Hansel & Gretel (1983)

Filmado un año antes por un amateur pero totalmente explorativo Tim Burton, quien en una etapa de amante de la cultura japonesa, entre las etapas de Vincent y Frankenweenie, Disney le encarga un especial de Halloween sobre la historia de los hermanos Grimm, pero con una perspectiva personal, por lo que Burton se deja llevar, metiendo sus iconografías personales mezclado con ese pasajero amor por el oriente, haciendo una de las más extrañas, experimentales y geniales piezas en las que haya contribuido.
Sobre una familia conformada por el papá juguetero en quiebra (Jim Ishida), la madrastra, que es un travestido (Michael Yama) y los hijos Hansel (Andy Lee) y Gretel (Alison Hong), quienes tienen que afrontar la austeridad, la cinta primero se centra en la enemistad entre la madrastra y los niños, a quienes culpa de su pobreza y por lo tanto les trata mal, por lo que decide llevarlos al bosque para perderlos, pero como Hansel deja su rastro de piedritas, éstos logran volver con su papá; sin embargo, en un segundo viaje, la madrastra les da un pato de juguete que se va comiendo las piedras mientras caminan, por lo que, cuando la señora les pierde, ya no pueden volver a casa y solo encuentran el camino a la casa de dulce, la casa de la bruja, que también es travesti...
Cambiando la historia de alemanes glotones a japoneses incomprendidos, Burton crea uno de los más raros cortometrajes que Disney haya producido, a tal grado que el material se pierde entre los años hasta que 2009 se le hace un homenaje al director y el corto vuelve a la luz.
Sí es una gran recomendación pues el lado más macabro y torcido de Burton se puede ver aquí, pues no solo destaca la aparición de su estética, su fórmula y sus temáticas infantiles dark, sino que entre en los parámetros de lo grotezco, drag y enfermizo. Una gran pieza de entre los rarities del cine.

Dark Shadows (2012)

Ya dejando atrás el papel de propositista, Tim Burton ahora trabaja casi casi por proyecto asignado, y el de ésta ocasión es Dark Shadows (Sombras Tenebrosas), basada en la serie de los 70´s de la ABC con Jonathan Frid, teniendo en su elenco a los que jamás esperaríamos: Jhonny Depp & Helena Bonham Carter, además del regreso de Michelle Pfeiffer, y la participación de Eva Green, Chloe Moretz, Jonny Lee Miller, Jackie Earle Haley, Bella Heathcote, Christopher Lee & Alice Cooper.
Sobre Barnabas Collins (Depp), un millonario que en 1752 rompe el corazón de su amante sirvienta sexy (Green), y ésta se revela como bruja, volviéndole vampiro por un hechizo, asesinando a su familia y enterrándole vivo hasta que ella decidiese. Por azares del destino en 1972 le desentierran durante una construcción, y tras asesinar a sus salvadores, Barnabas regresa a su mansión, habitada por sus descendientes ahora en quiebra, por lo que está en él reubicarlos en una posición económica digna de su familia, pero para ésto tendrá que derrotar de una vez por todas a la aún viva Angelique (Green), quien controla el mercado y ayuda a preservar el fracaso de los Collins.
Y entre toda la filmografía reciente de Burton, ésta aguanta, y gracias a lo que parece parodia un poco de lo que ahora reina en la cinematografía vampirezca, como Twilight, son roles como el de Eva Green el que alza la película, además de la impecable actuación de Pfeiffer como dama máxima de la casa de los Collins. La cinta, como sea, no es el mejor trabajo del director, pero sin duda es la más destacada de sus más recientes films, donde ahora la sátira sobresale a su estética de fórmula, y el gran reparto con el que cuenta la hace destacar entre sus comparables.
La cinta sí es recomendables, es un gran trabajo macrabro, irónico y vampirezco, y sostienen al director con un mantra que pudiera estar diciendo "one more film, one more film"

Alice in Wonderland (2010)

Ya sabíamos lo que Tim Burton significaba cuando se trata de hacer remakes, tanto El Planeta de los Simios como Charlie y la Fábrica de Chocolate nos habían dado muestras de que la fórmula burtoneana podía trascender, mientras los adolescentes del mundo amaran la estética del director, la fórmula era explotable, mandando al diablo la trama, la historia y todo lo que ésta incluya, por lo que mezclar una historia tan popular como Alicia en el País de las Maravillas, el girl power, la tendencia narniana de guerras en mundo de fantasía cuya única meta pareciera ser la ternura además de un Jhonny Depp empeorado desde Willy Wonka seguro tendría un éxito en crítica y taquilla como nunca antes en la filmografía burtoneana... ¡un momento! De una vez póngale un soundtrack teen lidereado por Avril Lavigne y se volverá una gran competidora de los blockbusters del momento.
La cinta es estelarizada por Jhonny Depp, Helena Bonham Carter, Christopher Lee, Anne Hathaway, Alan Rickman, Michael Sheen, Stephen Fry y una destacada y gran prospecto de la actuación para el futuro Mia Wasikowska como Alice, además de estar basada primeramente en el poema del Jabberwocky, la cinta narra a una Alicia crecida, a años de lo ocurrido en las aventuras originales (¿Hook?), pero nuevamente es jalada al mundo de Wonderland, ahora llamado Underland, donde solo el Sombrerero (que ahora parece gay de carnaval) la recuerda; ahí ve la situación que el mundo vive, azotados por una peor reina roja y una bestia llamada el Jabberwocky; por lo que empezará una revuelta por la salvación del mundo, con ayuda de algunos de los personajes conocidos, un reina blanca y un sombrero que no importa que tan gay se vea parece estar enamorado de Alicia...
La cinta termina con un horrendo baile digno de "baile improvisado de icarly", y nos recuerda que fuera de la estética burtoneana, que llega hasta a ganar el óscar por dirección de arte y vestuario, ya  no queda mucho de uno de nuestros directores favoritos, quien parece tomar proyectos blockbuster para rehacerlo como los productores y los estudios de mercado dicten.
Es recomendable, con todo y todo, pues ver más de 100 minutos de los efectos especiales retocados a la manera burtoneana nunca sobra, su estética parece permancer siempre bella, siempre tétrica, siempre burtoneana, no por nada ya es una institución en estilo, sin embargo, en cuanto a historia, es un cuento bastante diferente, la historia es forzada, predecible, de baja calidad, tonta... nada que valga la pena... Así que ya saben... si ver o no, con las restricciones necesarias... No obstante, si un niño empieza su camino cinematográfico y cinéfilo desde cintas como ésta, un probable buen futuro augura.

9 (2009)

Basada en un cortometraje del mismo escritor y director de la película, Shane Acker, Tim Burton parece finalmente desechar a Henry Selick y decide invertir en Acker, pareciendo una buena promesa para continuar el aplaudido estilo que iniciaron en Nightmare before Christmas, pero ahora con una estética totalmente ackereana, adoc a los tiempos actuales donde lo postapocalíptico es cool, claro, con un poco de ternura encima.
Basadas en las tipologías del Eneagrama, la historia narra un tiempo posterior a los humanos, donde nueve creaturas deben de decidir si afrontar y descubrir el porqué unas máquinas les quieren destruir, o esperar en las sombras sin hacer nada. 9 es el héroe que inspira al resto del grupo a buscar la verdad, la cual tiene que ver con la preservación de la vida, el paso del alma de raza en raza y varios simbolismos espirituales que la hacen con más tranfondo que el promedio de películas para niños...
Y pese a su bonito mensaje, su buena narrativa y su excelentemente bien llevada estética y visualización la cinta parece intrascendente, pasa desapercibida, siendo pocos los que se acuerdan de ella, manteniéndose en el cajón de las animaciones que aprovechan su momento de estreno para rápidamente ser olvidadas. Burton sigue sin dar otro ejemplo de joya de la animación, y Acker desaparece... ahora está en el departamento de visuales y efectos especiales, pero desde entonces no se le ha visto a la cabeza de un nuevo proyecto.
¿Recomendable? Claro que es recomendable, solo queda saber si la cinta se conservará en un futuro como cinta de culto como el Gato Fritz o hasta Heavy Metal, o se perderá en el apocalipsis del olvido.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007)

Para empezar a abordar éste estilo de películas, me permito mencionarme como un detestante de la mayoría de los musicales, por lo que mi reseña será tendenciosa; ahora, podemos continuar...
Dícese que en 1980 Tim Buton fue a ver el musicla de Stephen Sondheim "El Barbero diabólico de Calle Fleet", y desde entonces quedó fascinado con la idea de hacerla algún día película, pero el tiempo pasó, Sam Méndes tomó el proyecto, y no es sino hasta que éste último lo abandona para filmar Jarhead, que Burton aparece en el panorama y empieza la pre y la producción de la cinta, llamando a sus fetiches Johnny Depp & Helena Bonham Carter para los protagónicos, además de incluir a Sacha Baron Cohen y a Alan Rickman para roles secundarios, y desplazando a su compositor de cajón Danny Elfman para preservar a Sondheim y quedarse fiel al estilo de la obra y complacer asi, a los conocedores del musical original.
Sobre Benjamin Baker (Depp), quien es acusado injustamente por un juez corrupto llamado Turpin (Rickman), y enviado a una cárcel en Australia dejando atrás a su esposa (Laura Michelle Kelly) y a su hija (interpretada ya de grande por Jayne Wisener), y volviendo años después a manera de conde de Montecristo, para enterarse que Turpin había violado y matado a su esposa, y ahora era tutor de Johanna, su hija, por lo que en su rabia, se alía con una panadera llamada Nellie Lovett, y empiezan el placentero negocio de la venganza por asesinato, donde el ahora llamado Sweeney Todd hacía de barbero, mataba a los clientes y Lovett los cocinaba y los vendía a la clientela, todo teniendo como meta la cabeza de Turpin, mientras que un marinerito amigo de Todd, llamado Anthony (Jamie Campbell) se enamora de Johanna.
Y aún con la tentadora y absorbente trama asesina, una vez empiezan a cantar y cantar en medio de sus sádicas intenciones, la cinta se vuleve melosa y hartante, aún con sus sangrientas secuencias y su nuevamente destacada estética, digna del óscar a dirección de arte; la cinta decepciona en ese sentido pues se vuelve una estetizada jornada por cánticos aburridos que bien podrían ser superados en atractivo por la más fresa de las cintas de Disney, algo que se criticó mucho, pues una vez estrenada, los trailers no avisaban que era un musical, por lo que se narra que en las salas inglesas, parte de la audiencia abandonaba las salas una vez empezaban a cantar...
No sé porqué a Hollywood le encantan los musicales, pero hace en parte burdos y forzados algunos caminos, y más si de temáticas oscuras refiere (mejor deberían de llamar a oscuros compositores, a ver si así resultara mejor... llamen a Lacrimosa); como sea, se adapta suficiente a la época emo que reinaba en esos ayeres, pero ni llega a la categoría de cinta de horror, y por el nivel de sangre dudo que a los adeptos a los musicales les agrade tanto la película; aún con todo esto, la cinta en su mayoría es aclamada y esta reseña es la impresión de éste ojo que opina pese a la corriente de habladurías en el mundo digital.

Corpse Bride (2005)

Seguro, pese a la taquilla, algo de resentimiento queda en Burton tras su fábrica de Chocolate, así que ¿qué manera de tratar de compensarse que volver a sus raíces? pues aunque él no dirige Nightmare before Christmas (fue Henry Selick), es ésta película la base de toda la imaginería burtoneana, la que tiene como base Vincent y se extiende hacia todo lo que seguirá en la filmografía del director, aún más allá de su maduración en Big Fish; sin embargo, pese a que los fans de hueso colorado se quejan de que ambas producciones son incomparables una con la otra, hay algo que El Cadáver de la Novia no tiene, aún con su destacada narrativa e impecable visualización, y es algo que abundaba en "El Extraño Mundo de Jack" y eso es: ingenuidad. Aunque pareciera que el progreso significara ir siempre para adelante, no caer en arcaísmos, el progreso también tiene que ver con la preservación de lo precioso, y el don ingenuo de Burton aunado a su imaginería era lo que hacía de Burton un titán, teniendo aquí que el posible gran error de Corpse Bride es su espectacularidad desmedida, pues aunque miles de cintas quisieran ser un 1% de lo que la película fue, hay algo ausente en cuanto a burtoneanismo, la cinta se siente más como un blockbuster hecho en base a un concepto fórmula que una impresión artística que era lo que Burton realmente significaba...
Sobreel nuevo rico Victor (Johnny Depp), que se va a casar con la hija de una familia aristócrata en ruina, Victoria (Emily Watson), cuyos padres creen que es en esta boda donde pueden tener su segundo aire económico, pero debido al nerviosismo de Victor cada ensayo de boda es un fracaso sobre fracaso, Victor se dispone a ensayar en el bosque para desempeñarse correctamente en el evento que parece significar El evento para ambas familias, sin embargo, al citar sus votos y poner el anillo en una raíz, se percata que no eran las bases de un árbol, sino los dedos salientes del cadáver de una novia, Emily (Helena Bonham Carter), quien ahora casada mágicamente con él, le arrastra al mundo de los muertos, de donde escapa con mentiras de llevar a Emily a conocer a sus padres, solo para encontrar en la superficie que los padres de Victoria ya le habían encontrado un nuevo postor, el aparentemente millonario Lord Barkis (Richard E Grant), por lo que ahora que la situación se ha complicado Victor tendrá que decidir hacia donde lleva su nuevo inexplicable matrimonio a la vez que Emily intenta comprender si la boda con un vivo fue correcta o no.
Basada en la leyenda rusojudía "El Dedo" de Rabbi Isaac Luria de Safed, la cinta sí es una gran película animada, destacando ante toda la fabricación en masa de productoras como Disney o Dreamworks, sin embargo se siente la ausencia de una sinceridad creativa del director, esa sinceridad que le hace ser Burton como tal, teniendo aquí que con el guión escrito cualquier director hubiera podido llevar la historia como al  final resultó... La cinta sí es recomendable pero con esa precaución.

Charlie & the Chocolate Factory (2005)

Nuevamente recurriendo a Roald Dahl (Jim & El Durazno Gigante), Tim Burton se encomienda a otra aventura cinematográfica y decide volver a trabajar con Jhonny Depp, tras los estudios rechazarle la propuesta de que Marilyn Manson fuera el estelar, para llevar a cabo Charlie y La Fabrica de Chocolate, historia que ya en 1971 había sido llevada a la pantalla grande por Mel Stuart, pero de la que Burton decida rechazar por completo, diciendo al guionista, John August, que ni la pele, que él hará una adaptación del libro y no de esa cinta la cual no le agradaba.
Teniendo en el papel de Charlie a Freddie Highmore, recomendado por Depp tras la filmación de Descubriendo Nunca Jamás, la historia narra la promoción que los chocolates Wonka tienen, sobre cinco "golden tickets" (boletos dorados) que quien halle podrá usar para conocer la fábrica de chocolates, siendo Charlie el último de los ganadores de los boletos; los cinco niños son Charlie, una niña deportista, una niña ricachona, un niño obeso alemán y un niño adicto a los videojuegos, quienes al conocer a Willie Wonka (Depp) tendrán que controlar sus caprichosas actitudes y descontroladas maneras para poder hacer el recorrido de la fábrica completo, todo mientras Wonka confronta sus locuras internas sobre problemas no tan resueltos con su padre (Christopher Lee).
Pese a ser musicalizada por Danny Elfman, las constantes odiosas apariciones musicales de los oompa loompa (Deep Roy) la hacen una bizarra construcción más que nada para niños, saliéndose del molde de extrañeza duradera a la Burton nos tenía acostumbrados; la cinta es un éxitazo en taquilla, volviéndose una parada indiscutible entre las cintas de los años recientes, sin embargo pareciera una desmedida explotación de la estética burteana, que parece haberse desencadenado tras haber hablado alguien sobre la madurez del director luego de la filmación del Gran Pez.
La cinta no es universal pese a su psicodelia enfermiza y envolvente imaginería, y hace de Depp una de las más extrañas extrañezas del estilo burtoneano, una caricatura de lo caricaturezco... Así que si ésta cinta le gusta a sus niños, déjeselas ver, si a usted le gusta... pues véala, pero a criterio personal podría aquí comenzar la decaída burtoneana, donde pareciera que ahora hace cine más por el amor al dinero que por los sueños que antes inspiraron su primera etapa artística.

Big Fish (2003)

Entonces muere el padre de Tim Burton, y éste llega a la preproducción de una película que sería asignada para que Spielberg dirigera, una adptación del libro de Daniel Wallace, Big Fish: A Novel of Mythic Proportions, y a petición propia, Burton remplaza a Spielberg, asignándosele la cabeza del proyecto, y en una visión más personal, más propia, pero distinta a lo pasado, distinto a su tan conocido estilo, Burton inicia una etapa que los estudiosos del cine han llegado a llamar la madurez del director, pues hasta su mejor película se ha llegado a considerar, por contar un cuento estilizado, bello, romántico pero no empalagoso, un deleite en todo lo que hacer cine tiene que ver.
Sobre la historia de Edward Bloom (Albert Finney), quien está enfermo y peleado con su hijo (Bill Crudup), pero la razón por la que está peleado es debido a que Edward es muy hablador, por lo que inventa historias sobre su vida, lo que hace que el hijo viva recentido contra él; las historias van de cómo creció demasiado rápido, fue EL atleta del pueblo (interpretado de jóven por Ewan McGregor), conoció un gigante (Matthew McGrory), llegó a una aldea mágica, trabajó en un circo al lado de un hombre lobo (Danny DeVito), asaltó un banco al lado de un poeta (Steve Buscemi), una bruja (Helena Bonham Carter) le dijo cómo moriría, fue a la guerra de Corea y volvió gracias a unas siamesas (Ada & Arlene Tai), solo para volver a los brazos de su amada (Jessica Lange/Alison Lohman); siendo estas historias sospechosas, el hijo empieza a investigarle pues piensa que su padre las inventaba para encubrir que le ponía el cuerno a su madre, sin embargo lo que encontrará es que una verdad embelezada no solo ocurre para cubrir imprudencias de la vida, sino también para encontrar lo maravilloso de ésta a cada paso que se da hasta llegado el momento del final.
Completando el elenco con Marion Cotillard, y nuevamente auxiliado por Danny Elfman en la música, además del tema principal tocado por Pearl Jam, la cinta sí es un gran tesoro cinematográfico de un colorido fantástico comparado con toda la belleza visual de cintas como Amelie, las dimensiones coloridas de su filmografía anterior, y la nostalgia bella capaz de asombrar a autobiógrafos como Fellini; una preciosa cinta indispensable, una de las mejores películas de los últimos tiempos, una joya, que quizás se debería de ver como hecha por un Tim Burton 2, pues es perfecta, pero compararla con el resto de sus cintas sería un tanto injusto, pues el hecho de ser Tim Burton tiene que ver con una factura, y considerar a la más distinta de sus cintas como la mejor de éstas sería descalificar el estilo por completo, así que Burton y el Gran Pez deberían de caminar a la par como dos indispensables del cine, que se unen solo por la madurez del uno para el otro.

The Planet of the Apes (2001)

Al terminar la primera saga del Planeta de los Simios, allá en 1988 se llama a Adam Rifkin con la intención de reiniciar la saga para explotarle nuevamente exprimiéndole todo el jugo que pudiera sacar, sin embargo, el proyecto se viene para abajo, y durante los 90´s se trata de reabrir pasando por directores como Chris Colombus, Sam Hamm, James Cameron, Oliver Stone, Sam Raimi, entre otros, pero no es sino hasta el siglo XXI  que Tim Burton decide llevar a cabo el reboot para que todo empezara a marchar como las productoras deseaban que marchara.
Ahora sobre el humano Leo Davidson, interpretado por el que se mencionaba como el siguiente gran actor de acción, Mark Wahlberg, quien en el año 2029 entrena a primates para pilotear naves exploradoras hasta que Leo es devorado por una tormenta estelar mientras entrena con el simio Pericles, siendo enviado hasta el año 3002 a un planeta gobernado por simios pensantes, donde la chimpancé llamada Ari (Helena Bonham Carter) le ayuda a escapar de sus captores liderados por el coronel Attar (Michael Clarke Duncan) y el general Thade (Tim Roth), escapando a unas ruinas llamadas Calima, que Leo ve que es su nave, el Oberon, estrellada ahí mucho tiempo antes; ya ahí cuando Thade y los changos raptores le van a terminar, llega Pericles, quien se había desviado y atrasado en la tormenta un poco y apenas arrivaba, creyéndole a él el resto de los simios, su profeta, el simio Semos...
Teniendo entre el resto del elenco desde a Lisa Marie a Charlton Heston, Paul Giamatti, Estela Warren, entre otros, contando nuevamente con su brazo derecho musical Danny Elfman y con Rick Baker de encargado de efectos especiales para los aplaudidos maquillajes de los simios, la película podría ser considerada no solo la peor cinta relacionada con la changuezca franquicia, sino el primer gran error de Burton, pues primero al alejarse de su estética, entercarse y negarse a que los efectos los hiciera Industrial Light & Magic, y tratar de rehacer casi al 100% la historia, lo bueno de la cinta original se ve perjudicado ahí, y aún cuando la cinta fue suficientemente exitosa en taquilla, la crítica le atacó sobre todo por estos aspectos, por no mencionar el nefasto final que pareciera más el final de George de la Selva o un acto extraño de Las Vegas, que algo digno para el planeta de los simios o el mismo Burton, algo que el mismo director mencionaba solo como un gancho para que cuando llegara un nuevo director pudiera llevar la secuela desde ahí, cosa que jamás ocurrió y mantuvo a la franquicia detenida casi una década más.
Así que si usted es fanático de lo burteano o de la saga de los simios, pese a que la cinta cae en lo dominguera no es horrenda, por lo que puede poner para dormitar o como fondo visual en una tele que no planea apagar; sin embargo como historia, como película y como resultado final es bastante regular tirándole a lo chafa...
Cabe destacar que para la promoción hasta un remix de Paul Oakenfold viene, colaborando con Elfman, que aunque es muy bueno, solo es un buen producto circundante que no salva la producción en su totalidad.

Sleepy Hollow (1999)

Tras lo hecho en The Addams Family era de esperarse que la siguiente en tener el título de lady Burton, la que sucediera a Winona Ryder sería la Merlina favorita de todos, Christina Ricci, quien empieza a consolidar su carrera siendo la personaje principal femenina en la siguiente cinta de Tim Burton, haciendo de enamorada del fetiche máximo burtonenano Jhonny Depp, en una cinta un tanto distinta a lo generalmente mostrado por Burton, aún con el gigantesco set que arma, muy Nightmare before Christmas, pues pareciera que Burton se torna a lo steampunk para poder realizar este universo que gira alrededor del personaje de Depp, Ichabod Crane.Sobre el policía experimental newyorkino Ichabod Crane, que es enviado al poblado de Sleepy Hollow a investigar una extraña serie de asesinatos adjudicados a un jinete sin cabeza, interpretado por Christopher Walken; llegando al poblado instalándose en la casa de la familia Van Tassel, los encargados de la ciudad, siendo ahí donde conoce a la hija de los Van Tassel,  Katrina (Ricci), de quien se enamora, y le acompaña en su búsqueda por la revelación del misterio del jinete descabezado, búsqueda que les llevará a una cruel verdad que atormentará enteramente al poblado en cuestión, pero más aún a los Van Tassel, donde radica el orígen del mal.
Completando el elenco con Lisa Marie, Marc Pickering, Miranda Richardson e Ian McDiarmid, la cinta es altamente aplaudida, ganando el óscar por dirección de arte, y cerrando el ciclo noventero de Burton, que deja el siglo como uno de los más destacados directores de su generación con esta oscura cinta de fantasía bien clasificable en el steampunk; una gran película que usted debería de conocer.

Mars Attack! (1996)

¿Qué es mejor que poder juntar a Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Tom Jones, Lukas Haas, Natalie Portman, Michael J Fox, Pam Grier, Jack Black, Lisa Marie, Christina Applegate, entre otros? Que la crítica se sienta ofendido por lo que has hecho, pese a la grandiosidad de sátira negra que hayas creado.
Competencia "directa" de Independence Day, Tim Burton se embarca en un proyecto kitch que podría ser una ampliación del colorido mundo trabajado en Edward Scissorhands, pero en el fin del mundo por una invasión extraterrestre, donde no solo cuenta con ese grandioso elenco, sino que cuenta con el apoyo de Industrial Light & Magic, el cual hace sentir enfadados a los creadores de ID4, pues lo sienten una burla directa a la película, a lo que que Burton solo responde "no es a propósito que hayan salido a la par, si quieren piensen que "Marcianos al ataque" es la versión de la revista Mad sobre ID4"...
La cinta inicia con la llegada de los marcianos a la órbita terrestre, lanzando un mensaje que los terrícolas traducen como un mensaje de paz, por lo que se arma un festival de arrivo de nuestros vecinos espaciales, donde cuando un hippie libera a una paloma blanca, los extraterrestres revelan su verdadero cometido en la Tierra y comienzan una masacre televisada. Los gringos muy de buena fe deciden que la paloma pudo haber sido un malentendido, por lo que organizan un segundo encuentro en el senado, donde ocurre lo mismo. Y no es hasta que un alien disfrazado de rubia (Lisa Marie) intenta asesinar al presidente (Nicholson) cuando los humanos toman acción contra ellos, infructíferamente; no es sino hasta que el texano Richard Norris (Haas) descubre cómo matarlos, que la balanza se inclina del lado de los humanos de una manera inesperada e inolvidable.
Sí, es un compendio de babosadas y burlas contra lo que el cine B fue, pero sin duda es uno de los máximos clásicos en cuanto a comedia de ciencia ficción refiere. La crítica la ha menospreciado y aplastado como uno de los peores trabajos de Burton, sin embargo, el mirarlo como una pieza caricaturezca y sarcástica la hace un extrañamente inolvidable proyecto de quien pudo juntar a tanta gente alrededor de ideas idiotas vueltas grandiosas en una joya humorística como antes no se había realizado. Recomendable pese a lo que les digan otros.

James and the Giant Peach (1996)

La segunda producción burtoneana con Henry Selik a la cabeza es la basada en el libro de Roald Dahl traducida al español como Jim y el Durazno Gigante, la cual trata de revivir las glorias de Nightmare before Christmas, pero jamás alcanza el reconocimiento como la mencionada, y es un tanto desconocida y menospreciada, pese a que aún cuando se aleja del imaginario de Tim Burton, la cinta es una pieza de gran calidad y una leyenda del stopmotion.
James es enviado a vivir con sus tías Spiker y Sponge tras la muerte de sus padres, lo cual lo rodea de una soledad/situación para nada deseada, cosa que se solucionará cuando una araña a la que le salvó la vida le invita a un viaje en un durazno, en el que iniciará un viaje surrealista que le llevará a conocer a extraños personajes en situaciones surrealistas que le harán pasar el momento de su vida.
Sí, claro, no hay estética burtoneana,y respesta bastante la historia de Dahl, pero ayuda bastante a que Selik se aleje del poderío de Burton, y se encamine a una de sus máximas creaciones como termina siendo Coraline; así que aún cuando es producción Disney Burton, la cinta es recomendable ver sin estar pensando en esta dictatoriales inminencias cinematográficas, sino como un trabajo propio de su director en una trayectoria que en el género es de las más destacadas que ha habido en el cine.

Ed Wood (1994)

Si Tim Burton decidiera hacer una biopic, ¿qué tipo de biopic tendría que ser? pues para que el imaginador se desapegue de su tan celosamente cuidada estética, algo tiene que haber... y es en la persona del excéntrico y soñador Ed Wood donde Burton decide experimentar en un género en el que hasta ahora no había estado; contando nuevamente con Jhonny Depp, e introduciendo a su universo a Sarah Jessica Parker, Bill Murray, Martin Landau, Patricia Arquette, entre otros, Burton nos narra en blanco y negro, en honor a Bela Lugosi, la extraña y contravestista historia de Edward Davis Wood Jr.
Comenzando en el tiempo en que Wood (Depp) es elegido para dirigir la indie movie Glen or Glenda, sobre travestismo, solo porque él tiende a ser un travesti, el fracaso le lleva a la que él comparó una obra maestra del calíbre de lo hecho por Orson Welles, La Novia del Moustro, que, pese a su opinión personal, también resulta un fracaso, el cual se conjunta con la muerte de su gran amigo e inspiración Bela Lugosi (Landau), con quien había estado trabajando en esta etapa comentada, y en vez de apagarlo en su totalidad, le lleva a sacar presupuesto de una iglesia bautista de Beverly Hills, para grabar su máxima cinta, la icónica Plan 9 from Outern Space, la que muchos consideran la peor película de la historia...
Y pese a fracaso sobre fracaso, esta peyorización le lleva a volverse un director de culto, un icóno de lo mal hecho, y una de las figuras más representativas del cine B, que ahora inspira a tanta gente.
La cinta, en cambio, según la crítica especializada, está considerada junto con Edward Scissorhands y Big Fish como uno de los mejores trabajos de Burton, llevándole a ganar el óscar a mejor maquillaje, y dándole a Martin Landau el oscar a actor de reparto.
Una odisea de lo absurdo, de la terquedad, de la enfermedad de uno de lo más extraños directores que haya habido, que sin ser una de las más conocidad películas burtoneanas es bastante recomendable, no como dentro de lo mejor, pero bastante entretenido, bien hecho, y sin duda de una calidad intachable.

The Nightmare before Christmas (1993)

Pese a lo que todos creeríamos, el máximo hit, el máximo trabajo, el máximo sueño de Tim Burton, no está dirigido por él, sino por Henry Selick (a quien luego conoceríamos más en James y el durazno gigante y Coraline), elegido claro, por Burton como productor, guionista y raíz del proyecto conocido el habla hispana como El Extraño Mundo de Jack (traducción literal de Nightmare befor christmas). El proyecto surge desde sus años en Disney, pero si por Frankenweenie lo corrieron imaginen la extensión de los universos a la Vincent cómo sería recibida... no obstante, al final, consigue la aprobación del proyecto y el presupuesto para contratar a los artistas indicados y hacer realidad uno de sus más tempranos sueños.
La historia: Hay mundos entre dimensiones, está el mundo de pascuas, de navidad, de halloween... y es en este último donde reina el esqueleto conocido como Jack Skellington, quien hace que cada halloween las creaturas de su mundo hagan que los humanos la vivan en grande con un aceptable terror que les hará esperar con ansia el halloween del año siguiente; sin embargo, luego de tantos años Jack está harto de hacer lo mismo una y otra vez, así que en su cavilar, encuentra el mundo de la navidad, manda secuestrar a Santa y prepara a los de su mundo para ahora festejar navidad en vez de halloween, lo cual terminará en un gran alboroto que ubicará a todos en el lugar a donde pertenecen.
Y nuevamente con la temática de contrastes, pareciera Burton decir que cada quien en su lugar, ejectándose de la mezcolanza de la que parecía hablar en Edward Scossorhands, para cambiar su discurso por el del balance, debe de existir navidad y también debe de existir halloween, y esto, éste balance estabiliza al mundo.
Con la estética de Vincent retomada, la imaginería Burton entonces se vuelve un fenómeno cultural, es aquí donde el creativo puede orgullecerse por dejar un legado cinematográfico que marcará el futuro del séptimo arte, y le da la oportunidad de ser él mismo cada vez que se presente.
Entre su legado y su coronación, cabe mencionar que la cinta se volvió una de las aplaudidas animaciones de culto, a tal grado que, inspirando a las tribus urbanas, y transgrediendo los contextos pop de fin de siglo, en 2006 sale un disco de covers de artistas como Evanescense, Korn, Marilyn Manson, entre otros, con las canciones de la película vueltas rock, y la cinta es reestrenada en 3d en salas en todo el mundo, teniendo un éxito considerable, remarcando su importancia y recordándonos la leyenda que Burton nos regaló.

Edward Scissorhands (1990)

Y luego de pasar los 80´s con éxito, era momento de que el ingenio real de Tim Burton se desbordara, como antes lo había mostrado en el cortometraje Vincent, era momento de que ese Robert Smith de autorepresentación viera la luz en el cine que estaba decidido a mostrar, ese universo de contrastes, tan altos como el cine expresionista alemán los tenía, solo que si de contrastes hablamos no solo hay blanco y negro, hay bello y "bello", hay perspectiva y "perspectiva", y es aquí donde Burton comienza a explorar el contraste estético e ideológico a fondo, pues aunque pudiera parecer una simple historia de fantasía, el contraste de universos, el contraste de miradas es un estudio que Burton navegará a cada proyecto que le van dando.
Con la ya estrenada en Beetlejuice Winona Ryder, y el que se volvería su fetiche de autorepresentación Johnny Depp, además de volver a contar entre sus cartas con su héroe Vincent Price, la historia narra cómo la vendedora de maquillaje Peg (Dianne Wiest) encuentra a Edward Scossorhands (traducida también como Eduardo Manos de Tijeras) (Depp) solitario en un gótico castillo, ésto después de la muerte de su creador, por lo que Edward está incompleto, y sus manos nunca fueron instaladas, por eso tiene tijeras; al verlo así solo y raro, Peg decide llevarlo a su casa para brindarle una familia y amistad, sin embargo entre que se enamora de la hija, Kim (Ryder), y el hecho de ser rechazado por la sociedad por ser extraño, además de ser admirado por algunos debido a su habilidad para cortar cosas y estetizarlas; la historia podría parecer algo así como un Teen Wolf burteano, utilizando la mitología estilo Pinocho para propulsar una futuramente naciente cultura emo, sin embargo, la cinta también se puede interpretación como unión de polos, adaptación, socialización, aceptación, convivencia y mestizaje, pues entre la experiencia estética dark de Scossorhands y la kitch tendencia del "mundo real", conviviendo de la mano, la película es una gran aventura, como dije antes, sobre el encuentro de contrastes.
Un paso más en el crecimiento del icónico director, un fenómeno cultural noventero, el comienzo de una maravillosa década de creación, un clásico sin duda, una gran recomendación.

Vincent (1982)

Así que luego de su contratación por estudios disney, el bicho raro es concedido para dirigir su primer corto en stopmotion, un autoretrato sobre su amor por lo gótico, especialmente por el oscuro Vincent Price y el demencial Edgar Allan Poe; Tim Burton se deja fluir y cuenta un relato tan suyo, que nos deja ver el futuro de su filmografía, nos regala spoilers a su grandeza que ha inspirado a generaciones, y nos recuerda que no importa cuántos corramos para ser como él, él alguna vez corría para ser como alguien más.
Vincent Malloy tiene siete años, y vive con su madre, en un suburbano e indiferente vecindario, con su hermana, su perro, sus gatos y su tía que va y viene. Vincent admira a Vincent Price y Allan Poe, por lo que toda su imaginación se mueve en torno a ellos, haciendo hoyos en el jardín en busqueda de corazones delatores, pinta a su esposa muerta, recita poesía, etc...
Una obra maestra de los cortometrajes animados de los 80´s, con una estética claramente inspirada en el modernismo y el cine expresionista alemán, con claras aluciones a cintas como El Gabinete del Dr Caligari, o hasta a seres que más adelante desarrollará en Nightmare before christmas, la pieza es un increíble homenaje a sus inspiradores, y sobre todo, lo más destacado, es que el mismo al que tanto admira, es el que narra el corto, Vincent Price.
Un indispensable, ampliamente recomendable!

Frankenweenie (1984)

Luego de su corto Vincent, su imaginería se ha visto más desenvuelto, más descubierto, listo para la burtonización, algo que repercutiría en los años futuros, sin embargo, la filmación del corto basado en Frankestein de Mary Shelley le cuesta su trabajo en Disney, de donde Tim Burton marcha satanizado debido al quasivideoarte de un niño que revive a su perro. Uhhhhh.... (podríamos ponernos a pensar que pensarían los magnates de aquellas épocas de lo que Disney hace ahora)
Sobre Victor Frankenstein (Barret Oliver), un niño cuyo mejor amigo es su perro Sparky, pero cuya amistad se ve frustrada por la muerte del perrito, provocando que Victor lo reviva a la vieja usanza de rayos resurrectores, trayendo a su mascota de vuelta; sin embargo, la vecinada le recibe como moustro, haciéndole asustar y huir a un molino, perseguido por su dueño; y ya estando ahí, sin querer, los vecinos prenden fuego a la construcción, siendo el canino el único con posibilidad de salvar al pequeño.
Completando el elenco con Shelley Duvall y Daniel Stern, el satanizado corto es rescatado una vez comenzada la burtonización iniciada con Batman Return y El Extraño Mundo de Jack, haciendo incluso en 2012 una película completa con la historia, con la tecnología del tiempo.
Dejando de lado la polémica alrededor de todo, la película es linda e inocente, nada sorprendente, ni siquiera conteniendo un mínimo de la grandeza del director, por lo que su importancia no radica en su polémica o su contenido, sino simplemente para profundizar en quien se convertiría en uno de los más icónicos directores de los años recientes, quizás el más destacado en estética personal aplicada a grandes blockbusters.

Beetlejuice (1988)

El segundo largometraje del autor Tim Burton tiene más el estilo que perdurará a lo largo de su filmografía, desde los ojos, lo oscuro, lo surrealista estridente hasta la ironía y el humor negro en su narrativa, y quizás es una de las más originales cintas que el director haya realizado.
Estelarizada por Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Winona Ryder, Jeffrey Jones y Catherine O´Hara, la historia narra la muerte de los Maitland, quienes tras su tragedia regresan como fantasmas a habitar su antigua casa, sin saber que una codiciosa vecina de bienes raíces ya la había vendido a una excéntrica familia de la ciudad, quienes la remodelan y deciden cambiar de tajo todo lo que la casa significaba, por lo que los Maitland hacen lo imposible dentro de sus posibilidades fantasmales para correr a los nuevos inquilinos, algo que de un hecho a otro los lleva hacia un fantasma bioexorcista llamado Betelgeuse, quien con malos modos se propone sacar a los Deetz de la casa, encontrándose en medio de su autodeterminada misión el gusto por la hija Deetz, Lydia, con la que decide casarse solo porque sí.
Contando con un soundtrack mágico que mezcla el estilo personal de Danny Elfman, y un calipso por parte de Harry Belafonte, y una dirección de arte dirigida por el mismo Burton, Bo Welch, Tom Duffield, Steve Laporte, entre otros que consiguen el oscar a mejor maquillaje, la cinta es una incuestionable joya de la cinematografía fantástica y fantasmal, empieza un legado autoral que a la fecha marca tendencias en estilos fílmicos, artísticos y de tribus urbanas, además de ser un absoluto homenaje al gusto personal del director, quien se autovanagloreará a lo largo de su filmografía para placer del público que conquistó por décadas y décadas por venir.

Batman Returns (1992)

La batisecuela de la oscura saga de Tim Burton, que pisotea cómo la crítica le abucheó y llamó "demasiado oscura" y se quejó de dar más trama al villano que al murciélago mismo, y trae una película el doble de oscura, el doble de estética, el doble de autoral, y con el doble de villanos.
Contando ahora con Danny DeVito como El Pingüino, y Michelle Pfeiffer como Catwoman (Gatubela), y repitiendo a Michael Keaton como Batman, además de agregársele al elenco Christopher Walken como Max Schreck (homenaje burtonenano a Nosferatu?), además, por supuesto de seguir de la mano de Danny Elfman en la parte musical, la cinta no le pide nada ni siquiera a la legendaria actuación de Nicholson, y se supera en todos los aspectos, solo afirmando lo que los fanáticos del superhéroe ya sabíamos: Batman debe de ser exactamente como Burton lo pinta: Rudo, oscuro, amargo.
Narrando ahora la historia desde la vida de Oswald Cobblepot, de cómo nace deforme y sus padres lo tiran a la coladera, por lo que se vuelve el Pingüino, y la historia de Selina Kyle, empleada de Bruce Wayne y Max Schreck, amante de los gatos, a la que Schreck lanza de un edificio y la hace darse cuenta de su vocación de villana; ambos entonces tienen que lidear con Batman para sacar adelante sus métodos villanezcos.
Esta cinta supera a su predecesora y confirma el poderío que Tim Burton comenzaba a crearse, como uno de los directores más importantes de su generación; además de respetar más a los fans que a la crítica para realizar su segunda y última cinta de superhéroes (pues es despojado de la dirección debido a la mala crítica que tuvo, nuevamente enfantizando la oscuridad como punto negativo).
Una indispensable de Burton, del cine de superhéroes, y del cine en general, pues es extremadamente estética y autoral.

Batman (1989)

Siendo la primera película oficial sobre el superhéroe, pues las del Batman panzón no valen, pues se enfocan más a las series a gogo de aquellos tiempos, la película es dirigida por el indispensable Tim Burton, que le crea una estética personal, ennegrecida y agria, escalofriante y épica, auxiliado primeramente por la magistral actuación del multicaras Jack Nicholson, además de Micahel Keaton como Bruce Wayne, y Kim Basinger como su enamorada en turno.
Narrando más una aventura en turno que un orígen como tal, pero enfocado a las primeras apariciones del hombre murciélago, Burton nos narra, musicalizado por el innolvidable e icónico score de Danny Elfman, cómo Batman empieza a aparecer para detener a las plagas de mafia de ciudad Gótica, de donde repentinamente surge el supervillano antes conocido como Jack Naipe, The Joker, a quien tiene que detener de una u otra manera antes de que haga pedazos su ciudad.
Como dije, con una estética, narrativa, musicalización, e interpretaciones exquisítas, la película sitúa los ojos de los cinéfilos en el cine de superhéroes, trayendo veracidad y seriedad al género, y ayudar a que el mismo desemboque en la era de superhéroes en la que vivimos hoy en día; así que demos gracias a Burton, pues sin él no habría Avengers, Watchmen, Kick Ass, etc...