Speed 2: Cruise Control (1997)

Considerada por los razzies y por la NY Magazine como la peor secuela de todos los tiempos, el director Jan de Bont vuelve teniendo que prescindir de Keanu Reeves, debido a que éste andaba de gira con su banda Dogstar, mientras que Sandra Bullock vuelve a cambio de que Fox financie su proyecto Hope Floats, y Willen Dafoe se incorpora en el papel del malo para completar las bases... ¡ah sí! y quien reemplaza a Reeves es el insípido actor Jason Patric...
Dejando atrás lo sucedido en "Maxima Velocidad 1", Annie Porter se tomará unas vacaciones en un crucero con su novio, hasta que se dan cuenta que en algo muy similar a la primera parte, esta vez Dafoe planea estrellar el crucero contra un muelle para matar tanto a los turistas del barco como a los del muelle/playa, situándolos en un plano embarazoso y predecible del que nadie imaginaría.
Si en la primera parte Bullock destacó y se mencionó como una encantadora actriz, en esta ocasión su personaje se torna insoportable y tedioso, el "heroe" es totalmente sin chiste, aburrido y sin impacto, dejando el peso del heroísmo completamente a esa mencionada fastidiosa mujer, mientras que aunque Dafoe se esfuerza por sacar lo mejor de sí, el guión del mismo Bont lo opaca, haciendolo irrelevante y nada destacado...
La película sí es un total bodrío, y destruye completamente a la franquicia (sabiendo que talvez en el futuro alguien en Hollywood hará un reboot), y no es recomendable ni para los fans de la primera parte, totalmente prescindible... Muy chafa...

The Grand Budapest Hotel (2014)

Basada en los escritos de Stefan Zweig, regresa el director de culto Wes Anderson, master of hipsters, para rehacerse aprovechando lo mejor de su tan aclamado estilo y hacer una composición perfecta que no solo destaca en narrativa o visualización, sino en interpretación y sonorización como una de las mejores películas que se hayan hecho en los años recientes, ya sea por su increíble elenco logrado conseguir para llevarlos a filmar a Alemania, sino en su operístico desarrollo donde el sarcasmo, el humor negro, la aventura, la fantasia, lo kitch, la velocidad, el detalle y el estilo destacan ubicandolo ahora sí innegablemente entre los mejores directores que haya habido jamás.
Comenzando en un monumento, un monumento al escritor, quien retrocediendo es interpretado por Tom Wilkinson, quien narrará una historia de él mismo jóven, interpretado ahora por Jude Law, en una plática con el millonario Zero Moustafa (Murray Abraham), quien le contará la historia de su fortuna, de cómo de un botones cualquiera (Tony Revolori) al servicio de M. Gustave (Ralph Fiennes, que termina llevándose la película) pasó a ser uno de los más ricos del mundo. En el cuento narra los gustos de Gustave por las ancianas, destacando su amor especial por Madame D (Tilda Swinton), quien, al ser asesinada, hereda un cuadro cotizado a su amante, lo que provoca que la familia de la anciana cace a Gustave, quien arrastra a Zero en la búsqueda de la solución de su inocencia, lo que termina en el cómo las cosas resultaron como resultaron.
Completando el elenco con Mathieu Amalric, Adrian Brody, Willen Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Bill Murray, Edward Norton, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Lea Seydoux y Owen Wilson, y música de Alexandre Desplat, la cinta es un deleite narrativo, visual y sobre todo autoral, deja la perspectiva de Anderson como una persistencia más allá de cuando termina la película, y sin duda consolida al director en un género absolutamente propio que seducirá hasta al más escéptico de su estilo para volverle adepto e inducirlo a conocer más del cine del director. Completa y absolutamente recomendable.

Nymphomaniac Vol II (2013)

El segundo fragmento de la obligadamente cortada cinta de Lars Von Trier, Ninfomaniaca continúa con la historia que Joe (Charlotte Gainsbourg) le cuenta a Seligman (Stellan Skarsgard), constando en esta ocasión solo de tres capítulos: 1. El Pato Silente o La Iglesia Oriental y la Iglesia Occidental, 2. El Espejo, y finalmente 3. La Pistola.
Regresión a la última escena del volúmen uno: Joe joven (Stacy Martin) está con Jerome (Shia LeBeouf) en la cama, y cuando ella se da cuenta que ya no siente nada... Y no sería sentimentalmente hablando, sino físicamente, Joe ha perdido la sensibilidad vaginal, ahora tiene que encontrar la manera de devolver la "felicidad" a su vida...
La Iglesia Oriental y Occidental inicia con una regresión aún mayor, cuando ella es niña, y tiene un orgasmo espontáneo, levita y ve a la Puta de Babilonia a su derecha y a Mesalina, esposa de Claudio, la mayor ninfómana de la historia, de su lado izquierdo, sienda ésta su blasfema revelación: ¿Ella es la mítica y mayor ninfómana de la historia? Cuando su sensibilidad termina, Jerome debe comprenderla y la deja salir en busca de su séquito de cogedores, habiendo ahí la famosa escena del póster y trailer de Joe, ya marchita (Gainsbourg) con dos afroamericanos, y la búsqueda del sadomasoquismo que encuentra en la empresa El Pato Silente a manos del torturador K (Jamie Bell (Billy Elliot)), llevándola a placeres impensables que nos trasladarán a una de las escenas más famosas de la filmografía de Von Trier: Lascia Ch´io Pianga bastará para no spoilear el final de la secuencia... Terminando este capítulo la vagina de Joe ya no aguanta más, por lo que llendo al doctor le recomiendan ir a pláticas de ninfómanas, lo que la empieza a cambiar poco a poco, sin un buen resultado final; concluyendo la cinta con el capítulo de la Pistola, cuando conoce a L (Willem Dafoe) y la contrata para extorsionar a sus deudores aflorando sus más grotescas perversiones, tarea con tal éxito que L le dice que haga una heredera de sus cualidades sexuales, y ella es solo una chavita de 15 años llamada P, quien se enamora de ella, y le acompaña hasta la revelación de cómo Joe terminó en el callejón donde Seligman la encontró, y qué es lo que pasará luego de que los cuentos lleguen a su final.
Si no tiene el negro sentido del humor de la primera parte, aún cuando se intensifica el drama, no llega a tener un gran clímax como lo tuvieron antes El Anticristo o Melancholia, pero sin demeritar cada minuto de la cinta, la cual bien se podría considerar como una maravillosa y deleitante narrativa de cuatro horas, que jamás decae en lo insano de la pornografía o los tabúes máximos sexuales, solo es una narración muy bien contada adoc al estilo e ingenio del director.
Una muy buena historia, gran recomendación, si se ve con la mente abierta, que perfectamente cierra la trilogía danesa de la depresión.
PD. Udo Kier realmente ni sale, solo es un cameo casi insignificante...

Antichrist (2009)

Talvez desde Manderlay inicia el periodo provocador de Lars Von Trier, satanizando la imágen bondadosa de la comunidad afroamericana reprimida, la cual se santifica a sí misma tras la desgracia de la esclavitud, pero no es sino hasta la que se considera la primera cinta de la nueva trilogía de la Depresión, cuando la polémica y la locura sangran cada poro de la cinta, y eso El Anticristo.
La cinta empieza bella, hermosa, poética, tonos, armonía, alma, imágen, estética, detalle, todo como una marcha fúnebre conmemorativa... para la muerte de un bebé. Luego: El Pesar, la decadencia, la culpa, la autosanación, la inconsolencia, tratada con amor e inteligencia, solo para descubrir que en este proceso sanativo la única verdad es que "el caos reina" (chaos reigns), y empieza el declive... empieza realmente la película; basta ya con el cine de arte, basta ya con el cine conceptual, seamos lo que somos: Mal. Charlotte Gainsbourg, en el que quizás es su más memorable actuación, se revela como lo que es, e inicia una de las secuencias de tortura mejor logradas en la historia del cine, donde Guinea Pig se ocultaría llorando en su coraza como lo haría una tortuga asustada, y el sufrimiento que ella causará a su coprotagonista Willem Dafoe hará que el más rudo goreano entrecierre los ojos y se murmure a sí mismo que esto debe parar; pero no como spoiler sino como adevertencia: No parará... jamás.
En el cine, el arte se ha manejado como experimentación, exploración, autoinvestigación, revelación de la belleza, construcción estética, pero en el arte general, poniendo de ejemplo máximo la pintura, el arte es exploración y desenmascaramiento del alma, y el alma no es igual una a la otra, así que así como hay Da Vinci y Dan Flavin, también hay Goyas, Redones y Moreaus (por mencionar estilos más clásicos y oscuros) denotando que el arte también puede ser horror, también puede ser grotesquería, también puede ser sufrimiento y locura.
Así que si usted es más fan del cine de arte como tal, quizás no sea muy gustoso de la cinta, e igual si usted es fan del horror, también no comprenda al cien la magnitud del proyecto, sin embargo si usted es un morboso sádico orgulloso, acérquese y vea el sufrimiento como un espectáculo del que Von Trier ahora usará como sello personal para ayudar a contagiar su alma de la desgracia que él posee en la suya. Cabe mencionar que parte de esta maldad impresa segundo a segundo también es en gran parte gracias al excelente y oscurantista soundtrack de Kristian Eidnes Andersen, que destaca como uno de los más terroríficos y diabólicos scores que se hayan compuesto (sí, comparable con máximales como el The Omen o The Shinning).
Y aún con todo esto, la cinta ha tenido que cargar con el tache de misógina e incorrecta. La película es una innegable, absoluta, y magníficente joya de la corona que ahora porta el máximo director de cine danés que haya existido.

Manderlay (2005)

La segunda cinta de la trilogía de Estados Unidos de Lars Von Trier sigue lo acontecido en su predecesora, Dogville, pero sin Nicole Kidman en el estelar, sino que ahora Dallas Bryce Howard protagoniza a Grace, solo para dar paso casi inmediato a donde la primera parte quedó, dando ahora sí a Willem Dafoe, quien interpreta a un mafioso padre de Grace, un mayor rol como unificador de las tramas y los porqués.
Luego de abandonar Dogville, Grace y su padre pasan por una plantación de algodón llamada Manderlay, donde aún hay esclavitud, lo que despierta su sentimientos liberadores e independistas que provocan a Grace liberarlos y establecer democracia entre los antes esclavos negros, lo cual poco a poco va revelando su verdero rostro, mostrando este nuevo poblado no muy diferente a lo vivido en Dogville.
Con el mismo estilo que su antecesora, la cinta conserva la escencia real de la saga y muestra una trama quizás aún más angustiante e inesperado que la película anterior; con una excelente actuación de D B Howard, la cinta es tan recomendable como Dogville, y es un gran ejemplo del nuevo estilo de Von Trier, cada vez más alejado de Dogma (por lo de la muerte del burro, pues Dogma prohíbe las muertes en las películas).

Spiderman 2 (2004)

Habiendo iniciado con el pie derecho, Sam Raimi continúa su saga sobre el Hombre Araña, con el mismo reparto que la anterior (Maguire, Dunst, Franco, Rosemary Harris (tía May)), pero ahora agrega la tensión conocida por los fanáticos del cómic sobre los dilemas existenciales de Peter Parker, además de la introducción de un villano más completo de lo que DaFoe Goblin antes lo fue: Dr Otto Octavius, Dr Pulpo, interpretado por un estupendo Alfred Molina.
Como digo, Peter Parker sufre de su crisis existencial, pues al ser superhéroe la vida como Parker es complicada y no da una para complacer a su enamorada Mary Jane; mientras que un científico (Octavius) tiene problemas con su máxima invensión y todo le hace volverse el supervillano Dr Octopus, lo cual provoca que Spiderman tenga que despertar de su crisis para salvar el mundo de las garras (muchas garras) del nuevo supervillano en curso.
Teniendo las mismas cosas buenas y destacadas de la cinta anterior, pero enmendando sus errores, teniendo a uno de los mejores villanos que se haya visto en la historia del cine de superhéroes, Raimi hace una muy buena cinta sobre Spiderman, augurando un futuro prometedor para lo que sigue en su franquicia...

Spiderman (2002)

Después del éxito que X-Men trajo para Marvel en la gran pantalla, las productoras se animaron y llamaron a quien antes fuera el maestro del horror satírico Sam Raimi, quien recluta al en aquel entonces desconocido Tobey Maguire, a la estrella en ascenso Kristen Dunst, al consagrado Willem Dafoe y a otro también desconocido de nombre James Franco, además de incluir a su amigo Bruce Campbell para algún cameo, haciendo la primera película de superhéroes de la nueva era del cine de superhéroes. ¿Y porqué X-Men no puede considerarse de la nueva era aún? Puesto que mientras que X-Men es literal una adaptación al cine, el uso del traje original de Spiderman nos muestra que aún lo ilógico, psicodélico y de mal gusto que los cómics pudieran tener, un fan del superhéroe quiere ver al superhéroe tal como lo vió en sus tiras cómicas, X-Men los rediseña, en cambio lo hecho en Spiderman ha prosperado hasta la actualidad, la que podríamos considerar la Edad de Oro de los Superhéroes en el cine.
Sobre la vida de Peter Parker, un ñoño que es mordido por una araña bajo tratamientos experimentales, y adquiere los poderes de ésta, pero adaptados a su cuerpo, y entonces empezar una lucha contra la villanía de su ciudad luego que esta le costara la vida de su tío Ben (Cliff Robertson).
Sí, con sus sorprendentes efectos especiales de cuando Spiderman se mueve, más la fidelidad del personaje con el cómic, la película que inicia una nueva era para un género 1000% redituable pasa a la historia como un giro de 360 grados para todo el cine en general; sin embargo cosas como adaptar al Green Goblin (DaFoe) como si fuera un Power Ranger, o una que otra broma en la historia, tratando de salvar el humor del antiguo cine de Raimi, entorpecen algo el ritmo de la historia en general, cosa que enmendará en la secuela, que agiganta los logros de esta y redime sus errores para salvar la franquicia.
Aún con todo esto, la fofa actuación perfecta para Peter Parker por parte de Maguire, la épica musicalización por parte de Danny Elfman, escenas inolvidables como la del beso con Mary Jane, más los detalles buenos mencionados antes, la hacen una de las indispensables del cine de superhéroes de todos los tiempos. Siendo un parteaguas para una era que vivimos, el Spiderman de Sam Raimi le abre la puerta a infinidad de cintas que hoy conforman nuestra cotidianidad cinematográfica.

Wild at Heart (1990)

Tras el Lynch-Laurentiis affair (ver reseña sobre Dune), los grandes productores, pese al éxito de Blue Velvet, no confiaban en invertir en Lynch, y es esta la étapa Twin Peaks, pero ahí nuevamente hay conflicto, entre las desiciones productoras, él, y la propuesta de ésta nueva cinta, basada en la novela de Barry Gifford. Finalmente casi a la par, Lynch filma esta propuesta para seguirle con la película de  Twin Peaks: Fire walk with me, por lo que se siente su trabajo un tanto distraído en ambas películas.
Sobre un pleito que mete a la cárcel al protagonista, y su regreso a las calles, para huir con su novia, pese a los alegatos de su suegra; Laura Dern & Nicholas Cage hacen una pareja tan memorable como después Tarantino escribiría para Mickey & Mallory (Natural Born Killers), acompañados por una terriblemente bien interpretada villanía por parte de Willen Dafoe, los hace merecedores de la palma de oro en Cannes de 1990; sin embargo, con este aire distraído, la crítica no se siente contenta con el trabajo del director, y hay historias sobre que bastante gente se salía de las salas de cine por aburrimiento o disgusto...
La película, pese a este mood, es muy buena, quizá no la mejor del director, pero no por nada ganó la palma de oro. Es una película, que como la comentada antes NBK, emana un aire pop, y empieza a sentirse demasiado noventera. Sin duda si hablaramos tanto del cine de los noventas, o el posmodernismo que Tarantino y otros tantos usan, tendríamos que usar a "Corazón Salvaje" como una referencia de estudio de un momento a otro.
Y aún cuando no es la mejor de Lynch, si ustedes tuvieran su primer acercamiento al director, quizás, ésta sería la más recomendable para entrar a los caminos del ensueño fílmico posmodernista.

American Psycho (2000)

En una de las mejores direcciones de su generación, la directora Mary Harron nos entrega un thriller horrorífico como pocos en la historia del cine, con la calidad suficiente para compararse y situarse al lado de grandes como Alfred Hitchcock o Stanley Kubrick en cuanto a composición y narrativa.
Protagonizada por un impecable (para variar) Christian Bale, la historia, basada en el libro de Bret Easton Ellis, nos narra cómo un hombre de negocios, narcisista, egolatra, pedante, engreído, comienza a tener cierta facinación por asesinar, fanático de varios asesinos como Ted Bundy o Ed Geins, Patrick Bateman empieza a volverse a adicto a esta vida que lo separa de su monotonía en las ligas mayores económicas, siendo un depredador verdadero en un mundo lleno de hipócritas, perdedores y pobres diablos.
Actuando también otros grandes del cine como William Dafoe y Jared Leto, la cinta está llevada con una presición y maestría como solo los grandes pueden lograr, con misterio, estética, complejidad... es una lástima que la directora no haya tenido un segundo gran hit, pero sin duda, este tesoro sádico es algo que la preservará entre los grandes, pues Psicópata americano es de esa película inolvidables, recomendables y justamente calificadas de genialidades.

Shadow of the Vampire (2000)

Dirigida por el maligno Elias Merhige e interpretada por John Malkovich y Willem Dafoe, que ya con esto podemos entender o imaginar que estoy hablando de una gran película.
Creando un leyenda sobre la leyenda misma del icónico Nosferatu, creando la historia de que el mismo Max Schreck era un vampiro verdadero, y como un halo de oscuridad e insanía envuelve toda la producción de la expresionista película, haciendo  a un Murnau loco y entregadísimo a lo que hace en esa película, como sacando la cinta del infierno mismo.

Once upon a Time in Mexico (2003)

El final de la saga que catapultó a Robert Rodríguez con un género que podría llevar su nombre; pues mientras que en Planeta Terror parodiaba/homenajeaba a la serie B es su primera película y la primera misma de esta saga de la que hablamos parte de la serie B de lo que podría ser serie B de acción mexicana, así que Rodríguez podría ser una de las cabezas del estilo.
Como sea, continuemos con la reseña: teniendo nuevamente a Antonio Banderas como el Mariachi y a Salma Hayek como Carolina, aquí el presupuesto crece hasta poder armar una revolución en el universo mariachi y poder contratar un elencazo que incluye a Jhonny Depp, Eva Mendez, Danny Trejo, Enríque Iglesias, Marco Leonardi, Ruben Blades, Willem Dafoe, Mickey Rorke, Pedro Armendariz, Cheech Marín, y más. Teniendo el Mariachi que salvar a lo que parece ser el presidente de México de una revolución en la que entrarán el pueblo, el gobierno, los narcos, paramilitares, mafias, la CIA y el FBI...
Sí, suena una exageración de historia, pero en el universo de Rodríguez cosas así son más que probables y posibles. Un buen y potente final a la saga mariachi, y un puente entre el Rodríguez de ayer y el Rodríguez de hoy.