Little Nicky (2000)

Así es, estamos reseñando una de Adam Sandler... ¿qué más da?
En aquellos días cuando el Ozzfest era la regla universal, Sandler solía juntarse con varios rockeros, no por nada tiene videos en youtube con los Deftones o Incubus, y pues como su carrera estaba en su más "respetable" momento, un gran elenco se reunió a su alrededor y dirigidos por Steven Brill hacen una película suficientemente cool (subjetivamente hablando (I love metal)) como para pasar de lado tanta sarta de idioteces digna de la filmografía del protagonista.
Luego de que Satán (Harvey Keitel) decide ampliar su gobierno en el infierno otros milenios más, sus dos hijos mayores (Rhys Ifans & Tiny Lister Jr) se van a la Tierra a causar terror, y cierran congelándole las puertas del infierno, impidiendo que nuevas almas entren a éste y alimenten a Satán, por lo que para salvarse, el amo del tormento eterno manda a su más chico hijo, el idiota Nicky (Sandler... ¿idiota él? nahhhh.....) para que atrape a sus hermanos y traiga estabilidad al reino de fuego, pero en su aventura por salvar su hogar, encuentra nuevos amigos como el perro Beefy (Robert Smigel), su roomie Todd (Allen Covert), y unos satanistas cool (Peter Dante & Jonathan Loughran), quienes le ayudarán a completar su tarea mientras al mismo tiempo Nicky se va enamorando de una chica ñoña llamada Valerie (Patricia Arquette).
Completando el cool elenco con Ozzy Osbourne, Rodney Dangerfield, Reese Witherspoon, Jon Lovitz, Quentin Tarantino, Rob Schneider, Dan Marino, entre otros, y un soundtrack que incluye a AC/DC, Van Halen, POD, Deftones, Incubus, Linkin Park, Cypress Hill, Disturbed, Foo Fighters, y algunos más; la cinta tiene una historia llena de gags idiotas, pero cool que le salvan entre lo menos peor del cómico, le ayudan en su consagración para los años siguientes, y no le hunde al nivel que ahora se encuentra, pero le ayuda, en esa época a volverse uno de los comediantes favoritos de su generación.
Recomendable con todo lo mencionado en la conciencia de quien la vea.

Thelma & Louise (1991)

La cumbre de títulos traducidos aleatoriamente al español (Un Final Inesperado) que en general arruina la película al hacer la forzosa espera del público por ese final inesperado que seguro en su momento fue la reina de los spoilers, es el trabajo más extraño de Ridley Scott en cuanto a lo que él está acostumbrado a dirigir, pues deja su megalomanía tradicional al ser requerido de productor para el proyecto rechazado de la guionista Callie Khouri, decidiéndose por también dirigir la película pese a ser varias veces bateado por productores y directores en pedidos anteriores; el guión retador había causado revuelo en las oficinas hollywoodense y solo un director con la hozadía de Scott sería capaz de llevar a cabo un proyecto tan transgresor de la ideología tradicionalista machista que reinaba omnipotentemente aún esos tempranos 90´s.
Es extraño decir, tras lo que ha pasado en los últimos años que el hecho de dos chicas escapando de una injusticia sea tema de polémica, pero quizás la simple e idiota idea de dos mujeres "deschongadas" volvió locos a todos, quebró los tabúes que ahora parecen tan ficticios y dió pie a una autovaloración femenina que inspiró seguramente desde a Tori Amos a las Spice Girls, de Marge Simpson a Buffy la cazavampiros, pues si pudieramos hablar de un verdadero Girl Power es el de esas dos chicas que basadas en las convenciones legales de la perspectiva del poder, encontraron en la misoginia callejera el punto de no regreso, que las volvió justicieras del destino conforme los eventos de la película van sucediendo.
Thelma (Geena Davis) y Louise (Susan Sarandon) son dos amigas bajo la sombra de las costumbres machistas, por lo que para darse un break deciden irse a acampar a las montañas, pescar y relajarse un poco de la cotidaneidad destructiva en la que viven; ya en su camino deciden parar en un bar para empezar bien su viaje con unos tragos, Thelma empieza a ligar con un tipo (Timothy Carthart), y mientras Louise va al baño el hombre saca a Thelma, ya medio borracha, al estacionamiento e intenta violarla, pero Louise llega a tiempo para salvarla disparándole al violador matándole... La vida ha cambiado, se cuestionan los siguientes minutos que qué harán, que nadie les creerá, solo les queda escapar... a México, ahí nadie las seguirá...
Siguiente entrada relevante en el momento: Harvey Keitel, el detective a cargo del asesinato, que en ningún momento las culpa, solo intenta saber qué sucedió en realidad, pero para cuando él las contacto, ese "point of no return" ya había sido cruzado, pues para su viaje Louise pide ayuda a su novio (Michael Madsen) de un préstamo para una "misión desconocida", dinero que es robado por un vaquero ladrón sensual (Brad Pitt), lo que hace que Thelma asalte una tiendita para recuperar el capital, cosa que vuelve la tarea de Keitel de ayudarlas ahora imposible... Su camino va topándose más y más con hombres machistas que las arrinconan a llevarlas al final inesperado que el título en español forza y que la volvió tan polémica solo en el panorama hollywoodense tradicionalista del final feliz.
Girl Power es todos los hombre son terribles, ¿película feminazi por excelencia? NOT!
Si se ha vuelto un clásico es porque no es absolutista, es perspectivista, cualquiera sabe, aún en Estados Unidos, que dentro de las minorías y dentro de las clases sociales bajas, en general, todos somos culpables hasta demostrar lo contrario; si en algo hace énfasis Khouri es en su nivel económico, Louise es una mesera y Thelma se ve mejor económicamente hablando, pero betada por las restricciones de su marido (Christopher McDonald), por lo que de inmediato su posibilidad de justicia se ve limitada, por lo que fuera del factor feminista extremo habla del punto del no retorno, algo forzado, pues finalmente ellas son las primeras víctimas en la historia, pintándolas no como malhechoras sino como reaccionarias a su situación específica... así que puede ser considerada, sí, una película de género, una road movie, pero nada transgresora contra la masculinidad, más bien un impulso al girl power positivo que la impulsa como propositora de igualdad y justicia más que la erradicalización fálica que parece fue el tema de controversia.
¿Mucha ideología y nada de factura? No he hablado tanto de eso, pues sí, para técnica, podría ser uno de los trabajos más sencillos de Scott, sin embargo, las actuaciones de Sarandon y Davis son excepcionales, quizás los mejores de sus carreras, pues se identifican empáticamente entre ellas, haciendo una relación inmensamente creíble, y hasta emocionable. Los papeles masculinos, desde nuestros queridos Mr White y Mr Blonde (referencia cinéfila a Reservoir Dogs) hasta el esposo, el vaquero y el violador, son aceptables pero secundarios, beneficiados primeramente del situacionismo de las protagonistas, no les resta, pero se sirven absolutamente de ellas...
Tenemos a Hans Zimmer desde aquellos tiempos con un soundtrack predecible para el momento, pero a Zimmer siempre es grato mencionar; y el hecho de que la película pese a su controversia es multinominada al óscar y es ganadora a guión original como bien merecido lo tiene.
La película se vuelve una parada obligada en la cinematografía obligada en la línea de tiempo del séptimo arte y es un clásico absoluto no solo en las road movies o películas de género o aventura, sino para cualquiera que guste del cine de cualquiera de los estilos que existan. Obligadamente recomendable.

From Dusk till Dawn (1996)

Luego de Desperado y Pulp Fiction, los amigos de A Band Apart, Quentin Tarantino & Robert Rodríguez, deciden hacer una película de vampiros, con el humor, la acción, la violencia y la inteligencia de ambos combinada, teniendo de resultado una de las piezas más controversiales de los 90´s, pues con un estreno ampliamente criticado, el tiempo restituyó éstas críticas gracias a la aceptación del público que llegó a volverla todo un clásico de culto, el inicio de una exitosa franquicia B, un comic y hasta una serie de televisión hoy en día. Sin podersele considerar parte del fenómeno grindhouse que ambos directores revivieron en el cine actual, Del Crepúsculo al Amanecer podría considerársele una predecesora del estilo, una contrariedad total a lo que ahora los vampiros son, y es totalmente comparable con otros clásicos del terror humorístico como Braindead de Peter Jackson, Evil Dead de Sam Raimi, y la más contemporánea Shaun of the Dead de Edgar Wright, por no mencionar el increíble peso de influencia que la cinta tiene hoy en día hacia directores de nuevo renombre como Rob Zombie, entre otros.
Sobre un par de hermanos bandidos (Tarantino y George Clooney), que huyen de la justicia hacia México cometiendo delitos en su escape, encontrando en este viaje a la familia de Jacob Fuller (Harvey Keitel), que incluye un hijo y una hija (Ernest Liu & Juliette Lewis), a quienes toma de rehenes para poder usar su camper en el camino hacia México, siendo estos quienes los lleven al bar Titty Twister, donde Seth Gecko (Clooney) vería un contacto para una nueva misión; sin embargo, es en este bar donde tras una exitante presentación de una hermosa mujer llamada Satánico Pandemonium (Salma Hayek), que se dan cuenta que el Titty Twister es un nido de vampiros a los que deberán enfrentar en lo que llega el amanecer.
Teniendo entre los extras a chicanos famosos como Machete (Danny Trejo), Cheech Marín y Tom Savini, la cinta comienza de una manera elegante roadtripping gracias al guión de Tarantino y la muy buena composición de Rodríguez, pero tras la participación de Hayek la cinta gira 180° para tornar al humor terrorífico que no le demerita pero sí le resta bastante de la tensión inicial del film, sin restarle puntos a su calificación final que es la que después de todo la iconiza y le da el papel en la historia que tiene ahora.
Sumándole a esto el excelente soundtrack por parte de Tito & Tarántula. que gran parte tienen en el resultado final de una de las escenas más memorables del cine de los últimos tiempos (la escena del Satánico Pandemonium), la cinta es una loquera absoluta que es recomendable para los fans de ambos directores, enfocado más al trabajo de Rodríguez, el grindhouse B, los verdaderos vampiros de película y el horror en chorros que harán lucir a los vampiros del siglo XXI más marica de lo que ya todos los consideramos.

The Grand Budapest Hotel (2014)

Basada en los escritos de Stefan Zweig, regresa el director de culto Wes Anderson, master of hipsters, para rehacerse aprovechando lo mejor de su tan aclamado estilo y hacer una composición perfecta que no solo destaca en narrativa o visualización, sino en interpretación y sonorización como una de las mejores películas que se hayan hecho en los años recientes, ya sea por su increíble elenco logrado conseguir para llevarlos a filmar a Alemania, sino en su operístico desarrollo donde el sarcasmo, el humor negro, la aventura, la fantasia, lo kitch, la velocidad, el detalle y el estilo destacan ubicandolo ahora sí innegablemente entre los mejores directores que haya habido jamás.
Comenzando en un monumento, un monumento al escritor, quien retrocediendo es interpretado por Tom Wilkinson, quien narrará una historia de él mismo jóven, interpretado ahora por Jude Law, en una plática con el millonario Zero Moustafa (Murray Abraham), quien le contará la historia de su fortuna, de cómo de un botones cualquiera (Tony Revolori) al servicio de M. Gustave (Ralph Fiennes, que termina llevándose la película) pasó a ser uno de los más ricos del mundo. En el cuento narra los gustos de Gustave por las ancianas, destacando su amor especial por Madame D (Tilda Swinton), quien, al ser asesinada, hereda un cuadro cotizado a su amante, lo que provoca que la familia de la anciana cace a Gustave, quien arrastra a Zero en la búsqueda de la solución de su inocencia, lo que termina en el cómo las cosas resultaron como resultaron.
Completando el elenco con Mathieu Amalric, Adrian Brody, Willen Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Bill Murray, Edward Norton, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Lea Seydoux y Owen Wilson, y música de Alexandre Desplat, la cinta es un deleite narrativo, visual y sobre todo autoral, deja la perspectiva de Anderson como una persistencia más allá de cuando termina la película, y sin duda consolida al director en un género absolutamente propio que seducirá hasta al más escéptico de su estilo para volverle adepto e inducirlo a conocer más del cine del director. Completa y absolutamente recomendable.

Taxi Driver (1976)

Quizás el primer gran hit de uno de los más grandes directores vivos, Martin Scorsese, ganadora de la palma de oro de Cannes, y estelarizada trascendental y magistralmente por Robert DeNiro en El Papel de su carrera, además de contar con la prematura y juvenil actuación de Jodie Foster como una prostituta de 13 años, y los roles secundarios interpretados por Cybill Shepherd & Harvey Keitel, la película ya es un culto en sí mismo, una referencia absoluta del cine de todos los tiempos, un fenómeno pop que ha repercutido en reinterpretaciones que van de los Simpson a la WWE, hasta Michel Gondry y su cortometraje adaptación de la misma, un homenaje por parte del videojuego Grand Theft Auto; hasta el hecho de que en nuestras vidas construídas por experiencias mediáticas, en algún momento de nuestras vidas todos hemos mirado al espejo y dicho "are you talking to me?"...
Sobre un veterano de la guerra de Vietnam que se vuelve taxista, se enamora de una oficinista que trabaja para un candidato a la presidencia de Estados Unidos, pero cuando la trata de ligar, ella se da cuenta del amor del taxista por el cine porno, y se aleja causando rencor y odio del taxista hacia el candidato presidencial, a quien pretende asesinar, hasta que el estado de vida en el que Iris (Foster) vive, le hace ver al taxista que a quienes debe asesinar es a otros...
Con un score inolvidable por parte de Bernard Herrmann y guión de Paul Schrader, Taxi Driver es un absoluto clásico tan grande como otros del olimpo fílmico como Citizen Kane, Lo que el Viento se llevó, etc... Una total recomendación y una indispensable para el cinéfilo promedio.

Reservoir Dogs (1992)

El hito generacional trazado por una leyenda naciente, apoyada por un actor que creyó en el proyecto y lo salvó de hacerse de manera independiente para volverse un clásico del cine de todos los tiempos, una marca que repercutió en decenas de directores y un estilo que rompió fronteras internacionalmente hablando, pues desde la película mexicana Amores Perros, de Iñarritu, hasta personajes en Scream, hasta impulsar a directores como Rob Zombie, Reservoir Dogs es el inicio de la carrera de Quentin Tarantino, ese ícono que a tantos nos da esperanza dentro de la creación cinematográfica como uno de los placeres artísticos con la mayor gama de posibilidades que existan.
Coproducida por el mismo Harvey Keitel (el actor que apoyó el proyecto), quien a la vez estelariza la película con su inolvidable actuacion como Mr. White, la cinta incluye también actuaciones icónicas en la historia del cine en escenas de las que se ha referenciado una y otra vez, como los elocuentes diálogos de Steve Buscemi como Mr. Pink o la escena del baile y la oreja protagonizada por Michael Madsen como Mr. Blonde. Además de contar con la participación de un fabuloso Tim Roth, Edward Bunker, el mismo Tarantino, Lawrence Tierney & Chris Penn.
La película que narra un escape tras un asalto a una joyería es de las películas más importantes en la historia del cine, marca un estilo, una tendencia, una leyenda, y es de esas que cada vez que la ves te gusta más, hallas más, amas más. Una imperdible que tan solo es el comienzo de una de las más persistentes carreras cinematográficas que haya habido.

Pulp Fiction (1994)

La consagración pulp de Quentin Tarantino como El Director de nuestros tiempos. Luego de Reservoir Dogs, Tarantino junta a un elenco épico que une a John Travolta, Bruce Willis, Samuel L Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, Christopher Walker, entre otros; para crear un clásico del cine del peso de un ET o un Casablanca (no por su contenido, sino por su fuerza, peso e importancia), con frases inolvidable e icónicas que podrían dar pie a millones y millones de palabras en favor de la cinta, y no por nada es que la cinta se vuelve acreedora de la Palma de Oro en Cannes y una indispensable parada de todos los directores del siglo XXI para la realización de sus propios films.
Contando varias historias con una línea de tiempo partida y a destiempo, cinta narra primeramente la historia de Vincent Vega (Travolta), quien se dice entre las leyendas urbanas es el hermano de Blonde de Reservoir Dogs, y Jules Winnifield (SL Jackson en EL papel de su carrera), quienes tienen que recoger un paquete de su jefe, Marcelus Wallace, y luego de sobrevivir a una balacera, Jules decide dar un giro a su vida y dejar a la mafia y hacer el bien, mientras que a Vega se le encarga cuidar a la esposa del jefe (Thurman), y en su "cita" a ella le da una sobredósis y tiene que solucionarla a mitad de la noche; la segunda historia narra cómo Butch (Willis) falla a su promesa de perder una pelea de box, y ahora la mafia de Marcelus Wallace le persigue para asesinarle, tarea que se ve interrumpida cuando en medio de una pelea Butch y Wallace terminan en un sótano donde policías violadores pretenden volverlos de su propiedad; y la última historia se enfoca en una pareja jóven de ladrones amateurs, Pumpkin y Honey Bunny (Plummer & Roth), que pretenden asaltar un restaurante en la carretera, sin saber que entre sus víctimas se encuentran Vega & Jules.
Marcando estatutos sobre el cine de fin y principio del milenio, con un sountrack que rehace la manera de hacerlos, un guión que cuenta con la colaboración de Roger Avary y una trascendencia única, aún mayor que cualquier influencia que Spielberg, los Wachowski, Zemekis o quien sea que haya hecho un blockbuster legendario hubiera tenido, Pulp Fiction rehace la manera de contar cine, sinedo una de las mejores películas de la historia del cine, por el mejor director de cine de nuestros tiempos; haciendo de ella una indispensable, una joya cinematografica y una innegable recomendación.