se emociona y le llama la primera de la trilogía que llama True North, que terminará conformándose por Tusk, Yoga Hosers y Moose Jaws, talvez tirandole más al mockbuster que al grind, pero solo el tiempo lo dirá.
La cinta termina siendo más boba que asquerosa o terrorífica, y más que nada recomendable para el cotorreo que para el deleite.

Dark Shadows (2012)

Ya dejando atrás el papel de propositista, Tim Burton ahora trabaja casi casi por proyecto asignado, y el de ésta ocasión es Dark Shadows (Sombras Tenebrosas), basada en la serie de los 70´s de la ABC con Jonathan Frid, teniendo en su elenco a los que jamás esperaríamos: Jhonny Depp & Helena Bonham Carter, además del regreso de Michelle Pfeiffer, y la participación de Eva Green, Chloe Moretz, Jonny Lee Miller, Jackie Earle Haley, Bella Heathcote, Christopher Lee & Alice Cooper.
Sobre Barnabas Collins (Depp), un millonario que en 1752 rompe el corazón de su amante sirvienta sexy (Green), y ésta se revela como bruja, volviéndole vampiro por un hechizo, asesinando a su familia y enterrándole vivo hasta que ella decidiese. Por azares del destino en 1972 le desentierran durante una construcción, y tras asesinar a sus salvadores, Barnabas regresa a su mansión, habitada por sus descendientes ahora en quiebra, por lo que está en él reubicarlos en una posición económica digna de su familia, pero para ésto tendrá que derrotar de una vez por todas a la aún viva Angelique (Green), quien controla el mercado y ayuda a preservar el fracaso de los Collins.
Y entre toda la filmografía reciente de Burton, ésta aguanta, y gracias a lo que parece parodia un poco de lo que ahora reina en la cinematografía vampirezca, como Twilight, son roles como el de Eva Green el que alza la película, además de la impecable actuación de Pfeiffer como dama máxima de la casa de los Collins. La cinta, como sea, no es el mejor trabajo del director, pero sin duda es la más destacada de sus más recientes films, donde ahora la sátira sobresale a su estética de fórmula, y el gran reparto con el que cuenta la hace destacar entre sus comparables.
La cinta sí es recomendables, es un gran trabajo macrabro, irónico y vampirezco, y sostienen al director con un mantra que pudiera estar diciendo "one more film, one more film"

Alice in Wonderland (2010)

Ya sabíamos lo que Tim Burton significaba cuando se trata de hacer remakes, tanto El Planeta de los Simios como Charlie y la Fábrica de Chocolate nos habían dado muestras de que la fórmula burtoneana podía trascender, mientras los adolescentes del mundo amaran la estética del director, la fórmula era explotable, mandando al diablo la trama, la historia y todo lo que ésta incluya, por lo que mezclar una historia tan popular como Alicia en el País de las Maravillas, el girl power, la tendencia narniana de guerras en mundo de fantasía cuya única meta pareciera ser la ternura además de un Jhonny Depp empeorado desde Willy Wonka seguro tendría un éxito en crítica y taquilla como nunca antes en la filmografía burtoneana... ¡un momento! De una vez póngale un soundtrack teen lidereado por Avril Lavigne y se volverá una gran competidora de los blockbusters del momento.
La cinta es estelarizada por Jhonny Depp, Helena Bonham Carter, Christopher Lee, Anne Hathaway, Alan Rickman, Michael Sheen, Stephen Fry y una destacada y gran prospecto de la actuación para el futuro Mia Wasikowska como Alice, además de estar basada primeramente en el poema del Jabberwocky, la cinta narra a una Alicia crecida, a años de lo ocurrido en las aventuras originales (¿Hook?), pero nuevamente es jalada al mundo de Wonderland, ahora llamado Underland, donde solo el Sombrerero (que ahora parece gay de carnaval) la recuerda; ahí ve la situación que el mundo vive, azotados por una peor reina roja y una bestia llamada el Jabberwocky; por lo que empezará una revuelta por la salvación del mundo, con ayuda de algunos de los personajes conocidos, un reina blanca y un sombrero que no importa que tan gay se vea parece estar enamorado de Alicia...
La cinta termina con un horrendo baile digno de "baile improvisado de icarly", y nos recuerda que fuera de la estética burtoneana, que llega hasta a ganar el óscar por dirección de arte y vestuario, ya  no queda mucho de uno de nuestros directores favoritos, quien parece tomar proyectos blockbuster para rehacerlo como los productores y los estudios de mercado dicten.
Es recomendable, con todo y todo, pues ver más de 100 minutos de los efectos especiales retocados a la manera burtoneana nunca sobra, su estética parece permancer siempre bella, siempre tétrica, siempre burtoneana, no por nada ya es una institución en estilo, sin embargo, en cuanto a historia, es un cuento bastante diferente, la historia es forzada, predecible, de baja calidad, tonta... nada que valga la pena... Así que ya saben... si ver o no, con las restricciones necesarias... No obstante, si un niño empieza su camino cinematográfico y cinéfilo desde cintas como ésta, un probable buen futuro augura.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007)

Para empezar a abordar éste estilo de películas, me permito mencionarme como un detestante de la mayoría de los musicales, por lo que mi reseña será tendenciosa; ahora, podemos continuar...
Dícese que en 1980 Tim Buton fue a ver el musicla de Stephen Sondheim "El Barbero diabólico de Calle Fleet", y desde entonces quedó fascinado con la idea de hacerla algún día película, pero el tiempo pasó, Sam Méndes tomó el proyecto, y no es sino hasta que éste último lo abandona para filmar Jarhead, que Burton aparece en el panorama y empieza la pre y la producción de la cinta, llamando a sus fetiches Johnny Depp & Helena Bonham Carter para los protagónicos, además de incluir a Sacha Baron Cohen y a Alan Rickman para roles secundarios, y desplazando a su compositor de cajón Danny Elfman para preservar a Sondheim y quedarse fiel al estilo de la obra y complacer asi, a los conocedores del musical original.
Sobre Benjamin Baker (Depp), quien es acusado injustamente por un juez corrupto llamado Turpin (Rickman), y enviado a una cárcel en Australia dejando atrás a su esposa (Laura Michelle Kelly) y a su hija (interpretada ya de grande por Jayne Wisener), y volviendo años después a manera de conde de Montecristo, para enterarse que Turpin había violado y matado a su esposa, y ahora era tutor de Johanna, su hija, por lo que en su rabia, se alía con una panadera llamada Nellie Lovett, y empiezan el placentero negocio de la venganza por asesinato, donde el ahora llamado Sweeney Todd hacía de barbero, mataba a los clientes y Lovett los cocinaba y los vendía a la clientela, todo teniendo como meta la cabeza de Turpin, mientras que un marinerito amigo de Todd, llamado Anthony (Jamie Campbell) se enamora de Johanna.
Y aún con la tentadora y absorbente trama asesina, una vez empiezan a cantar y cantar en medio de sus sádicas intenciones, la cinta se vuleve melosa y hartante, aún con sus sangrientas secuencias y su nuevamente destacada estética, digna del óscar a dirección de arte; la cinta decepciona en ese sentido pues se vuelve una estetizada jornada por cánticos aburridos que bien podrían ser superados en atractivo por la más fresa de las cintas de Disney, algo que se criticó mucho, pues una vez estrenada, los trailers no avisaban que era un musical, por lo que se narra que en las salas inglesas, parte de la audiencia abandonaba las salas una vez empezaban a cantar...
No sé porqué a Hollywood le encantan los musicales, pero hace en parte burdos y forzados algunos caminos, y más si de temáticas oscuras refiere (mejor deberían de llamar a oscuros compositores, a ver si así resultara mejor... llamen a Lacrimosa); como sea, se adapta suficiente a la época emo que reinaba en esos ayeres, pero ni llega a la categoría de cinta de horror, y por el nivel de sangre dudo que a los adeptos a los musicales les agrade tanto la película; aún con todo esto, la cinta en su mayoría es aclamada y esta reseña es la impresión de éste ojo que opina pese a la corriente de habladurías en el mundo digital.

Corpse Bride (2005)

Seguro, pese a la taquilla, algo de resentimiento queda en Burton tras su fábrica de Chocolate, así que ¿qué manera de tratar de compensarse que volver a sus raíces? pues aunque él no dirige Nightmare before Christmas (fue Henry Selick), es ésta película la base de toda la imaginería burtoneana, la que tiene como base Vincent y se extiende hacia todo lo que seguirá en la filmografía del director, aún más allá de su maduración en Big Fish; sin embargo, pese a que los fans de hueso colorado se quejan de que ambas producciones son incomparables una con la otra, hay algo que El Cadáver de la Novia no tiene, aún con su destacada narrativa e impecable visualización, y es algo que abundaba en "El Extraño Mundo de Jack" y eso es: ingenuidad. Aunque pareciera que el progreso significara ir siempre para adelante, no caer en arcaísmos, el progreso también tiene que ver con la preservación de lo precioso, y el don ingenuo de Burton aunado a su imaginería era lo que hacía de Burton un titán, teniendo aquí que el posible gran error de Corpse Bride es su espectacularidad desmedida, pues aunque miles de cintas quisieran ser un 1% de lo que la película fue, hay algo ausente en cuanto a burtoneanismo, la cinta se siente más como un blockbuster hecho en base a un concepto fórmula que una impresión artística que era lo que Burton realmente significaba...
Sobreel nuevo rico Victor (Johnny Depp), que se va a casar con la hija de una familia aristócrata en ruina, Victoria (Emily Watson), cuyos padres creen que es en esta boda donde pueden tener su segundo aire económico, pero debido al nerviosismo de Victor cada ensayo de boda es un fracaso sobre fracaso, Victor se dispone a ensayar en el bosque para desempeñarse correctamente en el evento que parece significar El evento para ambas familias, sin embargo, al citar sus votos y poner el anillo en una raíz, se percata que no eran las bases de un árbol, sino los dedos salientes del cadáver de una novia, Emily (Helena Bonham Carter), quien ahora casada mágicamente con él, le arrastra al mundo de los muertos, de donde escapa con mentiras de llevar a Emily a conocer a sus padres, solo para encontrar en la superficie que los padres de Victoria ya le habían encontrado un nuevo postor, el aparentemente millonario Lord Barkis (Richard E Grant), por lo que ahora que la situación se ha complicado Victor tendrá que decidir hacia donde lleva su nuevo inexplicable matrimonio a la vez que Emily intenta comprender si la boda con un vivo fue correcta o no.
Basada en la leyenda rusojudía "El Dedo" de Rabbi Isaac Luria de Safed, la cinta sí es una gran película animada, destacando ante toda la fabricación en masa de productoras como Disney o Dreamworks, sin embargo se siente la ausencia de una sinceridad creativa del director, esa sinceridad que le hace ser Burton como tal, teniendo aquí que con el guión escrito cualquier director hubiera podido llevar la historia como al  final resultó... La cinta sí es recomendable pero con esa precaución.

Charlie & the Chocolate Factory (2005)

Nuevamente recurriendo a Roald Dahl (Jim & El Durazno Gigante), Tim Burton se encomienda a otra aventura cinematográfica y decide volver a trabajar con Jhonny Depp, tras los estudios rechazarle la propuesta de que Marilyn Manson fuera el estelar, para llevar a cabo Charlie y La Fabrica de Chocolate, historia que ya en 1971 había sido llevada a la pantalla grande por Mel Stuart, pero de la que Burton decida rechazar por completo, diciendo al guionista, John August, que ni la pele, que él hará una adaptación del libro y no de esa cinta la cual no le agradaba.
Teniendo en el papel de Charlie a Freddie Highmore, recomendado por Depp tras la filmación de Descubriendo Nunca Jamás, la historia narra la promoción que los chocolates Wonka tienen, sobre cinco "golden tickets" (boletos dorados) que quien halle podrá usar para conocer la fábrica de chocolates, siendo Charlie el último de los ganadores de los boletos; los cinco niños son Charlie, una niña deportista, una niña ricachona, un niño obeso alemán y un niño adicto a los videojuegos, quienes al conocer a Willie Wonka (Depp) tendrán que controlar sus caprichosas actitudes y descontroladas maneras para poder hacer el recorrido de la fábrica completo, todo mientras Wonka confronta sus locuras internas sobre problemas no tan resueltos con su padre (Christopher Lee).
Pese a ser musicalizada por Danny Elfman, las constantes odiosas apariciones musicales de los oompa loompa (Deep Roy) la hacen una bizarra construcción más que nada para niños, saliéndose del molde de extrañeza duradera a la Burton nos tenía acostumbrados; la cinta es un éxitazo en taquilla, volviéndose una parada indiscutible entre las cintas de los años recientes, sin embargo pareciera una desmedida explotación de la estética burteana, que parece haberse desencadenado tras haber hablado alguien sobre la madurez del director luego de la filmación del Gran Pez.
La cinta no es universal pese a su psicodelia enfermiza y envolvente imaginería, y hace de Depp una de las más extrañas extrañezas del estilo burtoneano, una caricatura de lo caricaturezco... Así que si ésta cinta le gusta a sus niños, déjeselas ver, si a usted le gusta... pues véala, pero a criterio personal podría aquí comenzar la decaída burtoneana, donde pareciera que ahora hace cine más por el amor al dinero que por los sueños que antes inspiraron su primera etapa artística.

Sleepy Hollow (1999)

Tras lo hecho en The Addams Family era de esperarse que la siguiente en tener el título de lady Burton, la que sucediera a Winona Ryder sería la Merlina favorita de todos, Christina Ricci, quien empieza a consolidar su carrera siendo la personaje principal femenina en la siguiente cinta de Tim Burton, haciendo de enamorada del fetiche máximo burtonenano Jhonny Depp, en una cinta un tanto distinta a lo generalmente mostrado por Burton, aún con el gigantesco set que arma, muy Nightmare before Christmas, pues pareciera que Burton se torna a lo steampunk para poder realizar este universo que gira alrededor del personaje de Depp, Ichabod Crane.Sobre el policía experimental newyorkino Ichabod Crane, que es enviado al poblado de Sleepy Hollow a investigar una extraña serie de asesinatos adjudicados a un jinete sin cabeza, interpretado por Christopher Walken; llegando al poblado instalándose en la casa de la familia Van Tassel, los encargados de la ciudad, siendo ahí donde conoce a la hija de los Van Tassel,  Katrina (Ricci), de quien se enamora, y le acompaña en su búsqueda por la revelación del misterio del jinete descabezado, búsqueda que les llevará a una cruel verdad que atormentará enteramente al poblado en cuestión, pero más aún a los Van Tassel, donde radica el orígen del mal.
Completando el elenco con Lisa Marie, Marc Pickering, Miranda Richardson e Ian McDiarmid, la cinta es altamente aplaudida, ganando el óscar por dirección de arte, y cerrando el ciclo noventero de Burton, que deja el siglo como uno de los más destacados directores de su generación con esta oscura cinta de fantasía bien clasificable en el steampunk; una gran película que usted debería de conocer.

Ed Wood (1994)

Si Tim Burton decidiera hacer una biopic, ¿qué tipo de biopic tendría que ser? pues para que el imaginador se desapegue de su tan celosamente cuidada estética, algo tiene que haber... y es en la persona del excéntrico y soñador Ed Wood donde Burton decide experimentar en un género en el que hasta ahora no había estado; contando nuevamente con Jhonny Depp, e introduciendo a su universo a Sarah Jessica Parker, Bill Murray, Martin Landau, Patricia Arquette, entre otros, Burton nos narra en blanco y negro, en honor a Bela Lugosi, la extraña y contravestista historia de Edward Davis Wood Jr.
Comenzando en el tiempo en que Wood (Depp) es elegido para dirigir la indie movie Glen or Glenda, sobre travestismo, solo porque él tiende a ser un travesti, el fracaso le lleva a la que él comparó una obra maestra del calíbre de lo hecho por Orson Welles, La Novia del Moustro, que, pese a su opinión personal, también resulta un fracaso, el cual se conjunta con la muerte de su gran amigo e inspiración Bela Lugosi (Landau), con quien había estado trabajando en esta etapa comentada, y en vez de apagarlo en su totalidad, le lleva a sacar presupuesto de una iglesia bautista de Beverly Hills, para grabar su máxima cinta, la icónica Plan 9 from Outern Space, la que muchos consideran la peor película de la historia...
Y pese a fracaso sobre fracaso, esta peyorización le lleva a volverse un director de culto, un icóno de lo mal hecho, y una de las figuras más representativas del cine B, que ahora inspira a tanta gente.
La cinta, en cambio, según la crítica especializada, está considerada junto con Edward Scissorhands y Big Fish como uno de los mejores trabajos de Burton, llevándole a ganar el óscar a mejor maquillaje, y dándole a Martin Landau el oscar a actor de reparto.
Una odisea de lo absurdo, de la terquedad, de la enfermedad de uno de lo más extraños directores que haya habido, que sin ser una de las más conocidad películas burtoneanas es bastante recomendable, no como dentro de lo mejor, pero bastante entretenido, bien hecho, y sin duda de una calidad intachable.

Edward Scissorhands (1990)

Y luego de pasar los 80´s con éxito, era momento de que el ingenio real de Tim Burton se desbordara, como antes lo había mostrado en el cortometraje Vincent, era momento de que ese Robert Smith de autorepresentación viera la luz en el cine que estaba decidido a mostrar, ese universo de contrastes, tan altos como el cine expresionista alemán los tenía, solo que si de contrastes hablamos no solo hay blanco y negro, hay bello y "bello", hay perspectiva y "perspectiva", y es aquí donde Burton comienza a explorar el contraste estético e ideológico a fondo, pues aunque pudiera parecer una simple historia de fantasía, el contraste de universos, el contraste de miradas es un estudio que Burton navegará a cada proyecto que le van dando.
Con la ya estrenada en Beetlejuice Winona Ryder, y el que se volvería su fetiche de autorepresentación Johnny Depp, además de volver a contar entre sus cartas con su héroe Vincent Price, la historia narra cómo la vendedora de maquillaje Peg (Dianne Wiest) encuentra a Edward Scossorhands (traducida también como Eduardo Manos de Tijeras) (Depp) solitario en un gótico castillo, ésto después de la muerte de su creador, por lo que Edward está incompleto, y sus manos nunca fueron instaladas, por eso tiene tijeras; al verlo así solo y raro, Peg decide llevarlo a su casa para brindarle una familia y amistad, sin embargo entre que se enamora de la hija, Kim (Ryder), y el hecho de ser rechazado por la sociedad por ser extraño, además de ser admirado por algunos debido a su habilidad para cortar cosas y estetizarlas; la historia podría parecer algo así como un Teen Wolf burteano, utilizando la mitología estilo Pinocho para propulsar una futuramente naciente cultura emo, sin embargo, la cinta también se puede interpretación como unión de polos, adaptación, socialización, aceptación, convivencia y mestizaje, pues entre la experiencia estética dark de Scossorhands y la kitch tendencia del "mundo real", conviviendo de la mano, la película es una gran aventura, como dije antes, sobre el encuentro de contrastes.
Un paso más en el crecimiento del icónico director, un fenómeno cultural noventero, el comienzo de una maravillosa década de creación, un clásico sin duda, una gran recomendación.

Rango (2011)

Luego de la megasaga de Piratas del Caribe, Gore Verbinski decide agarrar un proyecto menos ambicioso, cosa que al final no resultó así, pues no por ser animación es menos trabajo (aún cuando Industrial Light & Magic se llevó toda la carga pesada) y aprovechando su proximidad con Jhonny Depp le llama para que le acompañe en esta nueva empresa, logrando una de las más aclamadas cintas en animación digital de los últimos años, pues desinteresándose por el público infantil, y aludiendo a su fanatismo personal, Verbinski hace aluciones a Hunter S Thompson, Clint Eastwood, Don Quijote de la Mancha, China Town, a su mismo "infierno blanco zen" utilizado en Piratas del Caribe 3 cuando Jack Sparrow se encuentra con los cangrejo-piedra, entre otras, solo para ir directo a la recepción del óscar a mejor película animada con la mano en la cintura, sin otra cinta capaz de revatarle el honor bien merecido.
Sobre una lagartija doméstica que por desgracia del destino termina siendo arrojada al desierto donde conoce animales del seco mundo que le "acoge", salvando su bueno para nada trasero con su superioridad actuada que sorprende a los otros animales del desierto, nombrándole sheriff honorario para solucionar el problema de la sequía que azota al pueblito, teniendo entre sus rivales a una bandada de topos bélicistas hillbillies, a una enorme serpierte, Víbora Jake (doblado al español latino por un excelente y perturbador Joaquín Cosio), aludiendo inmediatamente a Lee Van Cleef de El Bueno, El Malo y el Feo, y los mismos gobernantes del pueblo, que en su corrupción terminan siendo los más despiadados villanos de la historia.
Una excelente animación, perfecta dirección artística, pues su estética destaca entre todas las animaciones de los últimos tiempos, podiéndosele comparar con otras cintas como Cool World (en cuanto a originalidad formal), nuevamente fabulosa contribución musical de Hans Zimmer, y otro gran éxito para Gore Verbinski, quien podría considerarsele como el padrino de la bienhechura en cuanto a blockbuster refiere, demostrándonos que no por ser un blockbuster significa que tenga que ser malo.

The Ninth Gate (1999)

Dirigida por el controversial Roman Polanski, y estelarizada por un Johnny Depp sin maquillaje, la cinta con una estética cien por ciento noventera se basa en el libro de Arturo Pérez Reverte "El Club Dumas", el cual narra seguidores de la colección del escritor que da nombre a dicho club, solo que la película se centra en el libro diabólico que se menciona en la novela de Reverte.
Sobre la tarea que se le encarga a Dean Corso de autentificar tres libros y si es posible, ya de paso, resolver el enigma que estos guardan, pese a que personas de una secta lo persiguen, puesto que los libros hablan del regreso de Lucifer y una tal novena puerta que lleva hacia la superioridad humana, la película llega a veces a ser medio mafufa (mafuferamente noventera), pero el misterio detrás de todo queda abierto todo el tiempo, puesto que entre los personajes y el libro que todos quieren ("DE VMBRARVM REGNI NOVEM PORTIS") nunca tienen un final, las tramas realmente quedan abiertas a interpretación, dando la oportunidad al espectador de generar sus propias conclusiones.
Como una complicada y mejorada versión anticipada del buscador de misterios del Código DaVinci, la cinta puede gustar a aquellos fans de las historias detectivezcas, a los fanáticos de Depp, o a los aferrados con los temas oscurantistas, es una buena referencia para el cine de misterio de los noventa, y si no es la mejor película ni de Polanski, ni de Depp, vale la pena conocerse y empaparse un rato del misterio de la cinta.

Dead Man (1995)

Hay un viaje místico para la autocomprensión, entre miles de simbolismos y una gama flotante de blancos y negros, una revelación de un actor como alguien más propenso al arte que a la simple excentricidad de la sociedad desfigurada hambrienta de consumo, por donde pasa un tren gris que contiene a las ideas, por donde viven apaches reveladores de verdades o de teorías, pero en este viaje solo un nombre puede ser la máxima idea del uso de la creatividad expandida hacia la pantalla frente a nuestros asientos: Jim Jarmusch.
Estelarizada por un multifascético Johnny Depp, al lado de artistas como Billy Bob Thornton, Iggy Pop o John Hurt, y metiendo simbolismos que van desde el viaje del héroe a la manera órfica, los simbolismos sobre la identidad del indígena norteamericano hasta analogías a la obra y trabajo del poeta y pintor William Blake, la historia es una fantástica pieza fílmica de arte se torna indispensable para el cinéfilo real, para el estudioso artístico y cultural, y para el amante del conocimiento y el arte mismo de la filosofía.
Una indispensable para el cinéfilo real, pero imposible para el cinéfilo blockbustereano.

Gonzo (2008)

El documental sobre Hunter S Thompson, es dirigido por Alex Gibney, y presentado por Johnny Depp, contando con entrevistas a Ralph Steadman & Tom Wolfe.
Narrando la vida de Thompson, pasando de su libro sobre motociclistas y su mala fama que les dio, sus tendencias polícticas, su horror de ser calvo, su matrimonio, su literatura, su manera de ser el escritor rockstar, sus juergas de varios días, su estilo gonzo, sus aventuras al lado de Steadman, su trascendencia, su suicidio por la llegada al poder de George W Bush, y el homenaje que sus amigos le dieron en medio del desierto; la cinta hace un buen homenaje a una de las más importantes y representativas figuras del siglo XX, pues desde su sarcasmo e ironía, hasta su misma vida pueden ser un claro ejemplo e inicio de mucho de lo que mediáticamente aún sigue desarrollándose.
Si a usted le aburren los documentales, éste le recomendamos para que pierda esa concepción sobre los mismos, Gibney sabe llevar la historia sin caer en lapsos largos e innecesarios, y sin perder el estilo y el gusto por Thompson.

Fear & Loathing in Las Vegas (1998)

De la mente y vivencias del escritor Hunter S Thompson, y la realización del amante del excentrisismo Terry Gilliam, llega una cinta vuelta clásico inmediato estelarizada por una de las más memorables actuaciones de Johnny Depp & Benicio del Toro, sumándole a esto, actuaciones menos trascendentes de Tobey Maguire, Cameron Díaz, Christina Ricci, Flea, Christopher Meloni y hasta el mismo Thompson en un pequeño cameo.
Sobre el viaje de Raoul Duke, al lado de su abogado el Dr. Gonzo a Las Vegas para cubrir un evento deportivo, historia que se pone en segundo plano, mientras la trama central más bien narra el consumo excesivo de alcohol y estupefacientes, que los llevan a mil situaciones extrañas distando de ser tareas laborales como su labor principal periodística suponía ser.
Desde el libro, no que decir del libro, desde el autor, Hunter S Thompson es una garantía que hasta calificativo propio logró ganarse; y el trabajo de Gilliam en ningún momento demerita el trabajo literario del rockstar gonzo, sino que lo acrecenta,  no al grado de los grandes fix del momento como Trainspotting o Requiem, pero ya con decir Thompson y Gilliam y Depp imaginarán que sí es demasiado recomendable, un viaje del héroe cuya acidez es la justificación de la malformación reptiliana de los pensamientos al borde de la posibilidad del imposible...
Una película que usted debe de ver, a menos que sea de esos santurrones que todo ven mal menos la pederastía eclesiástica.

The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009)

No, The Dark Knight no fue la última película de Heath Ledger, fue ésta, otra genial composición del director Terry Gilliam, la cual se ve gravemente afectada por el mencionado guasón; sin embargo Gilliam logra sacarla adelante y usar otros actores en las escenas surreales de la película, justificando así la ausencia de Ledger sustituyéndolo con Johnny Depp, Jude Law & Colin Farrell. A la cinta también hay que agregar las fantásticas actuaciones de Christopher Plummer, Tom Waits y Lily Cole.
La cinta narra las aventuras de un teatrero ambulante que hace un trato con el diablo para llevar a la gente que ingresa en su foro al interior de sus imaginaciones, sin embargo, el diablo cobrará lo que el teatrero le debe.
Sin duda, no podemos decir que esta sea una de la más reconocidas de Gilliam, pero ese menosprecio general no significa que la película no sea otra maravilla gilliameana, pues toda la exploración a la idea del "imaginario" es sencillamente sorpendente, además de las actuaciones de todos, destacando la dinámica entre Plummer y Waits que hacen de la película una odisea preciosa hacia lo surreal de la mente ávida de experiencias más allá de las concepciones ordinarias. Muy recomendable!

Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides (2011)

Al final de la tercera parte, el epílogo ideal de Verbinski para sus Piratas del Caribe fue que Jack Sparrow seguiría sus aventuras, teniendo ahora aunque sea el mapa para la fuente de la juventud, y cierra. Pero obviamente tras el estrepitoso éxito de At the World´s End, el productor de la saga entera Jerry Bruckheimer pareció no importante la salida de Verbinski, y metió a Rob Marshall para suplirlo y hacer una cuarta entrega, quien para su suerte al menos volvió a contar con Geoffrey Rush y Johnny Depp para repetir sus populares roles; agregando entre otros actores a Penelope Cruz y a Ian McShane.
Como comencé diciendo del epílogo de la tercera, esa es la trama de la cuarta, la lucha de varios piratas por llegar a la fuente de la juventud.
Y desde la codicia de Bruckheimer de hacer por hacer, hasta que Penelope Cruz ni siquiera graba sus escenas completas debido a su embarazo fueron factores definitivos para que la cuarta película fuera como un virus carnivoro que echó a perder lo realizado a lo largo de tres películas antes. La película es aburrida, forzada, y lo único que vale la pena es volver a ver a Jack y a Barbosa en su relación pasivo agresiva que tanto amamos, pues ni la introducción de Barbanegra supera a Davy Jones, ni la relación de Cruz con Depp sustituye el romance de Will & Elizabeth.
No se recomienda a los externos a la saga, sino más bien a solo fanáticos de hueso colorado de la saga completa

Pirates of the Caribbean: At World's End (2007)

Ya con la probada del Cofre del hombre muerto, sabíamos que esta, que decíase ser el final de la serie, iba a ser una joya segura, y Verbinski no nos decepcionó, y dió su mejor trabajo dentro de Piratas del Caribe, regresando al elenco completo, teniendo desde Depp hasta Nighy, desde Rush hasta Bloom, Knightley, Harris, Skarsgard, etc... agregando en esta ocasión a Keith Richards de los Rolling Stones como el papá de Jack, el Capitán Teague Sparrow.
En esta ocasión la East Indian Trade Company ya domó a Davy Jones y al Kraken, los piratas harán una reunión en Isla Tortuga para ver qué procede para solucionar el problema o huirle al mismo. Y todo se afila para la batalla final entre Jack y Jones.
Como menciono Piratas del Caribe 3 es una de las mejores cintas de aventuras, o de piratas que jamás se haya hecho, la fantasía se confecciona con las ocurrencias de Jack, las reflecciones de Verbinski, los efectos especiales en cosas como Jones, la histriónica perfección de Rush, y una trama perfectamente bien confeccionada para dar un digno final (según ese entonces) de la saga que animó a Disney a reinvertir millonariamente en producciones live action, en lo que deciden entre la pixarización o no...

Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (2003)

Entre fines de los noventas y la primera década del siglo XXI Disney estuvo con más bajas que altas, contando sobre todo con Pixar para destacar, y empezar el dilema de si la gente quería ver animaciones 2D o solo Pixarizados, así que entre sus cientas de películas teen con las que trataba de salvarse, surge un proyecto basado en la atracción mecánica de Disneyland "Piratas del Caribe", solo para probar suerte, y es encargado a un director cuyo historial había tenido un hit que marcó época en el cine del momento (El Aro, que inicia la ola de remakes de Oriente a Occidente), Gore Verbinski, quien contrata a Johnny Depp para estelarizar la película, y en un difícil tiempo de producción, ya que Depp se aferró para rehacer al pirata que le tocaba ser de una u otra manera, se consiguió tener aquí una de las más exitosas live action films que Disney haya producido.
Sobre un romance entre la hija de un político con un ayudante de herrero, y la intromisión de cientos de piratas que llevan a la pareja a un viaje hacia una isla donde una maldición fue desatada muchos ayeres atrás, las actuaciones de Depp como Jack... Capitán Jack Sparrow, Orlando Bloom como Will Turner, Keira Knightley como Elizabeth Swann, Geoffrey Rush como el Capitán Barbosa, Jack Davenport como el Comodoro Norrington y Jonathan Pryce como el Gobernador Swann son destacadas al nivel de inmortalizar a los personajes a los que siguen interpretando a lo largo de la saga (cosa que inicia a desarrollarse con plenitud luego del éxito de la primera parte)
La película en general no es una joya de la cinematografía pero cumple dos de sus principales metas: 1. Entretener y divertir; 2. Lograr éxito comercial. Así que esto abre las puertas para el comienzo de una de las más importantes sagas del siglo hasta ahora.
Es recomendable para pasar el rato y ver a Depp desarrollándose en el papel que tanto peleó por crear, y genialmente consiguió lo que quizo, volviéndolo uno de los personajes más queridos de todos los tiempos.

Lone Ranger (2013)

Uno de los mayores dilemas del 2013 es la película de Gore Verbinski sobre el Llanero Solitario, estelarizada por Johnny Depp, Armie Hammer, Helena Bonham Carter, William Fichtner y Tom Wilkinson, y el porqué del dilema es que siendo una película familiar, Verbinski terminó sacándola de casi tres horas, con largos intervalos serios/aburridos que desprestigiaron la película como tal, causando bajas terribles en audiencia y estigmatizándola a manera de voz en voz; pero meses después de esto, no otro sino Tarantino publica su top 10 de películas del 2013 y está ésta...
Sobre las aventuras del conocido John Reid y "Toro"  (traducción al español del nombre Tonto), y cómo el héroe tiene que afrontar que el mundo y la política que defiende es realmente el enemigo general y el tirano a derrotar, la influencia de la filmografía reciente de Verbinski nos hace ver referencias inmediatas a las mismas, y ¿porqué? pues la combinación de Rango y Piratas del Caribe pudieran ser la más importante idea para comprender la composición del Lone Ranger, fuera de la historia, que llega a tener grandes faltas de lógica sin caer en lo onírico, hay muchas escenas enredadas, y otras casi puestas como por ocurrencias de Jack Sparrow, digo Johnny Depp y Verbinski.
En general la película es entretenida y divertida, y las mencionadas referencias a Rango & a Sparrow nos hacen conectarnos un poco más con el personaje de Toro. El estigma sí puede estar justificado por la longitud de la película, pese a tener secuencias bastante entretenidas, como la primera persecusión en el tren, y también a la "repetición" de Sparrow en Toro; y para entender a Tarantino y su posible porqué sobre sus opiniones a las cintas, nos podemos regresar a pensar en Django, y sus entrevistas y comentarios alrededor de ésta, donde se burla de Ford por la manera en la que éste mostraba a los nativoamericanos como los villanos de sus películas; En Django trata de erradicar esta idea sobresaltando la idea que los colonos eran los verdaderos enemigos en la historia, cosa que se reitera una y otra vez en la película de Verbinski; concluyendo que Tarantino gustó del Llanero no por otra cosa sino la sintonía...
Es recomendable para niños pacientes y adultos con alma de niños que deseen pasar un rato, los críticos pueden abstenerse o verla con los ojos indicados, pues brutalizar películas solo como pose solo ustedes se la creen.

Rum Diary (2011)

Dirigida por el director Bruce Robinson, y basada en la novela de Hunter S Thompson, la película (nuevamente mal traducida al español (en cuanto a título refiere) (Diarios de un Seductor)) es estelarizada por quien parece ser uno de los más grandes fans del escritor gonzo, Johnny Depp, quien es acompañado por quien debe de ser un auténtico dos caras (por el personaje que le toca interpretar) Aaron Eckhart, el rarísimo (como siempre) Giovanni Ribisi, por la hermosa Amber Heard, Richard Jenkins & por Michael Rispoli.

La trama aborda al escritor Paul Kemp, quien encuentra trabajo en el corrompido Puerto Rico, encontrando nada sino avaricia, sed de poder, y mucho ron, por lo que el descontento del escritor solo se ve estrellado por una pared de sumisión y conformismo, en cuanto a información refiere; un millonario con influencias lo conoce y le ofrece trabajo como su promotor, para que su estafa luzca bella y no arme revuelo; pero este millonario tiene a una novia muy guapa (¿por eso la tradujeron así?), que atrae a Kemp, así bien, éste se ve distraído entre la ingestión de drogas y alcohol, su moral política, su necesidad creativa y económica, y una serie de absurdas aventuras extremadamente gonzo.

La cinta, ya teniendo a Johnny Depp y a Hunter S garantiza un buen contenido, pero la manera en la que Robinson la lleva a cabo no llega a convencer; más bien pasa como un extraño y personal, pero no muy buen, homenaje a la gonzidad de la historia, pero sin relevancia en cuanto a contenido fílmico. Y repito, no es mala la película en absoluto, pero teniendo de referencia a Thompson, a Fear & Loathing in Las Vegas (Terry Gilliam), y al ¿camaleonico? Depp, uno debe de aspirar (hasta que la nariz quede tan reseca como salina) a terrenos fílmicos altísimos; como sea, es aceptable, no memorable...