AntZ (1998)

Tras contribuir con grandes joyas de los efectos especiales como Terminator Judgement Day, y con la inminente potencia que Pixar se tornaría, en 1998, Dreamworks Animation lanza su primera de una larga serie de cintas animadas por computadora, compitiendo en tema y estilo contra Bichos de Disney-Pixar, siendo una increíble rival, pues la calidad y la historia no le pide nada a la competencia, y amabas se sostienen por su bien logrado contenido como dos grandes nuevos clásicos animados cuyas buenas memorias nos llenan a tantos recordando tiempos excelentes.
Dirigida por Eric Darnell y Tim Johnson, la cinta nos narra la histiria de Z, una hormiga obrera que no encaja en ese mundo dividido por obreras y guerreras, unas trabajando toda su vida en la consolidación de sus colonias, las otras peleando por ellas contra las otras razas amenazadoras; Z cree que él podría llevar a cabo otras tareas que su asignación nata no le deja, por lo que cierto día, él y su amigo Weaver deciden cambiar de lugar sin saber que ese mismo día, las hormigas irían a guerra, una guerra de la cual solo Z regresa (por esconderse en vez de pelear), y tras llegar de vuelta le consideran un héroe hasta el momento en el que es descubierto, por lo que para salvarse rapta a la princesa y se da a la fuga afuera de la colonia, mientras que dentro de ésta la leyenda de la obrera que decidió ser soldada inspira a otras hormigas mientras que el General Mandíbula, máximo soldado de la colonia, elabora un malévolo plan para apropiarse de la colonia tras matar a la reina.
Teniendo en el cast en inglés a Woody Allen, Gene Hackman, Sharon Stone, Sylvester Stallone, Jennifer López, Christopher Walken, Danny Glover, Dan Aykroyd, entre otros, todos novatos en el área del doblaje, la cinta es una absoluta joya de la animación de todos los tiempos, pues no solo el guión, la animación y la realización destaca, sino la manera en la que la cinta maneja conceptos como el status quo, el individualismo, el colectivismo, entre otras controversiales y filosóficas temáticas, la hacen una fabulosa historia para que los niños generen un criterio cuestionante y ávido, pero también una gran película que cualquier adulto podría disfrutar, teniendo en piezas como ésta un claro ejemplo de hacia donde tornaba el cine animado en aquellos momentos, en lo que se podría convertir (hasta los años de Shrek, donde un buen impulso se vuelve una meta codiciosa más que creativa).
Una absoluta recomendación para usted niño que raramente llegó a este blog, a sus padres que se asoman a ver qué lee su niño, a usted, tío del niño que anda de metiche, y luego se dice a sí mismo que no quisiera ni acercarse a la idea de tener hijos, y ustedes, amigos del tío que rascan sus cabezas calvas mientras leen lo que ha quedado escrito. ¡Gran película!

Fading Gigolo (2013)

Érase una vez John Turturro, a quien más cercano recordamos como un tarado de Transformers, pero que recordando mejor es el innolvidable Jesús Quintana del Gran Lebowski, un día, platicando con su peluquero le dice que estaría bueno hacer una cinta sobre un prostituto, algo que al peluquero se le hace buena idea, y como éste compartía tijeras con Woody Allen, le dice del proyecto, y decide aliarse el viejo máximo conquistador con el de Transformers (llamémosle así), y el resultado es una entretenida comedia sexual, que de no ser por Allen (en cuanto a presencia) sería un tanto irrelevante y sin alma; aún cuando la presencia tanto de Sharon Stone como de Sofía Vergara hacen que la tan latente moda de las milfs tenga una epítome dentro de esta cosmopolita cinta newyorkina que Turturro escribe, dirige y protagoniza.
Woody Allen tiene una libería que heredó de su padre y éste de su abuelo, pero la economía ya no la hace costeable, por lo que cuando su doctora (Stone) le dice que quiere hacer un trío, a Allen se le ocurre decir que él conoce a alguien que le cobra mil dólares por hacerlo, él le dice a su amigo florista (Turturro) que pensó en él para concretar este prostinegocio, y al final termina aceptando, volviéndose un fenómeno entre las señoras que Allen consigue, entre ellas la fogosa Vergara, y una bonita (o llámese rara belleza) viuda de un rabino (Vanessa Paradis), que empieza sospechas en un oficial judío (Liev Schreiber), llevando tanto a Allen como a Turturro al ojo del huracán de una corte judía, que para los lejanos a esa religión simila más a la corte de la reina de corazones que a una corte real.
Más estilizada al estilo Allen que a Turturro, la película es elegante, satírica, desenvuelta mientras Allen tiene sus apariciones, sin embargo la historia de Fioravante, el prostituto, en ocasiones llega a tornarse un tanto aburrida; no obstante no obstruye a la película, y quizás esos minutos de ausencia alleneana es lo que separaría a ésta cinta de las de la colección Allen.
Una buena y entrenenida sexual, sobre un tema casi no visto en el cine (prostitución masculina), que en su construcción total es bastante aceptable, pero sin convertirse en LA película que todos deberían de ver. Recomendable para los gustosos de ese tipo de humor, del jazz, de Nueva York, de la pluriculturalidad que New York contiene, y de las aventuras sexuales que señoras como Stone o Vergara podrían desatar.

Celebrity (1998)

En medio de la época de más productividad allenana, el director ahora habla de la farándula y caminos que inician juntos para tomar direcciones distintas, narrando una historia en blanco y negro con su característico sonido jazz musicalizado la negrísima comedia satírica en la que ahora se personifica en el cuerpo de Kenneth Branagh, quien participa al lado de un elenco espectacular que incluye a Judy Davis, Winona Ryder, Joe Mantegna, Leonardo DiCaprio, Melanie Griffith, Charlize Theron, Famke Janssen, entre otros...
Sobre un escritor fracasado que vive casado con una maestra, mediocremente, hasta que decide tratar de emprender el vuelo, dejándola y empezando a enamorar a cuanta modelo, actriz, editora, pueda, dejando a su mujer en el asombro y la incomprensión; sin embargo mientras él va de mujer en mujer, Robin (Davis), conoce a un productor de televisión de quien/con quien se enamora, y va creando una carrera prometedora en la tv, mientras en chiquiada por su cariñoso esposo, fundando una bonita familia que el escritor nunca pudo darle.
Elegante, negra, pesimista, Woody Allen no deja la pulcritud en ningún momento, por no hablar de la actuación de Branagh que encarna la actitud del director como si fuera él mismo, y aquí es curioso mencionar que películas como ésta nos recuerdan que la intención de ver cine allenano, pese a la ausencia del director en los papeles, es verle a él mismo en situaciones diferentes, por lo que Branagh haciendo su Woody Allen, sin duda es de los más representativos en el trayecto de intérpretes de ese personaje tartamudo que nunca se calla...
Una no tan mencionada película del director que vale bastante la pena, una fabulosa historia que debería de estar entre sus más conocidas.

Manhattan (1979)

Ha pasado el tiempo, Woody Allen ya no es un novato divirtiéndose haciendo cine menso, ya tuvo su gran primer éxito con Annie Hall, y ahora, sentado en una banca frente a la ciudad que ama, la contempla, sus matices elegantes en blanco y negro, la admira, le inspira, y la misma idea de la expresión es la que en su fluir artístico le indica la dirección qué tomar.
Su homenaje a Nueva York narra la historia de Isaac Davis (Allen), quien ya se ha divorciado dos veces, tiene una relación con una joven adulta, Tracy (Mariel Hemingway), mientras que sigue saliendo con sus intelectaloides amigos, Yale Pollack (Michael Murphy) y Mary Wilkie (Diane Keaton), con quienes asiste a cenas elegantes y fancies de las que los newyorkinos se enorgullecen, así como a exposiciones de arte contemporáneo, donde cualquier americano podría pavonear su raíz y el rumbo que su país, y más allá de éste, su metrópolis lleva; solo que como en toda historia alleneana, la crisis romántica existencial se interpone, y Tracy empieza a aburrir a Davis, y él se enamora de Mary, acomplejándose nuevamente, aún con la sapienza de que nada importará, pues al final, en todo este irónico amoroso, y complicaciones irrelevantes, lo único que importa es que ellos están ahí, situados en la bella ciudad de Nueva York.
Teniendo uno de los máximos soundtracks que cualquier película incluya, iconizando la Rapsodia en Azul de Gershwin como himno newyorkino, Manhattan es tremendo clásico del cine de todos los tiempos, siendo una de las más bellas y elegantes películas del director; una indispensable para cualquier cinéfilo que se pudiera hacer llamar como tal.

Sleeper (1973)

Usando el slapstick ya casi como estandarte y denotando a cada obra un cacho de su genialidad, usando inspiración desde libros como 1984 de Orwell, La Nariz de Nikolai Gogol y sobre todo When the Sleeper Wakes de HG Welles, Woody Allen presenta su odisea futurística para uno de sus mediocres, en esta ocasión llamado Miles Monroe,  cuyo mundo gira para volverse parte de caos exterior que le absorbe pasando de la estática de su aburrimiento e idiotez a un sin fin de tornados absurdos que le mueven de situación a situación redescubriendo temores, tabúes, estigmas y complejos.
Comenzando cuando Monroe es accidentalmente congelado y dejado así por 200 años (¿Futurama?), solo para ser sacado de su limbo tecnológico por un grupo de rebelde que requiere de un sin personalidad o identidad para llevar a cabo sus propósitos, lo que a Monroe no le llega a fascinar sino hasta conocer a Luna, interpretada por su más grande adepta Diane Keaton, y las cosas comienzan a cambiar, aún cuando se le vuelve un autómata, se le hace un soplón del proyecto Aires, entre otras desventuras woodilianas, la cinta es un gran cuento sobre Woody y las mujeres, aún cuando la temática futurista podría parecer el principal elemento del film ¿no creen? máxima prueba de ello aquí es la máquina Orgasmatron, hecha debido a la frigidez general de la mujer...
Así, rebelando la historia del cine temprano de Allen "Woody y las mujeres", la cinta es otra fascinante comedia que ya le establece como genio de los gags elegantes, con inteligentes secuencias para risas bien pensadas, aún con su tinte de bobería, la película es otra absoluta recomendación que usted, cinéfilo debería de poseer o al menos conocer.

Bananas (1971)

Luego de empezar con el woodystyle en Toma el dinero y corre, Woody Allen sigue con su modo clasic gag para satirizar las revoluciones/independencias latinas, pero aún cuando ésto pudiera sonar racista o grosero, la manera en la que Allen aborda lo que parece ser más que nada la revolución cubana, la serie de homenajes que hace (hermanos Marx, Acorazado Potemkin, etc), y el humor blanco bobo pero fino que usa la hace otra joya de la comedia, ya comenzando a volverse un verdadero master en el estilo.
Un perdedor gringo, enclenque, mediocre, ignorante (interpretado por el mismo Allen) se enamora de una activista (Louise Lasser) que está a favor de la revolución en San Marcos, pero ésta lo deja por su misma mediocridad; por lo que para probarse que es lo contrario, Fielding Mellish viaja a San Marcos para volverse parte del conflicto, lo que le hará amistades y enemistades tanto de los bandos revolucionarios como los dictatoriales, haciendose así una de las mejores comedias de todos los tiempos.
Incluyendo a un muy jóven y desconocido Silvester Stalone dentro de su elenco, la cinta es una absoluta recomendación no solo del cine temprano de Woody Allen o de la comedia en general, sino de la cinematografía completa que se haya filmado, y empieza la inmortalización de Allen como una de las más grandes estrellas de Hollywood.

Take the Money and Run (1969)

Aunque no es la primera de Woody Allen, sí es la primera que establece el estilo que le caracterizará en sus cintas de su etapa temprana, las cuales son dirigidas, escritas y  protagonizadas por él, y ya el resto del reparto poco a poco irá tomando relevancia.
A manera de mockumentary (falso documental), Allen nos narra la historia de Virgil Starkwell, un mediocre cuya carrera musical nunca despega, por lo que en su decepción decide irse al lado oscuro dedicándose a la vida del crimen, lo cual tampoco resulta muy bien debido a las ironías y situaciones tan alleneanas como podríanse imaginar.
Sin duda es una de las más grandes joyas de la cinematografía temprana del newyorkino, quien ya establece una postura autoral dentro de un universo propio, además de bien poderse considerar una de las mejores cintas de comedia de la historia, de esas que mencionamos hacen la diferencia entre tanta basura que se filma dentro del género. Un buen comienzo para conocer a Woody Allen, gran... ¡tremenda recomendación!!

Midnight in Paris (2011)

Luego de Vicky Cristina Barcelona, Woody Allen decide hacer de ésta, parte de un trilogía de Europa, que inciaría en la mencionada, continuaría en la que reseñamos ahora y concluiría con To Rome with Love. Y fue en ésta, la entega parisina, donde Allen tuvo su cumbre taquillera, talvez por incluir a Clive Owen en el protagónico, además de Rachel McAdams, Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Marion Cotillard, Kurt Fuller, Alison Pill, Tom Hiddleston, Lea Seydoux, Corey Stoll, entre otros, o talvez por incluir en su historia a Pablo Picasso, Salvador Dalí, Buñuel, Gertrube Stein, Ernest Hemingway, los Fitzgerald, Man Ray, Lautrec, Matisse, Gaugin y  Degas en un viaje por el tiempo iniciado solamente con la magia de Paris.
El escritor Gil Pender llega a Paris con su prometida Inez, quien es una pedante agringada que odia el trabajo y todo lo que Gil representa, así que el escritor decide vagar solo por la ciudad mientras Inez le zorrea a un pedante amigo suyo. En su vagancia, un carro llega a donde Gil a medianoche, y le invita a subir y acompañarles a una fiesta, y es ahí donde conociendo a los Fitzgerald, a Hemingway, entre otros, que se da cuenta de que viajó al Paris de los años 20, por lo que cada noche en su estadía francesa, visita los años 20 para volver a ese lugar que le hace feliz, y es ahí donde conoce a la amante de grandes como Picasso o Braque, y se enamoran, llegando a pasar tanto tiempo juntos que después viajan a fines del siglo XIX donde conocen a los impresionistas, y la francesa, Adriana, decide quedarse en aquella época, dejando a Gil con el dilema de quedarse en el siglo XIX, en los años 20, o en el presente con su desquiciable prometida.
Sin duda es una de las máximas joyas del newyorkino máximo, quizás la mejor de la última era, por su poética, por su surrealismo, por su fantasía, por su construcción, pues es una construcción preciosa de la que todos los que amamos el arte y la historia del mismo, nos gustaría formar parte; así que reinventando los sueños de tantos, Allen hace una maravillosa odisea transtemporal como talvez ni Back to the Future hubiera podido lograr, una innegable joya cinematográfica.

Blue Jasmine (2013)

La última película de Woody Allen finalmente se aleja de la trilogía europea, y nos muestra una nueva historia sobre unas hermanas y su relación para con el mundo desde una perspectiva claramente enfocada al dinero.
Jasmine (Cate Blanchett) es una exmillonaria esposa de un embaucador de nombre Hal (Alec Baldwin), pero cuando este es descubierto por sus chanchullos, Jasmine tiene que irse a vivir con su hermana Ginger (Sally Hawkins), quien vive con la cicatriz de que a ella y a su esposo Augie (Andrew Dice Clay), Hal les estafó y les llevó a la ruina económica y marital, ahora Ginger anda con un mecánico macho (Bobby Cannavale), y ambas tienen que lidiar con su respectivos complejos, el de la millonaria a la que nadie merece y el de la jodida sin remedio.
Cate Blanchett, como sabemos, la conocemos de decenas de películas, pero sin duda, es en este personaje cuando más podemos verla lucir, su increíble interpretación, acompañada de la excelente dubla de Hawkins las hacen una de las más memorables parejas femeninas que podamos recordar, pues fuera de que Allen no cayó en sus mismos personajes clitchés de sus más clásicas películas, ellas se llevan la película, sabiéndose apropiar con entereza de los personajes en esta fabulosa trama del director parlanchín.
Sin duda es una de las mejores películas del 2013, y quizás una de las más memorables del director, muy recomendable para el público exigente y para el despistado y no cinéfilo también.